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Peinture à l'huile: Travis Schlaht: suite à l'inspiration

Peinture à l'huile: Travis Schlaht: suite à l'inspiration

Le peintre new-yorkais Travis Schlaht cherche - et trouve - une beauté irrésistible dans de nombreux coins de la vie. Puis, utilisant une palette sobre mais puissante, il la reflète sur toile.

par James A. Metcalfe

Bar II
2005, huile sur lin, 26 x 36.
Toutes les illustrations cet article privé
collection sauf indication contraire.

Travis Schlaht a une philosophie simple mais définie sur la peinture: «Un artiste devrait inspirer», déclare le Californien natif. Les artistes peuvent toujours inspirer, ne serait-ce que par l'illustration de la beauté visuelle de la vie. » Pour y parvenir, Schlaht, qui avoue être fortement influencé par les peintres du XIXe siècle, peint simplement les scènes et les objets qu'il trouve à la fois beaux et irrésistibles.

Lorsqu'il examine un sujet de nature morte, l'artiste sélectionne des objets auxquels il est attiré par l'esthétique ou se sent en quelque sorte connecté. «C'est peut-être à cause de la texture, de la couleur, de la forme d'un objet ou de la manière dont la lumière se réfléchit ou se déplace à travers lui qui me fait signe de le peindre», explique l'artiste. Dans Bar II, par exemple, Schlaht a voulu capturer des aspects différents mais harmonieux de la configuration. «Chaque bouteille avait son propre attrait esthétique», explique-t-il. «La forme et la couleur du liquide dans chacun étaient directement affectées par ce qu'il y avait derrière, et j'ai trouvé cela visuellement fascinant. Je dois voir quelque chose d'intéressant si j'espère faire une peinture intéressante. »

Camion rouge
2004, huile sur lin, 8 x 10.

Schlaht pense que ce qui distingue les artistes, ce sont leurs réponses personnelles aux objets, aux lieux et aux individus. «Peu importe comment un tableau est achevé ou qui l'a peint, mais plutôt si une image particulière peut ou non résonner auprès du spectateur», souligne-t-il. "Dix personnes peuvent étudier et peindre le même sujet, mais les peintures varieront énormément en fonction des réponses émotionnelles des artistes à leur sujet." Et bien que Schlaht estime qu'il est important d'évoquer une réponse du spectateur, il ne veut jamais imposer ce que devrait être cette réponse. "Si un spectateur est incapable de déterminer quel objet j'ai peint, alors j'ai probablement échoué. Mais ce que les téléspectateurs en pensent est à eux. Mon seul espoir est qu'ils auront une réponse honnête au sujet ainsi qu'à la façon dont il est peint. "

Schlaht assure une réponse honnête à ses tableaux en commençant par une approche honnête. Parlant de son travail de paysage en plein air, l'artiste dit: «Il s'agit d'essayer de capturer la plénitude de l'endroit où je suis. Je passe des heures à regarder et à explorer ce qui est devant moi, sans parler de l'absorption de la myriade de sons et d'odeurs uniques à cet endroit spécifique. » Comme Schlaht ne peint que de la vie, il connaît également les obstacles que présente la peinture en plein air. Comme de nombreux artistes, il trouve que «le défi le plus formidable est de capturer l'atmosphère, la profondeur, l'échelle et la grandeur tout en conservant à la fois la couleur et la perspective linéaire, tout en combattant simultanément les éléments», dit-il, ajoutant, «et de faire tout cela en moins de quatre heures, avant que la lumière ne change complètement.

Deer Isle Inlet
2005, huile sur lin, 17 x 24.

«Puisque l'air diminue la valeur et les gammes de couleurs», explique-t-il, «plus il y a d'air et d'atmosphère entre vous et le sujet, moins la couleur devient chromatique et plus la gamme de valeurs diminue (les lumières deviennent moins claires et les ténèbres deviennent moins sombres). Dans Deer Isle Inlet, par exemple, j'ai essayé de créer une atmosphère avec des couleurs en rendant les arbres de l'arrière-plan moins chromatiques et les arbres à flanc de colline moins verts, ce qui a donné à ces arbres une gamme de valeurs si petite que les arbres individuels ne peuvent pas être distingués. Notez également les bords, ou l'absence de ceux-ci, là où la colline rencontre le ciel. Ils sont beaucoup plus mous et moins définis que les rochers sur le côté de la falaise au premier plan. "

Schlaht a également essayé de représenter un fort sentiment d'atmosphère dans Camion rouge. "Le camion au premier plan a à la fois une grande chrominance et une large plage de valeurs", explique-t-il, "tandis que l'arbre en arrière-plan est peint dans des tons de vert atténués et a une plage de valeurs étroite." En peignant ce contraste, Schlaht a attiré l'attention sur son sujet et a évoqué le sens d'un lieu particulier à une époque particulière. «Je ne me propose pas de peindre spécifiquement l’ambiance», affirme l’artiste. "Mais peindre l'effet de l'atmosphère créera en soi une ambiance." Il pense que la façon dont un spectateur réagit à un sujet ou à un effet de lumière déterminera également l'ambiance d'une peinture. «L'humeur est une chose amusante», dit-il. "Je ne peux ni ne veux contrôler l’humeur du spectateur. Dans Pain et beurre, par exemple, certains téléspectateurs peuvent regarder la souris et avoir une réponse négative. Pour eux, la souris pourrait représenter la saleté et la décomposition ou l’intrusion de la nature dans le mode de vie de l’homme. Pour d'autres, il s'agit d'une image optimiste dans laquelle les besoins du petit bonhomme [la souris] sont enfin comblés en abondance. Je crée une image; l'interprétation du spectateur donne le ton. "

Matériaux de Schlaht
Schlaht estime qu'il est essentiel de bien connaître ses matériaux. «Cela me permet de me concentrer plus efficacement sur l'apparence de la peinture», dit-il. Sa toile de prédilection est le lin portrait Claessens. "Ce n'est pas trop lisse et l'épaisseur du tissage n'est pas trop distrayante", dit-il. En termes de peinture, les facteurs les plus importants qu'il considère sont la cohérence et si la peinture est suffisamment malléable pour qu'il renonce à utiliser un support. Ses peintures préférées, en fonction de la couleur particulière, sont celles d'Old Holland, Schmincke-Mussini, Rembrandt et Gamblin. Il utilise principalement des brosses synthétiques douces Winsor Newton. Il préfère la térébenthine distillée anglaise aux diluants non toxiques et inodores en raison de sa résistance et de sa rapidité d'évaporation.

Grange blanche
2005, huile sur lin, 8 x 10.
Avec l'aimable autorisation de la John Pence Gallery,
San Francisco, Californie.

Quel que soit le sujet, la véritable passion de Schlaht est l’acte de peindre. L'artiste passe facilement jusqu'à 14 heures par jour à peindre dans son atelier et travaille souvent d'abord tous les problèmes de dessin sur papier. «Je passe beaucoup de temps à établir la conception d'une peinture», dit-il. "Quand je serai enfin satisfait de la composition, je commencerai le dessin, généralement avec de l'ombre brûlée sur une toile tonique. Cependant, lorsque je travaille sur une figure, je vais d'abord faire un dessin en graphite, puis transférer ce dessin sur toile.

"Pendant que je travaille sur le dessin, je mets les choses au bon endroit et j'obtiens les bonnes proportions de la personne ou de l'objet", poursuit l'artiste. «Par exemple, dans Valentin Je ne veux pas dessiner toutes les parties de l'œil du sujet; Je suis plus soucieux de capturer les distances et les relations entre les yeux, le nez et la bouche. Le dessin est crucial car après avoir commencé, une peinture s'écarte rarement de son aspect d'origine. »

Pain et beurre
2005, huile sur lin, 11 x 15.
Avec l'aimable autorisation de la John Pence Gallery,
San Francisco, Californie.

Le plus souvent, Schlaht peindra un objet jusqu'à son terme, généralement le plus intéressant ou celui avec la plus grande plage de valeurs, puis reliera tout le reste de la peinture à cet objet d'origine. Il se donne cependant de la place pour être flexible et n'est pas nécessairement opposé au déplacement ou à l'ajout d'un élément si cela se traduira par une meilleure composition. Et bien qu'il se considère fidèle à son sujet, il admet ne pas être «servilement vrai». «Je ne suis pas apte à peindre tous les détails, et je suis souvent plus intéressé par l’évocation d’un coup de pinceau que je ne représente les moindres nuances d’un objet», admet-il.

En ce qui concerne son choix de couleurs, Schlaht utilise des tons sobres pour s'assurer que lorsqu'il utilise des couleurs intenses, cela a un impact significatif. «J'utilise la couleur pure uniquement pour les accents; pour le reste du tableau, j'utilise généralement des tons sourds », explique-t-il. Deux des bouteilles en Bar II, par exemple, ont des dessus de cire rouge vif. «Pour garder la cire d'un rouge riche, j'ai utilisé du rouge pur uniquement dans la partie la plus brillante du haut. La valeur moyenne était rouge mélangée avec un peu d'ombre brûlée pour abaisser sa valeur. Si je venais d'utiliser du blanc pour donner la forme supérieure, la cire serait rose et délavée », dit-il.

Attendre
2004, huile sur lin, 14 x 22.

Sa palette se compose d'environ 24 couleurs. "Ce n'est pas que je pense qu'il est important d'avoir autant de couleurs; c'est juste ce que j'ai accumulé », explique Schlaht. Il trouve utile d'utiliser les mêmes couleurs dans le même ordre chaque fois qu'il peint. "De cette façon", dit-il, "vous savez toujours où se trouvent les couleurs dont vous avez besoin, et vous ne perdez pas de temps à chercher la bonne. Certains artistes ont une palette pour le paysage et un autre ensemble de couleurs pour la figure, et ils ajoutent ou soustraient constamment en fonction du sujet qu'ils peignent. C'est trop déroutant pour moi. J'essaie de garder les choses aussi simples que possible; l'acte de peindre est déjà assez dur!

Rue de l'eau
2002, huile sur lin, 14 x 22.

À propos de l'artiste
Travis Schlaht est titulaire d'un B.A. dans les arts de studio de l'Université du Pacifique, à Stockton, en Californie, et a étudié à Water Street Atelier, à Brooklyn, pendant trois ans avant sa fermeture en 2002. Il enseigne actuellement à la Grand Central Academy of Art, à New York. . Il réside à New York avec sa femme, Kate Lehman, qui est également peintre. Il est représenté par la John Pence Gallery, à San Francisco.

James A. Metcalfe est un rédacteur pigiste résidant à West Warwick, Rhode Island.

Voir la vidéo: Tuto peinture Une nature morte en peinture à lhuile. 2ème partie (Septembre 2020).