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Peinture à l'huile: Milt Kobayashi: Peignez ce que vous voulez voir

Peinture à l'huile: Milt Kobayashi: Peignez ce que vous voulez voir

Milt Kobayashi autorise les étudiants à prendre le contrôle total de leurs peintures et à ne pas se sentir obligés de peindre exactement ce qu'ils voient. Lors d'un récent atelier, il a encouragé les participants à modifier la pose, la coloration et les costumes d'un modèle en fonction de leurs propres idées.

par Molly Siple

Ses cours visent davantage à apprendre à être ouvert aux possibilités et moins à terminer la semaine avec une nouvelle liste de choses à faire et à ne pas faire. Comme l’a dit un étudiant en résumant l’approche pédagogique de Kobayashi, «il nous donne la permission de nous faire confiance.»

Les artistes qui ont récemment participé à l’un des ateliers de Kobayashi à l’école des artistes de Scottsdale ont découvert qu’il n’était pas facile de prendre des décisions de peinture basées sur les goûts personnels plutôt que sur l’observation. En fait, faire ce que vous voulez est un processus appris. L'apprentissage a eu lieu au cours de chacun des cinq jours de l'atelier, les matins étant consacrés à une démonstration de trois heures de Kobayashi, au cours de laquelle il parlait très rarement. «J'enseigne comme j'aimerais apprendre de Sargent», a-t-il expliqué. «Je voudrais que Sargent peigne et pas seulement en parle. Je découvrirais ce qu'il fait moi-même! "

Kobayashi a aidé un étudiant
renforcer sa peinture de figure.

Bien que Kobayashi manque de mots sur sa philosophie de l'art, il offre aux étudiants de nombreuses opportunités, par l'observation, de se familiariser avec son style de peinture.

Il donne également des indices sur son processus dans la façon dont il répond aux questions. Interrogé sur un mélange de couleurs particulier qui était un favori dans un atelier précédent, il répond: "Oh, je ne fais plus ça." Lorsqu'un élève voulait le coincer sur la façon dont il établit des ombres ou peint des mains, il a donné des réponses telles que «ça continue de changer» ou «je fais normalement ça, mais pas aujourd'hui». Les élèves ont compris qu'ils devaient rester dans le présent, faire confiance à ce qu'ils voyaient et prendre le contrôle artistique de leur travail.

Kobayashi propose aux élèves d'explorer et d'inventer de la même manière que les professeurs d'art enseignant l'expressionnisme abstrait dans les années 1960 ont placé le processus de peinture au-dessus du sujet. Le sujet réel - le modèle portant une tenue particulière et positionné dans une certaine pose - n'était qu'un point de départ. Le développement de la peinture est basé sur ce que l'artiste a vu sur sa toile. À propos de la peinture de la figure, il a dit: "Peignez ce à quoi vous pensez qu'il devrait ressembler."

Le premier jour de l'atelier a commencé avec Kobayashi saluant ce qui ressemblait à une petite foule de fans adorateurs. (La classe de 18 étudiants a rempli les 45 premières minutes après l'ouverture des inscriptions.) Plusieurs étudiants suivent ses ateliers depuis une décennie ou plus. Les amitiés chevronnées que Kobayashi a entretenues avec de nombreuses personnes sont rapidement devenues évidentes lorsque la pièce s'est remplie de rires et de discussions. Un étudiant a demandé: "Allez-vous nous parler de nouvelles couleurs secrètes que vous utilisez?" Il est immédiatement revenu avec: "Si je le savais, je ne vous le dirais pas." Cela a été dit avec un sourire narquois, car Kobayashi a dissipé toute barrière formelle entre l'enseignant et les élèves. Il s'est rendu lui-même et ses instructions accessibles, donnant aux participants l'impression qu'ils apprenaient d'un ami très bien informé.

Toutes les manifestations de Kobayashi ont eu lieu à une extrémité d'un studio long et ample. Le modèle a pris sa place dans une chaise en plastique blanc ordinaire posée sur une plate-forme basse. Pour commencer, Kobayashi a teinté une planche recouverte de toile de 11 x 14 avec un mélange de pigment vert foncé et ocre mélangé avec un diluant à peinture et de l'huile de lin. Il a appliqué des traits rapides et fermes, les a mélangés et a essayé diverses compositions en dessinant un contour basique de la tête et des épaules. Il a averti les élèves de s'assurer que la tête n'était pas alignée avec le torse car ce serait «bien trop raide», mais de l'incliner à la place. Il a également essayé de créer de la variété dans la pose. «Dans n'importe quelle pose, il y a un côté actif et un côté inactif. Je fais un côté très droit et l'autre tordu pour contrepoint. »

Ensuite, il a positionné le modèle pour qu'il corresponde à ce qu'il avait dessiné. Il inclina la tête et utilisa le crayon pour guider son regard. «C'est comme ça que je travaille», a-t-il expliqué. "Je commence par une idée de la façon dont je veux la peinture, puis j'ai le modèle assis de cette façon." À ce stade du dessin initial, il a également commencé à établir la position des mains, en les indiquant avec de simples rectangles. Il a essayé plusieurs positions, quelque peu arbitraires en termes d'anatomie et de pose du modèle, mais importantes en termes de design. Il recula fréquemment de la toile pour évaluer la composition, puis il ajusta le placement et l'angle des éléments, repositionnant pour l'écoulement, jusqu'à ce qu'il soit satisfait.

Beaucoup d'étudiants
(et leurs animaux de compagnie) avaient
participé à des ateliers précédents
avec Kobayahshi et étaient
familier avec son approche.

Pour définir la forme de la tête, Kobayashi a dessiné un cercle pour le crâne supérieur, puis a ajouté une sorte de triangle avec une pointe plate - une forme de museau pour l'avant du visage. Si l'emplacement ne semblait pas correct, l'artiste pouvait déplacer ces formes brièvement notées. Il a fini de planifier le visage en indiquant les yeux le long de l'arc où le cercle s'est coincé dans le triangle. La bouche est allée à la pointe du triangle, et en dessous, il a dessiné un cylindre saillant qui définissait le menton.

Kobayashi attribue à George B. Bridgman, un professeur renommé d'anatomie à la Art Students League de New York, à Manhattan, pendant plus de 50 ans, pour cette approche pour dessiner la figure dans laquelle la forme humaine est réduite à des blocs coincés dans d'autres blocs. . "Sa méthode était simple et facile, et les blocs indiquaient la direction des différents éléments du corps", a-t-il expliqué. "Cette approche vous permet d'obtenir le bon squelette sans trop vous soucier des muscles - ce qui fonctionne pour mon genre de peinture." Kobayashi a recommandé aux étudiants d'acheter des exemplaires des livres de Bridgman pour référence: Guide complet de Bridgman pour dessiner de la vie (Sterling Publications, New York, New York); Têtes, personnages et visages (Publications Dover, Mineola, New York); Anatomie constructive (Publications Dover, Mineola, New York).

"Parfois, la pose que je veux est vraiment difficile à tenir", a expliqué Kobayashi. «Je pense que cela vient de mes premières années de caricature, mettant les personnages dans des positions étranges.» Pour surmonter ce problème d'avoir un modèle tenant une pose maladroite, Kobayashi travaille souvent à partir de photographies Polaroid du modèle.

"Avant de me lancer dans trop de dessins, j'aime peindre les masses pour voir où va la peinture", a expliqué Kobayashi en poursuivant la démonstration. Il a utilisé un pinceau noisette n ° 4 et sa palette standard de tons terre, y compris une couleur mère comme le noir ou un gris chaud prémélangé, mais pas de cadmiums et rarement blanc. Il privilégie également les couleurs de la série Mars mais, au-delà de cela, il ne donne pas aux étudiants une palette de pigments spécifiques car ses favoris changent constamment. À l'aide d'ocre jaune, il a décrit la tête avec des traits de largeur variable pour transmettre la forme et a tamponné des valeurs pour les yeux, le nez, la bouche et les oreilles. Il s'arrêta un moment pour assurer aux étudiants qu'ils pouvaient jouer avec le placement des traits. «La peinture est vraiment un mensonge. Tout ce que vous avez à faire est de convaincre le spectateur que la peinture a raison. » Il s'est ensuite massé sur une masse sauvage de cheveux. Pendant qu'il peignait, Kobayashi a commenté: «J'essaie de peindre les cheveux rapidement et en vrac parce que les cheveux sont lâches. Je me souviens du type de matériau que je peins pour que les coups de pinceau l'expriment. »

Travail étudiant
Kobayashi évite tout
critique formelle de l'étudiant
travailler parce qu'en classe
il n'y a pas assez de temps
pour apporter des peintures à
l'achèvement, et il se sent
les juger serait
prématuré. Cependant,
Au fil des ans, Kobayashi a
vu une erreur le plus
les élèves font: ils ont peur
utiliser les ténèbres et commencer
leurs peintures avec un
ton moyen qui fait
leur travail semble boueux.

Kobayashi peut également changer la couleur des cheveux. Dans cette démonstration, il a peint les cheveux avec Mars noir parce que "ça sèche vraiment noir." Le noir est un élément essentiel de la palette de Kobayashi, dans la tradition d'artistes tels que Degas, Manet et Velázquez. En général, il préfère le noir ivoire plutôt que les noirs charbon, et quand il veut que les cheveux soient très noirs, il ajoute du bleu outremer.

Il a ensuite abordé les tons chair du visage et du cou, en utilisant notamment des couleurs boueuses, qui font partie de son style de signature. Il peut commencer par le violet de Mars ou le jaune de Mars, ou un monochrome chaleureux par Holbein. Si un peu de pigment noir laissé dans son pinceau de la peinture les cheveux se mélange avec les autres couleurs, tant mieux. "Pour moi, il y a quelque chose qui ne va pas avec les couleurs charnues, les pansements et les joues rouges", a commenté Kobayashi. «Ils me désorientent et le tableau commence à se diriger dans une direction plus conventionnelle au lieu d'être un Kobayashi. Je me sens plus libre lorsque j'utilise des couleurs inhabituelles. » En répondant à la question d'un étudiant sur les pigments spécifiques utilisés pour le visage, il a révélé le plaisir qu'il avait à ne pas être conventionnel. "Je prévois un teint gris et laid - un aspect très mort."

Il a ensuite bloqué dans l'ombre de l'orbite, suivi de la couleur sur la crête du nez et de l'ombre sous la lèvre et sur le cou. Il a mélangé du bleu, de la terre de Sienne brûlée et un blanc jaunâtre pour ceux-ci. Il aime aussi l’orange Mars de Holbein parce que «ce n’est pas trop brun. Il réchauffe un bleu clair et crée un superbe ton d'ombre. » Ensuite, il a rempli la partie exposée de la poitrine près du décolleté, mais avec une valeur plus claire car cette partie du corps reçoit généralement moins de soleil que le visage. Pour Kobayashi, la valeur est plus importante que la couleur. «La valeur fonde votre peinture. Vous pouvez ensuite utiliser la couleur de votre choix. »

Il tourna de nouveau son attention vers les mains, faisant essayer au modèle différentes positions. "Je suis comme un réalisateur. Je prends beaucoup de temps à poser les mains pour qu’elles ne soient pas serrées ou aient une forme trop géométrique. Pliez un peu le poignet sinon il sera trop droit et ressemblera à une bûche. Pensez à la façon dont les danseurs tiennent leurs mains dans des positions qui donnent du mouvement à la forme. Je veux qu'ils soient placés gracieusement. » Il prend des photos Polaroid des mains du modèle et les utilise pour se poser dans les plans de base. Bien qu'il rend les mains grandes, il aime peindre les bras maigres pour donner plus d'action à ses peintures et pour diriger le regard du spectateur vers l'extérieur et dans l'image. Ses bras sont en forme de tube, sauf lorsqu'ils reposent sur un dossier de chaise, s'enfoncent dans le rembourrage ou offrent la possibilité de créer un bord doux et une forme intéressante.

Kobayashi a procédé en couvrant la toile, en posant toutes les valeurs et formes. «À ce stade, je veux savoir comment tout se rapporte», a-t-il expliqué. Il a ensuite demandé aux élèves de décider de la couleur de la blouse du mannequin. Il a suggéré une couleur froide pour que la couleur du visage ne soit pas terne. Les étudiants ont opté pour la lavande et Kobayashi a mélangé une pervenche à partir d'une combinaison de gris violet et de rose. Il a ensuite recouvert le fond d'un beige chaud à l'aide d'un pinceau n ° 8 et d'un couteau à palette, en coupant la forme des cheveux avec la peinture de fond. Il a gardé cette couleur claire pour conserver la silhouette de la figure. L'artiste dit qu'il évite le bleu pour le fond car il ressemble trop au ciel.

Tout au long de cette mise en place, les coups de pinceau de Kobayashi ont été assurés et harmonieux. À cet égard, l'artiste a eu un conseil fascinant pour ses élèves: «Il y a un rythme à la peinture qui s'étend de la palette à la toile, et la taille des récipients que vous utilisez pour contenir votre solvant et les pigments peuvent affecter cela». il a conseillé. «Utilisez de gros contenants pour faire de gros coups. Je garde les pinceaux dans une boîte de café qui contient du diluant à peinture et j'utilise une boîte de thon avec le couvercle retiré pour l'huile de lin. De plus grands conteneurs me permettent de faire tourner librement la brosse. C'est une chose à flux continu. Je n'utilise pas ces minuscules tasses qu'ils vendent pour contenir du pétrole. Faire un petit plongeon avec un pinceau dans l'un de ceux-là et ensuite un gros coup sur la toile est un rythme différent. »

Une fois l'installation terminée, Kobayashi a terminé la première étape de son processus de peinture en un peu plus d'une heure. «La deuxième étape consiste à nettoyer le dessin», a-t-il expliqué. Peignant mouillé sur mouillé, il retravaille le visage. "Maintenant, je le redessine pour moi." Il a modifié les valeurs, ajouté un peu de violet de Mars aux joues et souligné la projection du nez.

Au cours de la deuxième étape, Kobayashi s'est tenu très près de la toile pour une «peinture sérieuse». Les élèves ont examiné de près les jumelles qu'on leur a demandé d'apporter avec leurs fournitures de peinture. Il a ajouté un peu de lumière au côté le plus sombre du visage parce que, comme il l'a expliqué, «ce côté se courbe dans la lumière» et a ajouté une ombre au côté le plus clair pour l'éclairer. Ensuite, il se concentra sur la bouche, sculptant le bord avec le ton de chair adjacent. Il a détaillé les mains. "Je pense aux trois doigts du milieu de la main comme un coin avec l'auriculaire et le pouce plus comme des accents", a-t-il commenté. "Ceux-ci donnent une expression à la main." Il a peint des lignes noires et épaisses entre les doigts pour les définir. Il a également noté un changement de couleur au niveau de l'os du poignet et peint un plan d'une rose profonde. Mais les mains étaient toujours plates et stylisées, rappelant les mains graphiques de l'expressionniste viennois Gustav Klimt.

À ce stade, Kobayashi a envisagé d'ajouter un motif au chemisier de la figure. Fidèle à la liberté qu'il s'accorde dans la peinture, il a réalisé un dessin de patchs de danse de couleur ou de rayures. À présent, la personnalité de la figure émergeait. Quand un étudiant lui a demandé qui étaient les femmes dans ses peintures et si elles avaient un message, Kobayashi a répondu d'un ton neutre: «Je suis un grand croyant en« c'est ce que c'est. »C'est juste ainsi que je peins femmes. Je ne peux pas l'expliquer. "

Kobayashi a travaillé sur plus de détails en passant à la troisième étape. Il a décidé où placer la pupille de l'œil - 1 heure et plus pour ouvrir l'œil - et, pour donner de la texture à la pupille, il a recommandé d'utiliser une peinture à la main visqueuse comme Doak ou Harding et de tremper le bout de l'œil. badigeonner le pigment. Ensuite, il a ajusté les cils et les sourcils et ajouté à la bouche - la partie la plus expressive du visage car elle change toujours. «À ce stade, je vérifie également comment un AVC fonctionne avec un autre. Je veux que la surface soit attrayante. » Il décrit son coup de pinceau de signature comme «plus rond» et préfère donc les modèles avec un visage plus ample.

Après une pause déjeuner, les participants à l'atelier sont retournés au studio pour découvrir trois modèles posant dans différentes zones de la salle. Ils ont commencé à peindre les femmes, et Kobayashi a visité la pièce en félicitant une bonne forme, la planéité graphique d'un dessin ou la manipulation de la couleur. Il a expliqué qu'il parlerait fort en critiquant la peinture de chaque personne afin que ceux confrontés à des problèmes similaires puissent bénéficier de ses commentaires. Un élève avait des problèmes avec la rose d'une robe en satin que portait l'un des modèles, alors Kobayashi lui a montré une reproduction d'une peinture de Sargent dans laquelle il avait manipulé du satin. Il a ensuite aidé l'élève à trouver la couleur de base du tissu que le modèle de classe portait et à peindre avant de lui ajouter des ombres et des couleurs claires. Il a également rappelé le moment où il a numérisé une peinture figurative Sargent dans son ordinateur et a effacé numériquement les quelques zones les plus sombres et les faits saillants pour découvrir que le maître s'était principalement appuyé sur seulement deux valeurs pour représenter la forme.

Pour un autre participant, il a déterré un peigne espagnol et l'a placé dans les cheveux du modèle pour compléter le fond que l'étudiant avait peint. Au cours de l'après-midi, tout le monde était plongé dans son travail. La peinture s'est soudainement amusée lorsque Kobayashi a libéré les élèves de l'étude du modèle et les a encouragés à créer leurs propres peintures originales.

Au cours de l'atelier, Kobayashi a établi une relation chaleureuse avec ses élèves. Le dernier jour, quelqu'un a apporté un cordonnier et de la crème glacée à partager, et Kobayashi a donné aux étudiants des câlins avant de poursuivre leur chemin.

À propos de l'artiste
Milt Kobayashi est né à New York, un Japonais-Américain de troisième génération, mais il a passé sa petite enfance à Oahu, à Hawaï, puis à Los Angeles. Il a obtenu un B.A. de l'Université de Californie, Los Angeles, en 1970, et a rapidement commencé à travailler comme illustrateur. Cependant, son style ne convenait pas au marché de l'art commercial de Los Angeles, et il est retourné à New York en 1977. Ici, lors d'une visite au Metropolitan Museum of Art, à New York, il a été tellement frappé par une peinture de Velázquez, le portrait Juan de Pareja, que sa carrière a pris un tournant majeur vers les beaux-arts. Kobayashi a commencé à étudier le travail de Whistler, Chase et Sargent, tous artistes également influencés par Velázquez. Par la suite, l'art japonais est également devenu une inspiration pour Kobayashi, en particulier les maîtres japonais de l'estampe japonaise Ukiyo-e des XVIe et XVIIe siècles, tels que Hokusai, Sharaku et Utamaro. Kobayashi a reçu deux récompenses majeures: la National Academy of Design Ranger Purchase Award et la Allied Arts Silver Medal.

Molly Siple écrit fréquemment sur l'art de sa ville natale de Los Angeles et est membre artiste du California Art Club. Voir son autre article dans ce numéro sur Kenn Backhaus.

Voir la vidéo: Comment commencer à peindre avec des peintures à lhuile (Septembre 2020).