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Acrylique: Shawn Gould: maximiser la polyvalence de l'acrylique

Acrylique: Shawn Gould: maximiser la polyvalence de l'acrylique

La superposition et la sous-peinture sont deux des secrets de l'artiste californien Shawn Gould pour tirer le meilleur parti de l'acrylique.

par Linda S. Price

Chemin boisé
2005, acrylique, 12 x 16.
Toutes les illustrations de cet article
collection l'artiste
Sauf indication contraire.

Dans cette étude pour une peinture plus grande,
l'artiste était intéressé
dans la variété des verts
et jouer avec les trois
l'espace dimensionnel (le chemin), et
l'abstrait (les troncs d'arbres).

Il y a cinq ans Shawn Gould a décidé qu'il avait besoin de temps pour travailler dans l'illustration pour se concentrer sur la vision et la peinture des choses qui l'ont inspiré au lieu de terminer les idées de quelqu'un d'autre, comme il l'explique. «Pour vraiment comprendre un sujet, je dois le vivre directement», révèle l'artiste. «J'aime sortir dans le monde et voir plutôt que simplement regarder, vraiment observer ces choses qui attirent mon attention. Je suis intéressé à peindre des sujets qui me font remarquer parce que je veux que les gens fassent une pause dans leur vie ordinaire et occupée. "

Gould se consacre à cette tâche depuis cinq ans, se concentrant sur l'acrylique et sur la façon de maximiser sa polyvalence. «J'adore l'acrylique», dit l'artiste avec enthousiasme. "Ça clique avec moi, c'est logique." L'artiste souligne qu'avec l'acrylique, il peut travailler mouillé sur mouillé ou à la brosse sèche, allant de la peinture opaque aux glaçures minces et transparentes. Bien que certains artistes aient du mal avec le temps de séchage rapide de l'acrylique, Gould apprécie cette caractéristique car elle l'oblige à retourner immédiatement dans une zone pour effectuer les ajouts ou les changements nécessaires. L'artiste admet qu'avec l'acrylique, il peut être difficile d'atteindre la richesse offerte par le pétrole, mais il a trouvé un moyen de contourner cet inconvénient en superposant.

Gould peint de 3 à 10 couches, en alternant les couleurs opaques et transparentes. Généralement, il commence avec une couleur de moyenne valeur et travaille vers l'extérieur, ne devenant pas nécessairement plus sombre ou plus clair mais travaillant d'avant en arrière en valeur. Par exemple, il peut aller un peu plus clair que la valeur moyenne, puis appliquer un glacis plus foncé, ce qui donne à la couleur «un joli coup de poing». Comme le souligne l'artiste, avec de l'acrylique, peindre la lumière sur le noir peut aplatir et embrouiller une couleur, il conserve donc les lumières les plus claires et les plus sombres pour la dernière couche.

En plus de la superposition, l'artiste s'appuie sur une forte sous-couche pour exécuter des œuvres acryliques réussies. Typiquement, il esquisse d'abord son sujet en graphite sur Masonite, bloquant les formes et les valeurs. Ensuite, il glaçure sur la planche pour sceller la surface et fournir un ton général, généralement en utilisant une couleur terre sourde et de valeur moyenne qui finira par jeter un œil à travers les couches de la peinture finale. Cette sous-couche non seulement unifie l'œuvre mais, selon l'artiste, lui donne également de l'éclat et lui donne un aspect frais. Dans Entrouvert, par exemple, Gould n'utilisait de la peinture blanche et opaque que dans les hautes lumières; une grande partie de ce qui ressemble à un bardeau blanc est en fait gesso tonique avec un ocre clair. Dans le lâchement peint Top en coton, il s'est appuyé sur la sous-couche qui transparaît pour créer l'impression d'une végétation de premier plan et donner de la couleur aux collines. La sous-couche chaude dans un Big Sur, Dawn contraste joliment avec les couleurs froides, et Nénuphars Gould a utilisé une sous-couche de sève chaude / vert olive, sur laquelle il a glacé dans des couleurs locales, bloquant les nénuphars dans les tons moyens.

Nénuphars
2004, acrylique, 42 x 32.
Courtesy Legends Fine Art Gallery,
Great Bend, Kansas.

L'artiste cherchait un
sensation graphique dans cette peinture,
qu'il a réalisé en mettant
les fleurs contre le plat,
eau sombre.

Gould aime la couleur et utilise une large gamme de Liquitex et d'or peint mais admet qu'il utilise rarement des couleurs intenses, comme les cadmiums. Parfois, il applique la couleur directement du tube, permettant aux couches de se fondre dans une nouvelle teinte, mais le plus souvent, il prémélange les couleurs sur sa palette. Bien que la cloche Quel silence! peut apparaître gris, il est en fait créé à partir de nombreuses couleurs - jaunes, turquoises, violettes et gris - glacées et brossées à sec. Pour le vitrage de petites surfaces, l'artiste utilise simplement de l'eau, mais pour les sections plus grandes, il ajoute Liquitex Médium brillant - dilué avec de l'eau jusqu'à consistance de crème - à sa peinture. Les derniers détails sont ajoutés avec une peinture plus épaisse et plus opaque.

La palette de l'artiste change avec chaque peinture car il aime la variété et le défi d'utiliser différentes couleurs. Cependant, il limite sa palette à six à 12 couleurs à la fois, expliquant qu'il ne veut pas «utiliser tout l'arc-en-ciel sur chaque pièce». Les tons de terre sont particulièrement importants pour lui car il fait de nombreuses scènes de la nature. La couleur sans laquelle il ne peut pas vivre, dit-il, est l'oxyde jaune. «C'est une couleur courante chez mes sujets, et ça se mélange bien», explique-t-il. "Il fonctionne mieux que le blanc pur pour éclaircir d'autres couleurs." En règle générale, Gould mélange ses propres verts, en ajoutant du gris, un oxyde ou de la terre de Sienne brute à un tube vert tel que le vert de Hooker, le vert olive ou la turquoise de cobalt pour le tonifier et le rendre plus naturel. Lorsque l’artiste a besoin d’un noir, il combine de la terre d’ombre brûlée avec du bleu outremer, du bleu de phtalocyanine ou du gris de Payne. Pour un noir profond et riche, le mélange peut inclure du violet ou du violet.

Parfois, Gould utilise un milieu de gel pour ralentir le temps de séchage de ses peintures acryliques, mais généralement, il dépend de l'eau. Pour garder la peinture humide plus longtemps sur la palette, il garde un vaporisateur d'eau à proximité et brume les couleurs fréquemment. Quand il a fini de peindre pour la journée, Gould les brume à nouveau et recouvre la palette d'une pellicule plastique. «De cette façon, les peintures resteront utilisables tout au long d'une peinture», dit-il. L'artiste combat également le temps de séchage rapide de l'acrylique en mélangeant plus qu'il ne prévoit d'en utiliser, en particulier pour peindre de grandes surfaces, comme le ciel, afin de pouvoir rapidement peindre humide sur humide et mélanger les couleurs.

Parce que Gould aime peindre sur une surface rigide, il préfère la Masonite et applique généralement trois ou quatre couches de gesso, en effectuant un ponçage minimal pour conserver une certaine texture. Pour le vernis final, l'artiste utilise un mélange de 1/2 brillant et 1/2 médium mat dilué avec de l'eau. Non seulement le vernis protège la peinture, mais il donne également au travail une finition cohérente et augmente la richesse et le contraste. L'utilisation de plus de médium brillant dans le mélange poussera le contraste encore plus loin, selon l'artiste.

Top en coton
2006, acrylique, 8 x 10.

Vert olive et vert Hooker,
bruns chauds, et un soupçon de
violet en couches et placé
l'un à côté de l'autre,
les collines prennent vie dans
cette pièce.

Lorsqu'il s'agit de choisir un sujet pour ses œuvres acryliques, Gould s'appuie souvent sur des photographies sur place, expliquant que c'est généralement un effet de lumière ou une couleur intéressante qui suscite une idée. Sur le terrain, il prend des photos pour travailler à partir du studio - prenant parfois jusqu'à cinq rouleaux - et réalise également des études sur place et des croquis en couleur. L'artiste s'appuie généralement sur trois à 12 photos pour assembler un tableau.

À côté du sujet, Gould considère la composition comme l'élément le plus important de ses peintures. En règle générale, il place un sujet décentré pour donner plus d'énergie à un tableau. Dans Ravens parmi les citrouilles, par exemple, l’objectif de l’artiste était de «créer une composition avec de jolies diagonales et une bonne fluidité dans l’œuvre». Il a exagéré la profondeur en poussant l'échelle des citrouilles, en les rendant plus grandes au premier plan et plus petites en arrière-plan, et en éliminant les détails sur les éléments les plus éloignés. Un autre exemple est Le bord, dans lequel l'artiste a délibérément poussé la composition en établissant le premier plan immédiat sur un bord. L'angle de la roche, les plantes dans le coin supérieur gauche et les petites branches saillantes forcent tous les yeux du spectateur dans le vide. Puis, ne trouvant rien sur quoi se concentrer, il revient au premier plan.

Entrouvert
2006, acrylique, 36 x 24.

La lumière tachetée et la peinture patinée de cette ancienne ferme abandonnée de l'Iowa sont ce qui a attiré l'attention de l'artiste. Le noir contrastant de l'intérieur n'est pas tout à fait noir mais d'un brun vert verdâtre.

Big Sur, Dawn
2006, acrylique, 8 x 10.

L'artiste a été attiré par les formes et les couleurs audacieuses des différentes masses terrestres dans cette scène et la façon dont la lumière du petit matin a attiré le sommet des collines.

Quel silence!
2005, acrylique, 36 x 36.

La patine de cette cloche est le résultat de nombreuses couches de couleur, notamment turquoise.

Ravens parmi les citrouilles
2005, acrylique, 21 x 43. Collection privée.

L'artiste a particulièrement apprécié ce tableau car il a pu «jouer» avec les couleurs vives du cadmium qu'il utilise rarement.

Le bord
2005, acrylique, 24 x 48.

Dans cette œuvre, l'arrière-plan passe rapidement d'un gris chaud et verdâtre à un blanc pur dans le coin supérieur droit. En utilisant un médium acrylique brillant et un vitrage, l'artiste a pu obtenir une sensation brumeuse et brumeuse.


Yin Yang

2004, acrylique, 36 x 36.

Comme base pour la texture dans le sable, l'artiste a répandu la peinture sur sa toile avec une brosse à dents, appliqué de minces glaçures de couleur, puis ajouté des détails fins, tels que les coquilles, avec une petite brosse.

À propos de l'artiste
Shawn Gould, originaire de l'Iowa résidant maintenant dans le nord de la Californie, a étudié l'illustration biologique à l'Université d'État de l'Iowa, à Ames, et à l'Université de Californie, Santa Cruz. «C'était un compromis», explique-t-il. «Je sentais que je devais sortir de l'école pour gagner ma vie, et c'était le plus proche que je pensais pouvoir devenir un bon artiste.» Au cours de sa carrière d'illustrateur, il a réalisé des illustrations biologiques et d'histoire naturelle pour la National Geographic Society et la National Audubon Society, entre autres organisations. Gould est membre de la Society of Animal Artists et est représenté par la Legends Fine Art Gallery, à Great Bend, Kansas, et Humboldt Artworks, à Arcata, en Californie.

Linda S. Price est une artiste, écrivaine et éditrice vivant à Long Island, New York.

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