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Peinture à l'huile: Warren Chang: ramener le passé au présent

Peinture à l'huile: Warren Chang: ramener le passé au présent

Cet artiste californien utilise une palette du XIXe siècle pour créer une atmosphère nostalgique dans ses peintures.

par John A. Parks

entrée
2003, huile, 40 x 30.
Courtesy Morseburg Galleries,
West Hollywood, Californie.

Warren Chang peint des scènes de deux mondes très industrieux: les entreprises agricoles près de son domicile à Monterey, en Californie, et les studios et classes d'art dans lesquels il travaille et enseigne. Ces deux sujets étaient populaires au XIXe siècle lorsque des peintres tels que Jean François Millet (1814-1875) et les artistes de l'école de Barbizon ont peint des scènes des plus petits ouvriers agricoles travaillant dans les champs et lorsque Henri Fantin-Latour (1836-1904) a fait des images célèbres d'artistes travaillant et socialisant dans leurs ateliers. Chang a pris l'apparence de ces images du XIXe siècle et leur a donné une dimension résolument contemporaine. Le résultat est un dialogue intrigant entre passé et présent dans lequel l'imagerie contemporaine prend l'apparence d'un monde passé et les anciennes conventions de peinture sont démystifiées par une attitude froidement moderne.

Comparaison historique et artistique
La démonstration 2004, pétrole,
30 x 40. Collection privée.
Sous-peinture pour La démonstration 2004,
huile, 30 x 40. Collection privée.
Un Studio à Batignolles
par Henri Fantin-Latour, 1870, huile, 80 x 108. Collection Musée d’Orsay, Paris, France.
Basé sur Chang La démonstration sur l’œuvre de Fantin-Latour du XIXe siècle Un atelier à Batignolles, qui représente Manet en train de faire une démonstration à un jeune Monet et Renoir, entre autres artistes. «J'enseignais un cours de peinture de figures à l'Academy of Art University, à San Francisco, et j'ai demandé aux étudiants d'aider à poser pour cette peinture», explique Chang. «Ce qui m'intéresse le plus, c'est la façon dont les étudiants d'aujourd'hui ont une robe beaucoup plus décontractée ainsi que le fait qu'il y ait des femmes artistes présentes, alors qu'en Europe au XIXe siècle, il y avait une robe beaucoup plus sombre et une présence entièrement masculine. "

Chang obtient l'apparence de ses peintures en utilisant une palette souvent associée à l'artiste suédois Anders Zorn (1860–1920). «C'est vraiment une extension de la palette limitée de Zorn», explique Chang. "Avant de commencer à l'utiliser, mon sens des couleurs était toujours orienté vers le tonalisme, donc, quel que soit le nombre de couleurs que j'utilisais sur ma palette, le sens des couleurs est resté quelque peu tonal et restreint." L'artiste dit qu'il croit beaucoup au «moins c'est plus» en matière de couleur. "Le pouvoir du rouge, par exemple, est dû aux gris et aux bruns qui l'entourent", affirme-t-il. "La palette limitée me permet de contrôler ce type de couleur et m'aide à créer l'ambiance que j'essaie de créer." Chang reconnaît que cette humeur, qui pourrait être décrite comme une contrainte discrète, a des connotations nettement nostalgiques. Il sent que le contrôle fin que sa palette lui donne sur les relations de valeur étroites aide grandement la force de cette humeur. «J'utilise du Cremnitz blanc, de l'ocre jaune, du jaune de cadmium, de l'orange de cadmium, du rouge de cadmium, de la terra rosa, de la terre de Sienne brûlée, de l'umbre brut et du noir d'ivoire», explique l'artiste. «La palette s'appuie fortement sur les tons de terre plus chauds, donc mes bleus peuvent facilement être atteints en utilisant simplement du noir et du blanc. Parfois, j'ajoute du bleu céruléen lorsque je peins des sujets sous la lumière naturelle. »

Palette d'artiste
2004, huile, 14 x 18.
Collection de l'artiste.

Chang explore une idée pour une peinture dans un croquis de graphite rugueux. «Habituellement, je travaille à partir de photographies», dit-il, «bien que parfois je fasse un croquis sur place. Je n'ai pas honte d'utiliser des photographies - je ne m'excuse pas du tout. Il me semble tout à fait indifférent de savoir si une œuvre a été peinte à partir d’une photographie ou de la vie. » L'artiste utilisera souvent plusieurs photographies pour monter une scène qu'il dessinera ensuite sur une toile. "Je n'utilise aucun moyen mécanique pour transférer des images", dit-il. «En général, je n'ai aucun problème à le dessiner à l'œil nu.» La peinture commence par un rendu de lavage à l'ombre brute. Chang dit qu'à un moment donné, il a utilisé de la terre de Sienne brûlée pour sa sous-couche, mais a trouvé que cela rendait la couleur trop vive à son goût. «Je laisse les lumières ouvertes et accumule le lavis dans l'ombre», explique l'artiste. "Le lavage me permet d'explorer les valeurs tonales et de rendre la scène en détail." Chang dit qu'il préfère une sous-couche de lavage plutôt qu'une sous-peinture entièrement opaque car cela lui permet de décider plus tard où il veut que la peinture se transforme en empâtement et où il veut que la peinture soit fine.

Portrait de Greg
2005, huile, 28 x 24.
Collection de l'artiste.

Une fois la sous-couche intégrée à un rendu assez complet de la scène entière, l'artiste la laisse sécher. Il ajoute ensuite de la couleur en utilisant une combinaison de poils et de pinceaux en sable. Parfois, il utilisera un pinceau en éventail ou même appliquera de la peinture avec un couteau à palette. Cette approche donne une variation vive dans le brossage et crée donc la vie et le mouvement dans la peinture même si la palette de couleurs limitée transmet un sentiment de retenue et de réserve. Bien que les peintures finies de Chang aient une apparence d’achèvement, le pinceau reste évident, et la touche de l’artiste fait partie intégrante du plaisir de regarder son travail.

Certaines des peintures les plus réussies de Chang représentent des ouvriers agricoles dans les champs de la région de Monterey Bay où l’artiste a grandi. Dans Approche de la tempête: récolte de brocoli, par exemple, un champ s'étend derrière un groupe de personnages clairement hispaniques et très reconnaissables comme les travailleurs pauvres et souvent exploités dont dépend l'industrie. Ils sont complètement impliqués dans leur travail, se dépêchant contre les intempéries alors qu'ils se penchent pour arracher les récoltes du sol. Chang se dit surpris que ces images aient été perçues comme ayant une dimension politique et aime les penser davantage dans le contexte de l'histoire de l'art. «Ces peintures sont inspirées, en partie, des écrits de John Steinbeck et de l'ambiance de grandir dans le comté de Monterey», dit-il. «Il existe un précédent historique à commencer par le peintre paysan français du XIXe siècle Millet et le mouvement naturaliste en général du milieu du XIXe siècle. Les artistes Winslow Homer [1836–1910], Eastman Johnson [1824–1906] et plus tard Thomas Hart Benton [1889–1975] sont tous des travailleurs de terrain peints. Je sens que je continue cette tradition. » Bien que Chang insiste sur le fait qu’il n’a pas de hache politique à broyer, l’acte même de peindre rend le sujet digne et le porte à l’attention du public. Des peintures telles que Fin de la journée et Crépuscule peut être imprégnée d'une lumière romantique glorieusement modulée, mais les figures courbées de travailleurs fatigués nous font comprendre que le monde que nous regardons n'est pas un paradis.

Studio à Chestnut
2006, huile, 30 x 40.
Collection de l'artiste.

Les peintures de Chang sur la vie en studio sont également très inspirées de l'art du XIXe siècle. "Mon tableau La démonstration s’inspire de la création de Fantin-Latour Un Studio à Batignolles», Explique l'artiste. «Fantin-Latour a représenté Manet faisant une démonstration avec un jeune Monet et Renoir, entre autres, surplombant cet artiste influent. J'enseignais un cours de peinture de figures à l'Academy of Art University de San Francisco et j'ai demandé aux étudiants d'aider à poser pour la peinture. De cette façon, ils ont pu voir de visu mon approche et ma méthode pour construire une image. » Les étudiants étaient trop heureux d'être d'accord et Chang les a posés et photographiés avant d'assembler le tableau. «L'éclairage, bien sûr, est impossible», avoue-t-il. "Mais personne ne remarque que la toile que je peins dans l'image serait, en fait, perdue dans l'ombre." Chang remarque qu'il était intéressé par la façon dont les vêtements décontractés des jeunes étudiants d'aujourd'hui sont comparés à la tenue plus «correcte» du 19ème siècle dans la peinture de Fantin-Latour. Il a également inclus des femmes dans l'image, tandis que Fantin-Latour vivait dans un monde dans lequel une femme artiste était une grande rareté. Encore une fois, une interaction charmante est réalisée entre le passé et le présent alors que les jeunes étudiants habillés avec désinvolture prennent une partie de la posture ordonnée et de la formalité du groupe du XIXe siècle dans la peinture Fantin-Latour.

Dans la peinture de Chang Studio à Chestnut, l'artiste évoque une classe d'art moderne d'une manière plus contemporaine. Un groupe d'étudiants travaille sur des chevalets face à un modèle illuminé par un brillant halo de lumière incandescente. Un enseignant est occupé à donner des instructions à l'un des élèves tout en s'équilibrant avec confiance sur un tabouret. Pendant ce temps, la lumière du jour pénètre dans la scène depuis la gauche et une lumière fluorescente est également apparente. "J'ai centré la peinture autour de la lumière chaude et jaune frappant le modèle", explique l'artiste, "mais je voulais que la scène soit complètement candide et naturelle, sans qu'elle ressemble à une photographie." Chang dit que la photographie donnera souvent des images remarquables de poses et de mouvements qui seraient impossibles à capturer dans la vie. Le problème est que les peintures réalisées à partir de telles images peuvent prendre une apparence photographique. Chang prend donc soin d'éditer ses tableaux afin qu'ils conservent une sensation peinte. L'artiste dit Studio à Chestnut était l'une des rares peintures pour lesquelles il a ajouté un bleu céruléen à sa palette. "Il n'y avait pas d'autre moyen d'obtenir les reflets sympas de la lumière du jour et des sources de lumière fluorescente", admet-il.

Crépuscule par Warren Chang
2005, huile, 24 x 30.
Avec la permission de Hauk Fine Arts,
Pacific Grove, Californie.

Quant à son choix de vie d'atelier comme sujet, l'artiste estime qu'il garantit une authenticité à l'œuvre. «Lorsque j'ai entamé ma première carrière dans les beaux-arts en 2001, j'ai eu du mal avec quoi peindre», dit-il. «Après une carrière d'illustrateur de 20 ans, au cours de laquelle on m'a toujours dit quoi peindre, il était difficile de trouver un sujet qui me concernait et donc d'avoir une certaine substance. En choisissant mes environnements de studio et de classe, j'ai découvert une multitude de sujets intéressants qui étaient pertinents, car c'est là que je passe la plupart de mon temps, en dehors du temps passé avec ma famille. Une grande partie de mon sujet découle de ma relation avec la classe et avec les gens qui y habitent: les artistes, les modèles et les étudiants. »

Chang estime que son enseignement l'a considérablement aidé en tant qu'artiste. «Cela m'a aidé à verbaliser mes théories de la peinture à la fois en application et en théorie», dit-il. «Cela me permet également de travailler de manière cohérente avec la vie, ce qui est important pour ma compréhension de la peinture à l'aide de la photographie.

Intérieur du Studio
2005, huile, 24 x 18.
Collection privée.
Artiste et modèle
2003, huile, 24 x 18.
Collection privée.

Parlant de l'avenir de son travail, l'artiste semble déterminé à poursuivre ses intérêts actuels. «Je veux à peu près continuer ce que je fais», dit-il. «Je voudrais peindre des œuvres encore plus grandes et plus ambitieuses. Je me souviens de la citation attribuée au critique d’art du New York Times Michael Kimmelman: «La plupart des artistes ont une bonne idée, peut-être deux. Dans les meilleures circonstances, cela suffit pour une carrière. »»

À propos de l'artiste
Warren Chang est né et a grandi en Californie, diplômé de l'Art Center College of Design, à Pasadena, en 1981. Il a commencé sa carrière en tant qu'illustrateur, et entre 1990 et 2001, il a publié plus de 200 peintures en couvertures de livres. Son travail a remporté des prix de la Society of Illustrators, à New York, et du magazine Communication Arts. Encouragé par ses collègues artistes et enseignants, il s'est finalement éloigné de l'illustration pour poursuivre une carrière en tant qu'artiste en 2001. Depuis lors, son travail a été présenté dans American Artist, American Art Collector, SouthwestArt et International Artist. Il a reçu le prix Best of Show au Salon International 2003 au Texas et le deuxième prix au concours international des artistes 2004. Il est membre du California Art Club et expose chaque année depuis 2002 dans leur exposition annuelle de la médaille d'or. Il enseigne actuellement le dessin et la peinture à l'Academy of Art University de San Francisco.

John A. Parks est un artiste représenté par la Allan Stone Gallery, à New York. Il est également professeur à la School of Visual Arts, à New York, et contribue fréquemment à Artiste américain, Dessin, Aquarelle, et Atelier les magazines.

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