Histoire de l'art

Masters: Dessiner Sargent

Masters: Dessiner Sargent

Comme tout artiste avant ou depuis, John Singer Sargent a appris les meilleures leçons de valeur, de lumière et de forme et les a utilisées tout au long de sa vie, leçons clairement visibles dans ses dessins.

par Mark G. Mitchell

Enfant endormi
1872–1873,
graphite sur
vélin blanc cassé
papier, 1111/18 x
811/18.
Collection The
Métropolitain
Musée d'art,
New York, Nouveau
York

John Singer Sargent "Pourrait faire des draps de lit sécher sur une ligne dans une image convaincante", quelqu'un a écrit une fois. Lorsque le célèbre acteur anglais du XIXe siècle Edwin Booth se préparait à faire peindre son portrait par lui, des amis lui ont conseillé de poncer d'abord son âme, car tout apparaissait sur la toile. Sargent est le peintre «devant lequel tous les autres artistes tombent désespérément sur leurs couteaux à palette», ironise le peintre contemporain Gregg Kreutz. Écrire pour Linea, le journal de l'Art Students League de New York, à Manhattan, Kreutz a essayé de comprendre pourquoi. "Qu'est-ce qui rend les tableaux de Sargent si vivants, si attrayants?" demanda-t-il dans sa revue d'une exposition de 1999 de peintures de Sargent au Museum of Fine Arts de Boston. «La fin du 19e siècle regorgeait de peintres accomplis qui ont produit des représentations crédibles de sujets ayant le même thème. Mais Sargent fait ressembler la plupart d'entre elles à de vieilles nouvelles. Quelle est la différence? Pourquoi s'arrêter à ces autres artistes et hurler devant un Sargent? De toute évidence, sa compétence en dessin est un facteur. Même si, dit-on, il n'a fait que peu de dessins préliminaires, son sens du geste, des proportions, de la structure interne et de la dimensionnalité a donné à son travail une base pour un dessin très abouti.

Sargent était réputé pour sa magie avec des couleurs et un pinceau. Mais il a dessiné comme un fou. «Il a réalisé tous les types de dessins, les a réalisés individuellement en tant qu'œuvres d'art et en tant que dessins préparatoires à la peinture», explique Eric Denker, maître de conférences à la National Gallery of Art et conservateur de dessins et d'estampes pour la Corcoran Gallery of Art, à Washington, DC. "Je pense que pour lui, le dessin était la base de tout."

De toute évidence, il dessinait toujours », explique Miriam Stewart, conservatrice adjointe des dessins au Fogg Art Museum de l'Université Harvard, à Cambridge, Massachusetts. «Le corps des dessins et croquis de Sargent au cours de sa vie montre qu'il était un dessinateur infatigable, dessinant et prenant constamment des notes partout où il allait. Nous avons des carnets de croquis de ses années d'adolescence qui constituent la base de certaines de ses premières formations. » «Je pense que le dessin était quelque chose qui lui tenait beaucoup à cœur», reconnaît Richard Ormond, petit-neveu de Sargent et l'une des plus grandes autorités mondiales sur l'artiste, auteur de nombreux livres sur l'art, et ancien directeur du National Maritime Museum and Royal Observatory , tous deux à Greenwich, en Angleterre. (La grand-mère d'Ormond était la sœur cadette de Sargent, Violet, que Sargent a peinte plusieurs fois.)

Sargent a commencé à dessiner vers l'âge de 4 ans. Il ne s'est arrêté que près de sa mort à 69 ans. Ses parents, originaires de Philadelphie, vivaient comme des expatriés errants en Europe. Sargent et ses frères et sœurs ont grandi presque comme des hors-la-loi, loin de la culture américaine. La famille ne vivait plus de valises et les enfants étaient pour la plupart scolarisés à domicile, apprenant la musique, la littérature et les langues étrangères. Travaillant aux côtés de sa mère, aquarelliste amateur, Sargent a appris par lui-même à dessiner et à peindre des lavis. Ses sujets comprenaient des membres de la famille et des amis de la famille et des scènes quotidiennes de la vie européenne autour de lui - des animaux, des moulins à vent, des forêts allemandes et des sanctuaires alpins.

El Jaleo
1882, huile, 94¼ x
137. Collection
Isabella Stewart
Musée Gardner,
Boston,
Massachusetts.

Il a copié des œuvres d'art dans des musées. Il a pris des leçons privées de peintres professionnels à Rome et à Florence, où pendant une brève période, il a également fréquenté une école d'art financièrement difficile. À 17 ans, Sargent décide de faire de l'art sa carrière et, avec l'aide de son père, s'inscrit dans un atelier parisien. Ces studios d'enseignement étaient un peu comme les ligues agricoles de l'establishment français des beaux-arts. Sargent en a assisté à une tenue par Carolus-Duran, portraitiste à succès et professeur le plus intéressant. Carolus-Duran, de son vrai nom Charles Auguste Émile Durand, a enseigné une approche qui s'écartait de la tradition académique française. Il a mis l'accent sur la «vision directe» et la «peinture directe». Ses élèves se sont inspirés de la figure vivante et des moulages de la statuaire classique, tout comme les étudiants de l'institution officielle des beaux-arts de France, l'École des beaux-arts de Paris. Mais ces exercices dans l’atelier de Carolus-Duran ont été des occasions de riffer avec les matériaux d’art plutôt que de pratiquer. Carolus-Duran les a exhortés à s'inspirer et à peindre le sujet librement et librement dans le premier coup - ou «au premier coup». Il a également souligné que la clé de la peinture était de voir correctement les valeurs et les relations de valeur, et que les artistes devraient trouver des moyens d'en dire plus avec moins. Ou, comme l'a dit Carolus-Duran, «dans l'art, tout ce qui est dispensable est nocif.»

Sargent incorporera ces mesures dans sa peinture et son dessin pour le reste de sa vie. Pourtant, il voulait les rigueurs d'une formation formelle. Il a réussi les examens d'entrée et a été le seul de son atelier cette année-là à être admis à l'École des Beaux-Arts. Sargent était sur le point d'apprendre quand il est venu à Paris, estime Ormond. «Il a pris tout cela comme un canard à l'eau», dit-il. «Je pense que tout son personnage a connu une croissance incroyable en ce moment.

«Il a mis beaucoup d'efforts dans son dessin, tout comme il l'a fait dans sa peinture», poursuit Ormond. «Il y a un dessin du Venus de Milo c'est très travaillé. Il a remporté le troisième prix à l'École pour un dessin très formel d'un trépied. Il y a de merveilleuses études de vie qu'il a faites à cette époque qui ne sont pas bien connues. Ce ne sont pas les formels de l'École - ils ont plutôt l'informalité du studio de Carolus-Duran, avec ces merveilleux effets doux et les détails des pieds, des mains et des visages. "

En 1879, après des voyages en Afrique du Nord et en Espagne, Sargent réalise des croquis de danseurs et musiciens espagnols qui aboutiront à un tour de force. "El Jaleo est un jeu sur les relations légères ", dit Ormond," et avec tout cet ensemble de dessins espagnols de la fin des années 1870 et du début des années 1880 qu'il a fait pour s'y préparer, c'est presque comme s'il a inventé une nouvelle forme de graphique.

Madame X
(Madame
Pierre
Gautreau)

1883–1884,
graphite sur
vélin blanc cassé
papier, 911/16 x
133/16.
Collection The
Métropolitain
Musée d'art,
New York, Nouveau
York.

"Ce ne sont pas des dessins de composition, mais des dessins de détail - des études de têtes et de mains", poursuit Ormond. «Il a fait ce qu'il fallait ici: poser des gens dans un grand studio et les dessiner. Il a vraiment travaillé vigoureusement ses idées. Cela a duré 15 mois. Puis, au moment de peindre, il a tout explosé. Il a tout compris, a tout compris dans sa tête. Il doit avoir peint El Jaleo très rapidement. Quand vous vous en approchez, vous voyez que c'est vraiment une sorte de grand croquis avec tous ces petits croquis élaborés. »

Sargent a fait des tas de croquis pour préparer sa peinture la plus notoire, le portrait de sept pieds d'une jeune beauté parisienne, Madame Pierre Gautreau. Il cherchait une pose qui en dirait le plus en utilisant le moins de cette célébrité locale incroyablement intéressante - alors il tourna la tête dans un profil légèrement hautain. Il l'a mise dans une robe noire étonnante qui a forcé le spectateur à regarder sa silhouette parfaite. Il lui a laissé sa bandoulière droite. Le public du salon haleta. Sargent renommera plus tard l'œuvre Madame X pour protéger sa vie privée, mais cela n'a pas aidé; tout le monde savait qui était Madame Gautreau. Elle était finie dans la société polie française et donc, semblait-il, était Sargent. Personne ne voulait que son portrait soit peint par lui.

Sargent a battu en retraite à travers la Manche pour tenter de relancer sa carrière, un pari qui a fonctionné. Il a commencé lentement, peignant la famille et les amis qui se sont rassemblés autour de lui dans le sud de l'Angleterre. Il a commencé une grande toile de deux filles - les filles de son ami illustrateur Frederick Barnard - allumant des lanternes japonaises dans un jardin, au crépuscule. Deux mois de fabrication, la peinture Oeillet, Lily, Lily, Rose (son titre emprunté à une chanson populaire du jour que Sargent et ses amis chantaient autour du piano) a rencontré une grande émotion lors de sa projection à la Royal Academy de Londres. La Tate Gallery - la galerie nationale d'art britannique, également à Londres - a rapidement acheté l'œuvre. Peu de temps après, les clients étaient alignés des deux côtés de l'Atlantique pour le travail de l'artiste. Et pas étonnant. Les portraits de Sargent étaient audacieux, vivants et juste assez excentriques pour faire un commentaire. Ils pourraient rendre leurs sujets soudainement célèbres.

Il est vrai que pour la plupart de ses portraits à l'huile, Sargent n'a fait que peu ou pas de croquis préliminaires sur papier. «S'il s'agissait d'un travail plus compliqué, tel qu'un Madame X, il ferait beaucoup de croquis », explique le peintre texan Phillip Wade, qui enseigne la classe" Painting Like Sargent "à l'école du Austin Museum of Art. «Mais pour une question simple, il devait juste savoir où la tête allait aller et commencer. Une grande partie du dessin concerne le placement. Il pouvait le faire sans réfléchir. Avoir une telle confiance, une telle habileté à dessiner, facilite la peinture. Pour lui, dessiner au pinceau était une seconde nature. » "Vous devez dessiner avec votre pinceau aussi facilement, presque inconsciemment, que vous dessinez avec votre crayon", a déclaré Sargent lui-même.

Après le début du siècle, Sargent est passé de ses portraits à l'huile à des dessins au fusain - ou, comme il les appelait, des «tasses» - qu'il a pu terminer en une seule séance d'une à trois heures. Se sentant agité, et se lassant de ses modèles et de la responsabilité qu'il ressentait envers eux, il voulait se retirer complètement du portrait, mais les gens continuaient de les demander.

Gertrude
Kingston

Californie. 1905,
charbon de bois, 24 x
18. Collection
Le roi du Collège,
Cambridge,
Angleterre.

«Sa réponse à la demande a été ses tasses à charbon de bois, dont il a réalisé environ 700 ou 800 en une quinzaine d'années», explique Ormond. «Il s'agissait de rendre les choses en valeurs, de lumières et d'obscurité. La tête émerge de l'obscurité - brillamment capturée en rond. » «Il les a jetés rapidement», explique Jane Myers, conservatrice des dessins au Amon Carter Museum, à Fort Worth, au Texas. "Vous pouvez voir qu'il n'a pas travaillé sur eux. Il a capturé la sensualité et l'esprit de la personne et a modelé la figure, les reflets et les accents très rapidement. La chose qui vous frappe à propos de ces croquis au fusain est que, bien que Sargent les fasse régulièrement et puisse les faire les yeux bandés, il y a toujours cette vivacité remarquable. Vous êtes séduit par sa ligne. "

Entre 1890 et 1916, alors que Sargent travaillait le matin sur des commandes de pétrole ou de charbon de bois, il passait la majeure partie du reste de son temps sur un vaste nouveau projet qu'il espérait faire sa déclaration ultime en tant qu'artiste: son cycle de peintures murales pour le troisième étage de la nouvelle bibliothèque publique de Boston, conçue par le célèbre cabinet d'architectes Beaux-Arts McKim, Mead and White. Ce serait bien loin des portraits luxuriants des riches et célèbres de Sargent, de ses représentations affectueuses de la famille et des amis se prélassant et faisant la sieste à l'extérieur, ou de ses aquarelles de Venise vues depuis le siège d'une gondole.

Sargent avait choisi un thème et un titre pour ce projet: Le triomphe de la religion. Il voulait montrer l'évolution de la pensée spirituelle depuis le culte des divinités païennes anciennes à travers le judaïsme et le christianisme du monde occidental moderne. Les lunettes et les panneaux muraux portaient des thèmes tels que Dieux païens, Israélites opprimés, Israël et la loi, l'ère messianique, le ciel, l'enfer, la synagogue, l'église et les mystères du chapelet. Ses représentations, plus pédagogiques que dévotionnelles, emprunteraient à pratiquement toutes les traditions artistiques auxquelles Sargent pouvait penser. L'artiste s'est aventuré en Europe, en Afrique du Nord, en Turquie et au Moyen-Orient pour rassembler ses idées visuelles. Il esquisse la sculpture médiévale dans les cathédrales françaises et les Arabes bédouins dans leurs camps de tentes enfumées dans le désert. Il a copié des artefacts persans et des idoles sumériennes. Il a absorbé l'art grec, égyptien, byzantin et paléochrétien.

De retour chez lui dans son studio de Londres, il a construit une maquette à l'échelle 1/3 de la salle voûtée en berceau de la Boston Public Library. Sargent a ensuite dessiné des centaines de dessins de modèles nus (principalement des hommes) dans toutes les différentes poses qu'il pensait pouvoir utiliser dans son épopée murale. Ce sont quelques-uns des dessins les plus célèbres de l'artiste. «Dans ces dessins de figures, il a dessiné du fusain puis a effacé les reflets», explique Stewart. "Ils sont tout simplement géniaux."

Helen Sears
1912, charbon de bois,
23¾ x 17½.
Privé
collection.

Décrit de manière variée comme «la chapelle Sixtine de l'Amérique» et «un spectacle étrange», le travail d'amour de Sargent, qui a duré 30 ans, s'est achevé à une époque où les mondes que Sargent savait des deux côtés de l'Atlantique changeaient au milieu de la guerre. Aujourd'hui Le triomphe de la religion évoque la sensation d'un film muet exagéré. «L'extrémité païenne de la salle est tellement amusante à regarder avec ses personnages lugubres», dit Stewart. «C'est presque un burlesque.

«Nous avons l'un des carnets de croquis pour les peintures murales», ajoute-t-elle. «Il y a des scènes avec les échelles du Jugement dernier présentées dans différents arrangements, avec des lunettes qui se chevauchent. Dans ces croquis vraiment hâtifs, Sargent essaie de comprendre la composition. Il y a beaucoup d'études scribbles, pas de dessins superfinis, mais il suit toutes les étapes. Il y a des études sur les draperies, où vous pouvez voir Sargent enquêter plus en détail sur les draperies. » Dans d'autres esquisses, Sargent a transcrit des éléments de décoration / ornementation, d'architecture et de costume qu'il a retirés de ses voyages dans les bibliothèques et les musées. Avec un œil d'ornithologue, il a esquissé des ailes de faisan pour l'aider à dessiner des ailes sur des anges et des séraphins.

«Plus tard, les peintures murales ont été tournées en dérision comme un cul-de-sac dans sa carrière», explique Ormond. «Mais plus vous les regardez, plus ils semblent créatifs et extraordinaires - Michel-Ange en passant par King Kong. Il a fait des centaines et des centaines de dessins pour eux. D'une certaine manière, avec ces derniers, il a réappris la discipline académique de sa jeunesse.

"Il devait garder à l'esprit une masse de choses dans l'ensemble - l'iconographie, comment cela allait fonctionner dans le sens de la longueur et de la croix, ainsi que dans la façon dont tous les panneaux individuels fonctionneraient", poursuit Ormond. «Je n'ai jamais rencontré de dessins animés à grande échelle, mais il a élaboré des croquis à l'huile et des dessins pour les compositions, et bien sûr, ils étaient tous tirés de la vie. Les peintures murales traditionnelles des Beaux-Arts étaient «le truc» à la fin du 19e siècle - il n'allait pas jouer avec le processus. Il a tout d'abord esquissé. Pour un gros projet comme celui-là, si vous êtes profondément ancré dans la tradition, vous savez que c'est ce que vous devez faire. Ce sont des pièces hautement conçues et très travaillées avec des figures allégoriques. Il était très discipliné et pratique, et son dessin est très accompli au service de son thème. »

Depuis son enfance, Sargent s'était imprégné des traditions classique, Renaissance, maniériste et baroque. Il avait copié les œuvres d'Andrea del Sarto, Bernini, Cellini, Donatello, Frans Hals, Jean-François Millet, Tintorreto, Titian, Velázquez et des artistes modernes comme Degas. Maintenant, il mettait tout en œuvre pour ces peintures murales - son atelier et sa formation à l'École, son expérience en aidant Carolus-Duran à peindre et à décorer un plafond, ses décennies d'études et ses voyages d'esquisse.

"Et nous avons donc les monstres de l'enfer engloutissant les gens", dit Ormond. "Mais il ne fait pas que Michel-Ange. le Triomphe de la religion a Sargent tamponné partout. Quand il passe en mode mural, je ne pense pas que vous confondriez son travail avec celui de quelqu'un d'autre. Il absorbe toutes ces choses et les régurgite dans son propre style, son propre idiome, et lui donne sa propre inflexion visuelle. "

En juin 1918, le British War Memorial Committee a chargé Sargent de peindre une grande toile sur le thème des troupes britanniques et américaines servant ensemble. L'artiste a enfilé un uniforme qui lui a fait ressembler, a dit quelqu'un, comme "un marin qui a mal tourné" et a traversé le canal. Il a passé trois mois à dessiner des troupes, des tranchées, des véhicules et des chevaux sur le front français. Vers la fin de son séjour, il a observé une foule d'une centaine d'hommes rassemblés autour de certaines tentes d'hôpital, victimes d'une attaque au gaz moutarde. Sargent a fait des croquis. L'année suivante, il présente son monument Gazé (20 par près de 8) au comité du souvenir.

Gazé
1919, huile,
91 x 240½.
Collection
Guerre impériale
Musée,
Londres,
Angleterre.

Gazé a été proclamé le tableau de l'année de la Royal Academy en 1919 et demeure l'un des tableaux inoubliables de cette guerre ou de toute autre. "Gazé a été inspiré par ce que Sargent avait vu, mais c'était une «production en studio», où il a posé les personnages chez lui », explique Ormond. «C'étaient probablement des mannequins professionnels en costume. Il a fait de nombreuses études. Je pense que c'est une image extraordinaire. C’est une frise, figée et statique, presque comme s’il s’agissait de la même figure, se déplaçant à travers la fresque, comme ces photos animées capturées par Muybridge d’un homme qui marche. Il n'est jamais tombé en dessous de certaines normes. Il avait une maîtrise formidable de son métier, un contrôle fantastique, et une partie de son commandement était que son dessin était à la hauteur de son talent de peintre. »

Le Fogg Art Museum a exposé les carnets de croquis de Sargent dans l'exposition «Under Cover: Artists 'Sketchbooks» jusqu'au 22 octobre 2006. La commissaire en charge des dessins, Miriam Stewart, explique: «En exposant ses carnets de croquis et ses aquarelles et pinceaux, nous voulions montrer un« derrière le -senes regarde son travail parce qu'il a toujours été considéré comme si facile. Cela ne veut pas dire qu'il a travaillé sur ses peintures. Mais il a préparé et planifié et fait tant de choses. Il a fait tout ce qu'un artiste est censé faire. »

Nous laisserons les derniers mots sur le sujet à Ormond. «Le dessin était à la base de son art, comme il devrait l'être pour les artistes car il vous apprend à voir avec précision et à retranscrire ce que vous voyez avec précision. Le dessin concerne l'immédiateté du médium; la clarté de la forme, de la lumière et de l'ombre; et la relation des choses les unes avec les autres et comment vous travaillez ces choses. Une peinture est élaborée. Vous construisez une peinture. Mais le dessin est instinctif. C'est le fondement et l'a toujours été. "

Voir la vidéo: Paint Watercolors Like John Singer Sargent (Septembre 2020).