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Aquarelle: Sondra Freckelton: Planification de l'expression

Aquarelle: Sondra Freckelton: Planification de l'expression

Sondra Freckelton est largement reconnue pour ses aquarelles bien planifiées, réfléchies et habilement conçues qu'elle développe en utilisant des principes qui élargissent l'expression artistique; et elle est appréciée pour avoir aidé les autres à apprendre ces principes tout en acquérant une compréhension concrète de l'aquarelle.

par M. Stephen Doherty

Palette hollandaise
1998, aquarelle, 28 x 27.
Collection de l'artiste.

Quand l'artiste new-yorkais Sondra Freckelton emmène les élèves à travers une série d'exercices conçus pour les aider à comprendre comment rendre leurs peintures plus dynamiques et invitantes pour les téléspectateurs, ils sont étonnés. Et lorsqu'elle démontre comment travailler avec de l'aquarelle transparente pour tirer le maximum d'avantages du médium, ils sont surpris de la logique et de la pertinence de ses méthodes, surtout si elles ont suivi d'autres ateliers au cours desquels elles ont été enseignées. Comment peindre, mais pas Pourquoi. À la fin de l'atelier, les étudiants remarquent souvent qu'ils ont appris à composer et à exécuter des aquarelles pour la toute première fois.

Certains des exercices que les élèves de Freckelton entreprennent sont conçus pour les aider à comprendre comment sélectionner et appliquer les couleurs, tandis que d’autres visent à leur faire reconnaître les façons dont les matériaux peuvent être utilisés pour expliquer la raison pour laquelle ils ont choisi un certain sujet. Par exemple, elle montre comment peindre une simple pomme ou prune en superposant des tons des trois couleurs primaires pour obtenir la couleur sur le papier plutôt qu'en mélangeant la couleur sur la palette. Freckelton explique que parce qu'il s'agit d'un médium transparent, les artistes peuvent obtenir une teinte plus riche pour peindre des objets lumineux ou vivants avec des couleurs obtenues où toutes les couleurs utilisées sont évidentes; et plus tard peut-être en contrastant cela en mélangeant les couleurs sur la palette pour des sujets qui ne dégagent pas la lumière, comme le tissu ou le bois. Les élèves tentent ensuite de superposer des couleurs transparentes sur une forme ovale dessinée sur un morceau de papier blanc immaculé, toujours conscients de la façon dont les couleurs interagissent et se construisent vers l'illusion d'un objet tridimensionnel.

Fin de l'été
1995, aquarelle, 39½ x 36.
Collection privée.

Aider les élèves à comprendre comment transmettre les raisons pour lesquelles ils ont choisi un sujet est un défi plus important, car la plupart des aquarellistes apprennent à peindre simplement ce qu'ils observent, à ne pas se concentrer sur les raisons pour lesquelles ils ont été attirés par un sujet. Dans un exercice, Freckelton demande aux élèves de concevoir des formes abstraites qui transmettent des émotions fortes telles que la peur, la paix, la colère ou la joie. Une fois qu'ils ont sélectionné un sujet, elle recommande aux élèves de se rédiger une carte postale avec un message qu'ils souhaiteraient qu'un spectateur de leur peinture reçoive. Après avoir terminé le tableau, les élèves comparent les deux formes de communication pour déterminer si elles correspondent.

«Les aquarellistes débutants doivent penser à choisir un sujet, à comprendre pourquoi ils l'ont choisi et à déterminer les facteurs les plus importants et les plus intéressants; plus tard, ce processus devient naturel », explique Freckelton en résumant ses conseils. «Faire de l'art, c'est plus que simplement enregistrer des faits. Le peintre doit exagérer des questions importantes et diminuer ou laisser de côté des détails sans importance ou obscurs. L'œil sélectif doit être développé.

«Après des années à faire de l'art, j'ai réalisé que plus je pouvais être économique en peignant un sujet, plus j'en approcherais l'essence», poursuit Freckelton. «J'ai également compris qu'en exagérant les caractéristiques importantes et en minimisant les facteurs qui n'amélioraient pas la forme, la lumière, le rythme ou le mouvement, je mettais l'accent sur le concept principal qui m'a motivé à peindre le tableau. En même temps, j'ai pu arriver à une image qui avait plus de vie.

Bleuets Zinnias
1979, aquarelle, 28½ x 29.
Collection privée.

«L'étape suivante est la plus difficile mais la plus utile», explique l'artiste. «Cette étape consiste à utiliser des éléments de composition pour renforcer vos idées et transmettre votre vision à un public. Il y a des éléments standards de conception - ligne, forme, volume, tonalité - mais il y a d'autres questions à considérer dans la présentation d'un point de vue particulier. Ceux-ci incluent le format de la peinture (carré, horizontal, vertical); le point de vue de l'artiste (au-dessus, en dessous ou même avec le sujet); proportion d'espaces et de couleurs; et les formes qui conduisent les spectateurs dans, autour et hors de l'espace pictural. Ce sont ces considérations qui peuvent faire d'une peinture un barbouilleur pour piétons en une œuvre d'art passionnante. »

Freckelton recommande souvent aux artistes de faire des croquis miniatures rapides de leurs peintures prévues afin qu'ils puissent évaluer certaines de ces considérations de composition avant de commencer à peindre. «L'esprit devrait commencer à travailler bien avant que la brosse ne touche le papier», recommande-t-elle. L'une des principales considérations est l'emplacement du centre d'intérêt, et une autre est la création d'un point d'entrée à partir duquel le spectateur est conduit dans l'image. «Il y a une raison pour laquelle le milieu géographique du journal est appelé« point mort »», commente-t-elle. «C'est parce qu'une peinture dans laquelle le sujet se trouve à cet endroit sera sans vie. Vous aurez toujours une image plus engageante lorsque le centre d'intérêt est situé d'un côté ou de l'autre conformément aux intentions de l'artiste.

"De même, si une image manque d'un point d'entrée - souvent une forme diagonale s'élevant du bas de la page - les téléspectateurs sentiront qu'ils s'immiscent dans une scène privée plutôt que d'être invités dans l'image", ajoute Freckelton. "Et s'il y a un point d'entrée, il doit également y avoir un point de sortie, généralement une diagonale qui fait traverser le spectateur à l'image."

Fin de l'automne
1996, aquarelle,
37 x 38. Collection
l'artiste.

Freckelton et son mari, l'artiste Jack Beal, amusent souvent leurs élèves en se référant à cette utilisation des avions d'entrée et de sortie comme l'invention d'une «composition à clapet». Par cela, ils veulent dire que le plan de l'espace sur lequel le spectateur pénètre dans une peinture peut être considéré comme un trapèze articulé à des trapèzes de forme similaire à travers lesquels ils sortiront. En termes plus simples, c'est comme un champ d'herbe rencontrant le ciel le long de l'horizon, le champ apparaissant comme la moitié inférieure de la coquille, l'horizon étant la charnière et le ciel étant la moitié supérieure de la coquille. "Aussi stupide que cela puisse paraître - et nos anciens élèves nous envoient de vraies palourdes et des peintures de palourdes tout le temps - penser à une coquille rappelle aux artistes de considérer l'espace dans leurs peintures", explique Beal. «Trop d'artistes peignent une vue directe sur des objets assis sur une étagère plate ou posent des modèles dans un cadre étroit et scénique. Le résultat est que les peintures n'ont pas la profondeur que l'on pourrait imaginer en peignant les mêmes sujets sous un angle ou une hauteur différents. »

En plus de ces considérations, Freckelton utilise une esquisse miniature pour déterminer si les objets d'une nature morte dépasseront les limites du papier ou seront confinés par eux, si les éléments d'une image peuvent agir comme des zones d'intérêt secondaires ou tertiaires, si les formes et les motifs peuvent être répétés pour donner du rythme à la composition, et si les éléments peuvent être exagérés dans l'échelle ou la direction pour ajouter de l'anticipation et de l'énergie à l'image. Par exemple, dans beaucoup de ses tableaux de natures mortes, Freckelton inclinera
une table en avant de sorte que les objets qui y reposent soient prêts à rouler et à se placer sur les genoux du spectateur; ou elle agrandira l'échelle d'une fleur pour la rendre plus importante que les autres ou pour renforcer l'illusion de l'espace et de la distance.

Pivoines dans un bol irisé
2000, aquarelle,
23¾ x 30. Collection
l'artiste.

L'espace ouvert ou négatif est tout aussi important pour le plan de Freckelton que l'espace positif. Elle croit que la forme et la valeur d'un mur d'arrière-plan peuvent être tout aussi importantes pour le succès d'une peinture que les détails peints dans les objets devant elle. «Tout comme un grand morceau de musique offre une variété de sons forts et doux, et une grande performance de danse mélange l'athlétique avec le gracieux, ainsi une grande peinture doit offrir des zones d'excitation et de repos. C'est une question de proportion - de motifs, de formes et de couleurs. "

Certains aquarellistes croient que tout ce travail préparatoire étouffe la créativité car il transforme la peinture en un processus d'exécution d'un plan établi plutôt qu'en une exploration de l'image en évolution. "C'est tout le contraire", répond Freckelton. «Le plan évolue et change également à mesure que vous regardez et découvrez d'autres éléments qui améliorent votre concept d'origine. Une fois que vous savez pourquoi vous peignez un sujet, comment vous allez composer une image et que vous avez une idée générale de la séquence d'application de peinture que vous allez utiliser, vous êtes libre de faux départs et de corrections frustrantes et pouvez alors répondre à la manière la peinture embrasse le papier. Sans une sorte de plan, vous aurez du mal avec tous les aspects du processus de peinture. »

Pichet à balle
1989, aquarelle, 54 x 45.
Collection de l'artiste.

À propos de l'artiste
Sondra Freckelton a étudié à la School of The Art Institute de Chicago et a commencé sa carrière artistique en tant que sculpteur travaillant le bois et le plastique. Elle a changé son intérêt pour l'aquarelle dans les années 1970 et s'est rapidement imposée comme l'une des artistes les plus importantes travaillant avec le médium. Ses peintures ont été exposées dans des galeries et des musées à travers les États-Unis, elles ont été acquises pour d'importantes collections publiques et privées, et elles ont été reproduites dans des dizaines de magazines, livres et catalogues. Ses peintures ont été exposées à la Art Gallery de SUNY Oneonta (sur le campus de la State University of New York College) du 28 août au 14 septembre 2006 et reproduites dans un catalogue pour cette exposition. Pour plus d'informations sur la galerie d'art de SUNY Oneonta, contactez Timothy Sheesley à SUNY Oneonta, 222 Fine Arts Building, Oneonta, NY 13820; (607) 436-2445.

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