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Dessin pour débutants: créer de meilleures lignes, améliorer les lignes

Dessin pour débutants: créer de meilleures lignes, améliorer les lignes

Line existe depuis longtemps. Depuis l'ère préhistorique, lorsque ce premier artiste a ramassé un morceau de cendre de bois d'un feu de camp épuisé et a tracé une main sur le mur de la grotte, les lignes ont décrit des formes de tous types - humaines, animales et paysagères. Et lorsqu'il est associé à des tons plus doux et tachés appelés masses de valeur, vous avez une force combinée imparable, sauf, peut-être, par une bonne gomme.

par Dan Gheno

Line existe depuis longtemps. Depuis l'ère préhistorique, lorsque ce premier artiste a ramassé un morceau de cendre de bois d'un feu de camp épuisé et a tracé une main sur le mur de la grotte, les lignes ont décrit des formes de tous types - humaines, animales et paysagères. Et lorsqu'il est associé à des tons plus doux et maculés connus sous le nom de masses de valeur, vous avez une force combinée imparable, sauf, peut-être, par une bonne gomme.

Femme assise
par Egon Schiele, 1918, crayon de couleur noire, 18 11/16 x 11 13/16. Collection Ackland Art Museum, Université de Caroline du Nord à Chapel Hill.

Certains artistes soutiendront que vous pouvez rendre plus efficacement la figure humaine ou l'imagerie abstraite avec la seule masse de valeur, que tout ce que vous pouvez faire avec la ligne, vous pouvez le faire avec des tonalités claires et sombres. C'est vrai. Certains des dessins les plus évocateurs sont en effet basés uniquement sur la valeur. Mais à la base, toutes les formes tonales finement observées sont liées par un bord ou une ligne conceptuelle implicite, même si elles n'existent que inconsciemment dans l'esprit du spectateur. Personnellement, je suis excité par la combinaison explicite de ligne et de masse dans mon propre travail. Comme je l'expliquerai dans cet article, pourquoi ne pas utiliser les deux? First Ill décrit comment utiliser la ligne seule. Plus tard, je vais vous montrer comment fusionner les deux en un partenariat dynamique.

Point et ligne au plan
La ligne commence d'abord tranquillement sur la page sous forme de point. Ensuite, pour emprunter librement le titre du livre de Wassily Kandinskys, Point et ligne vers l'avion, cette marque ou ce point puissant se transforme en ligne et enfin, entre les mains d'un artiste qualifié, se transforme en plan volumétrique. En variant l'épaisseur, l'obscurité et la texture de la ligne, vous pouvez simuler un mouvement à l'intérieur et à l'extérieur des formes humaines, surtout si vous laissez les lignes se croiser, creuser au-delà des bords extérieurs de la figure, dans ses pics et vallées intérieurs . Selon votre sujet ou votre intention esthétique, vous pouvez utiliser des lignes nettes comme du fil, des lignes rugueuses comme Brillo ou des lignes si douces qu'elles fondent dans le papier environnant. Les lignes peuvent aller de la directivité d'Egon Schieles, des contours souvent non modulés, au pseudo-pinceau d'un Anders Zorn ou Charles Dana Gibson, à la qualité tout en courbes et en gravure de Dürer. Selon la façon dont vous appliquez votre crayon sur le papier, les lignes peuvent avoir un aspect émotionnel et psychologique et elles affichent presque toujours une sorte de propriété visuelle et rythmique dans la façon dont elles dansent autour de la page.

Cependant, ne commettez pas l'erreur courante de penser que cette ligne n'est rien d'autre qu'une préoccupation conceptuelle. Tout au long du processus de dessin, la qualité de votre ligne est considérablement influencée par votre choix de matériaux, la texture du papier, vos instruments de dessin, leur netteté et la façon dont vous les tenez dans votre main. Par exemple, je préfère commencer mes dessins de figures avec de longues lignes amples et légèrement plissées - une tâche impossible si je tiens mon crayon ou ma craie entre mon pouce et mon index comme je le ferais pour écrire une lettre. (Cette position de la main fonctionne à merveille lors de l'esquisse dans les derniers détails, surtout si elle est renforcée par un mahlstick ou une petite feuille de papier propre sous votre main de dessin.) Au lieu de cela, au début, je tourne le dos de ma main vers le papier (voir Fig.1, à gauche), tenant le crayon vers l'extrémité de la tige sans serrer et pris en sandwich entre mon pouce, ma paume et mon index. Je change fréquemment la position de ma main en fonction de la direction souhaitée de la ligne: si je tire vers le bas, je tiens le crayon par le bas, permettant à la gravité de guider fermement la descente de mes mains (Fig.2); Je tiens le crayon d'en haut si je dessine vers le haut (Fig.3). Les deux positions permettent un plus grand mouvement de l'épaule et du coude, accordant moins d'importance aux actions irrégulières du poignet et des doigts. Vous pouvez également obtenir une ligne fine et nette lorsque vous dessinez avec la direction de la mine de crayon, affectée uniquement par la rugosité du papier ou la douceur de l'instrument de dessin. Mais remarquez à quel point vous pouvez facilement varier l'épaisseur de la ligne lorsque vous changez soudainement de direction, par exemple, de la verticale à l'horizontale (Fig.4). Lorsque vous dessinez avec la tige du plomb, au lieu du point, cette fine ligne devient soudainement épaisse. Au fur et à mesure que vous vous frayez un chemin à travers les détails de la figure, votre ligne fluctue automatiquement en fonction de la direction de votre main et de votre crayon.

Pure Line
Vous pouvez en dire long, même avec un minimum de lignes. Lorsque vous travaillez à partir de la vie, vous pouvez suggérer une figure humaine entièrement formée avec une simple ligne de poids mort en observant et en cartographiant soigneusement la

Torse torsadé
par Dan Gheno, 2006,
crayon pastel et sanguine, 9 x 12.
Collection de l'artiste.

bords extérieurs du modèle. Examinez votre sujet de près, comme le fait Egon Schiele dans Nu couché avec torse surélevé, tracer les variations subtiles des formes extérieures. Chaque bosse suggère un os ou un muscle. Vous pouvez certainement déformer les proportions de la figure ou exagérer sa perspective comme le fait Schiele avec son dessin de la femme se précipitant vers l'avant dans le plan de l'image, mais essayez de répondre franchement et directement aux formes extérieures. Vos spectateurs ressentiront alors les volumes à l'intérieur, basés sur l'expérience et la connaissance instinctive de leur propre corps.

Fermeture
Vous n'avez pas besoin d'envelopper vos figures avec un contour continu, rigide et audacieux. Vous pouvez créer un sens de fermeture plus profond en marquant les bords des formes humaines plus petites avec des lignes intermittentes, comme Cézanne et Degas l'ont parfois fait. De cette façon, vous pouvez adopter une approche minimale: par exemple, vous pouvez délimiter la racine, la base et le bout du nez, et le spectateur aura une intuition du reste de la ligne. Mais si vous souhaitez simuler la forme, ne réduisez pas trop le nombre de lignes. Vous devez au moins placer un indice de ligne aux points hauts et bas importants le long du périmètre d'un objet et là où un sous-formulaire important en croise un autre. Si vous ne le faites pas, le dessin sera incomplet ou vacillant.

Lignes qui se chevauchent
Bien que la forme extérieure soit importante et, comme Platon semble le suggérer dans sa théorie de la forme idéale, soit essentielle à l'identité et à la reconnaissance mêmes de l'objet, nous devons finalement voyager à l'intérieur de la figure avec nos lignes. Il est difficile ou impossible pour l'artiste débutant de le faire en travaillant à partir de photos, mais tout en travaillant à partir de la vie, vous verrez comment les formes se chevauchent continuellement, comme lorsque le cou glisse sur et au-dessus de l'épaule, ou que le deltoïde passe devant la clavicule et les coins dans le haut du bras. Dans mon dessin Bras pivotant vers l'arrière, notez comment j'ai fait varier l'épaisseur et la valeur de la ligne pour simuler le gonflement des formes sous-jacentes, en particulier dans les jambes. Observez également comment Ive a dépeint la transition du mollet gauche dans la partie supérieure de la jambe, avec les formes débordantes, comme le disent les sculpteurs, représentées par des lignes qui se chevauchent. Cependant, ne devenez pas dogmatique. Remarquez comment j'utilise ces techniques de manière discriminante. J'ai souligné l'obscurité dans la ligne le long de l'épaule proche pour que l'épaule éloignée la plus légèrement rendue puisse reculer. Même si le coude proche est plus proche du spectateur que de l'épaule, j'ai choisi de manière sélective de souligner les points osseux qui se chevauchent du coude au lieu de toute la forme saillante du bras pour l'empêcher de paraître rigidement enfermé. Je sentais que les lignes du coude étaient juste assez sombres et pointues pour l'amener devant la main qui s'éloignait.

Éclosion
De nombreux artistes aiment adopter une approche topographique et hachurée de leurs dessins, comme dans les dessins d'Albrecht Dürers. Vous pouvez en apprendre beaucoup en regardant le travail de cet artiste de la Renaissance du Nord. Dans Chef d'un apôtre, voyez comment il tisse sa ligne autour des formes, en utilisant des traits plus longs et incurvés progressivement sur la forme plus douce et plus arrondie de la tête globale. Pendant ce temps, il utilise des traits d'éclosion plus courts, alternant dans la direction, pour décrire les formes plus petites et plus anguleuses des rides et des repères osseux. Observez comment il chevauche les lignes de manière graduée dans le détail; il ne superpose jamais l'éclosion d'une manière tic-tac-toe, à angle droit. Habituellement, un trait mène progressivement à l'autre, et comme dans le reflet rendu en lignes blanches, les hachures peuvent prendre une apparence presque en spirale. Dans un autre exemple, notez comment la profondeur des lignes de Michelangelos varie considérablement et semble devenir plus sombre et plus intense là où elles se fondent autour des points musculaires et osseux accentués sur la figure Étude d'un nu masculin. Lorsqu'il est rendu à la plume et à l'encre, ses accents semblent non seulement devenir plus foncés, mais semblent également avoir un aspect poli et poli.

Essayez de passer du temps à étudier ou à copier des gravures anciennes, comme les étudiants de l'Académie française étaient tenus de le faire aux XVIIIe et XIXe siècles. Il est également utile d'étudier des artistes de bandes dessinées tels que Neal Adams ou Mort Drucker pour leurs méthodes de hachurage croisées en douceur. Cela harmonisera votre œil à la nuance de la ligne et vous aidera à développer une subtilité et une syntaxe pour votre technique d'éclosion. Mais n'en faites pas trop, et ne devenez pas l'esclave des fantaisies pyrotechniques. Lorsque vous travaillez à partir de la vie, passez au moins autant de temps à regarder le modèle que vous effectuez le rendu des lignes. Sinon, votre dessin aura l'air simpliste et stylisé, enveloppé dans une masse alambiquée de barbelés ou ce qu'un artiste et écrivain influent des techniques d'art du 19e siècle, Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, a appelé des études misérables et la patience quelque peu absurde de ces individus qui… imitent exactement l'outil de gravure au lieu de la nature. Selon l'historien de l'art Albert Boime, les professeurs de l'Académie française se plaignaient souvent de la tendance de leurs étudiants avancés à dessiner de cette manière, ignorant que leur insistance précoce sur la copie sans gravure de gravures favorisait l'apparence froide et sans vie que l'Académie elle-même critiquait. .

La fusion de la ligne et de la masse
Pour un contrepoint à cette approche dure, jetez un œil aux dessins de Charles Dana Gibsons,

Une première nuit
par Charles Dana Gibson, encre.

rendu en traits entrelacés plus doux, plus larges et plus lâches. Avec plusieurs artistes et illustrateurs au cours de cette période d'un siècle, Gibson a essayé d'imiter l'effet fluide et pictural de la masse de valeur avec la seule ligne. Bien que beaucoup de ses lignes librement courbes et parallèles semblent suivre les volumes de ses sujets, son objectif semble moins la sensation tactile de forme que Dürer recherchait et plus une tentative de montrer les effets optiques de la lumière sur la structure. Observez comment Gibson crée de manière évocatrice des nuances de lumière et d'obscurité en faisant varier la proximité et le nombre de hachures pour indiquer un changement de valeur. Il applique un tissage délicat de lignes subtiles au papier lorsqu'il représente les formes plus douces qui semblent progressivement devenir plus sombres à mesure qu'elles s'éloignent de la source de lumière. Il utilise une plus grande quantité de lignes plus dures lorsqu'il indique les formes plus dures qui s'éloignent fortement de la lumière et se transforment dramatiquement en masses d'ombres plus sombres.

Ce n'est pas facile de dessiner à l'encre, mais c'est un excellent moyen d'accélérer le processus d'apprentissage. Vous ne pouvez pas faire d'erreurs avec la plume et l'encre, vous apprenez donc rapidement à observer et à choisir judicieusement vos lignes. Il existe de nombreux outils à choisir pour cette torture; vous devriez tous les essayer jusqu'à ce que vous trouviez celui qui vous convient. La génération Gibson a utilisé des plumes flexibles et des pinceaux de sable fins et pointus pour maîtriser leurs lignes épaisses et fines. Van Gogh a fabriqué certains de ses propres stylos rudimentaires mais efficaces à partir de roseaux et de plumes communs. Aujourd'hui, nous avons également une grande variété de stylos à plume et même des pinceaux à plume pour éliminer une partie du tourment du processus. J'avais l'habitude de dessiner avec les deux dans mes premières années, mais maintenant je trouve qu'un stylo à bille sert aussi bien mes objectifs. Certaines marques contemporaines de stylos à bille sont sujettes à des accidents frustrants, mais si vous essayez suffisamment de fabricants différents, vous en découvrirez quelques-uns qui offrent une ligne sensible et fiable. Vous trouverez un stylo à bille très utile lors de vos déplacements, lorsque vous souhaitez un aspect fluide et sommaire, ou lorsque vous souhaitez indiquer une masse de grande valeur sur la page avec un groupe de lignes hachurées rapidement.

Lignes comme masse
Si vous empilez suffisamment de lignes de hachures fines et délicatement rendues sur votre dessin, vous pouvez créer l'apparence d'une forme tonale douce et sans lignes lorsqu'elle est vue de loin. J'aime combiner des lignes audacieuses avec ces lignes de hachures plus délicates. Parfois, j'utilise délibérément la texture parallèle du papier vergé pour améliorer cet effet, permettant à mon crayon de se déplacer de haut en bas avec la direction du grain, comme je l'ai fait dans Figure assise. Dans certains cas, je tache un peu de ton sur le papier texturé avec un moignon afin que le contraste entre les crêtes et les gouttières du papier ne soit pas trop choquant. Dans la plupart des cas, j'essaie de trouver une fusion de la ligne avec le ton, en visant une transition progressive du dessin au trait en masse de valeur pure. Plus je me déplace dans ces passages au mélange doux, plus loin je serre le crayon sur le boîtier. Je trouve plus facile de contrôler la pression de ma ligne avec ma main dans cette position élevée, ce qui me permet de caresser dans un mouvement de cambrure de plus en plus large. À ces moments-là, je tiens le crayon si doucement qu'il tombe souvent de ma main.

Il faut beaucoup de pratique pour manipuler la ligne en masse de valeur tonale. Si vous débutez, répétez la qualité de votre ligne autant que possible. Même en regardant la télévision, vous pouvez retirer un tampon et tracer des lignes à plusieurs reprises en petits échantillons carrés, en testant différentes positions des mains et en variant la pression. Essayez de vous entraîner à mélanger vos lignes. Parcourez délicatement les lignes parallèles les unes aux autres, en les superposant de plus en plus jusqu'à ce qu'elles semblent presque disparaître. Ensuite, essayez de dessiner des lignes dans la direction opposée sur ce même échantillon pour obtenir encore plus de subtilité et de mélange de lignes en masse. Si vous êtes un artiste avancé, il est également conseillé de garder un morceau de papier supplémentaire à portée de main lors du dessin, afin que vous puissiez tester la pression de votre main ou répéter un ton compliqué avant de le poser sur votre dessin fini.

Médias humides
La méthode de l'encre et du lavis est un autre outil efficace dans notre quête pour joindre la ligne et la masse, et en raison de sa similitude technique avec le milieu aquarelle, elle sert même de pont utile entre les catégories artificielles du dessin et de la peinture. Observez comment Giambattista Tiepolo avec La Sainte Famille et Jean-Baptiste Greuze avec Femme embrassant un vieil homme couché exécuter des lavages de valeur lâches à travers leurs compositions, joignant leurs figures en de plus grandes masses de valeurs abstraites picturales. Notez également comment les lignes plus dures se fondent parfois dans le lavage humide, devenant des accents plus doux et mélangés. Essayez ceci dans votre propre travail, en utilisant de l'encre soluble dans l'eau. Souvent, vous n'avez même pas besoin d'utiliser un lavage d'accompagnement - vous pouvez utiliser une brosse chargée d'eau pour faire glisser de l'encre hors de la ligne et créer un motif de valeur sus-jacente.

Fontaine à soda
par Isabel Bishop, ca. 1954,
lavage à l'encre, 7 1/8 x 6.

La masse peut parfois tellement dominer une image que la ligne peut sembler un simple complément à son partenaire, servant à accentuer les ténèbres les plus profondes ou les lumières les plus brillantes, ou simplement contenant les bords extérieurs par endroits. Même lorsqu'il est utilisé avec parcimonie, comme j'essaie de le faire dans la plupart de mes dessins (voir Torse torsadé), la ligne est toujours indispensable à mon travail. Mais rappelez-vous qu'une petite ligne va très loin. Sur ce croquis rapide de cinq minutes, j'ai confiné la plupart de mes dessins aux formes périphériques, se chevauchant et variant leur poids pour renforcer les formes intérieures et imbriquées. J'ai essayé de ne pas perturber le flux des gradations de valeur à l'intérieur, mais par endroits, j'ai ajouté quelques coups pour accentuer certains des points osseux pointus et des zones de relief profond où l'action durcit les muscles. Je me suis retirée de la masse tonale aux extrémités du torse, comptant sur les lignes solitaires restantes pour faciliter la figure dans le papier nu.

Le pouvoir des lignes et des masses ne s'arrête pas à la représentation sculpturale et aux effets naturels de la lumière sur la forme humaine. Ils peuvent remplir une fonction de conception comme dans l'exemple précédent ou, comme dans le dessin de Charles LeBrun, où la ligne et la masse se fondent rythmiquement dans et hors de la page vierge. La masse et la ligne de valeur deviennent presque une unité abstraite dans certains des dessins à l'encre Isabel Bishops. Il est difficile de dire où finit la forme et où commence la calligraphie Fontaine à soda. Elle a également utilisé des marques de formes et de lignes hybrides audacieuses dans plusieurs de ses peintures, les chevauchant parfois d'une manière désincarnée qui renforce la planéité essentielle et le potentiel formel de la toile ou du papier. Nous ne devons pas non plus ignorer complètement les autres atouts conceptuels de ces traits contrastés. Remarquez comment Fragonard exploite à la fois leurs capacités émotives et expressives Le Pacha. Connu pour son utilisation rubenesque de la couleur et du pinceau animé, il a abordé le dessin avec autant d'enthousiasme, faisant glisser rapidement un pinceau sur son papier texturé dans un script passionné et désespéré, et remplissant la page avec un motif répétitif presque moderne de marques brutes.

L'utilisation de la ligne dans la peinture
L'utilisation de la ligne ne se limite pas au domaine du papier et du dessin. Même de nombreux artistes centrés sur la masse utilisent la ligne pour commencer leurs peintures. Je commence souvent mes toiles par un vague croquis au fusain.

Figure multicolore
par Dan Gheno, 1996,
crayon de couleur, 18 x 24.
Collection de l'artiste.

Ensuite, je reconfirme et mets à profit mes premières lignes de charbon de bois avec de la peinture, généralement un cramoisi bleu ou permanent d'alizarine. Je dilue la peinture avec beaucoup de solvant pour que la couleur coule librement, comme de l'encre. Grâce à la forte proportion de solvant, les lignes peintes sèchent rapidement, généralement en cinq à 20 minutes. Cela me donne beaucoup de liberté, me permettant de me lancer immédiatement dans le processus de peinture. Si je pense que j'ai perdu le contrôle du dessin, je peux gratter certains des calques supérieurs pour récupérer le dessin original ci-dessous. Mais faites attention lorsque vous utilisez cette approche. La peinture à l'huile devient transparente avec le temps, et vous devez éviter de dessiner avec une ligne extrêmement sombre, surtout si vous peignez en couches minces.

J'utilise parfois des lignes pour redessiner une peinture en cours, en changeant de couleur chaque fois que je fais une révision afin de pouvoir comparer mes modifications par rapport à l'incarnation précédente. Je le fais sporadiquement dans mon travail dessiné, comme Figure multicolore, juste pour le plaisir - je pense qu'il est également très intéressant de documenter le chemin de la découverte, chaque décision ou ajustement étant enregistré par une couleur différente. Même lorsque je dessine à ma manière normale et monochromatique, je n'efface jamais mes erreurs jusqu'à ce que j'aie griffonné une solution possible. Il est plus facile de faire une révision dans l'un ou l'autre support lorsque vous pouvez voir où vous en êtes. De cette façon, vous ne faites pas la même erreur deux fois (ou trois fois).

Un grand nombre de peintres utilisent largement la ligne tout au long de leur travail. Van Gogh est probablement l'exemple le plus évident. Il a utilisé un trait d'éclosion très calligraphique dans plusieurs de ses tableaux, tandis que, ironiquement, dans plusieurs de ses dessins, il a souvent émulé les aspects texturaux des coups de pinceau. Comme de nombreux autres peintres, j'utilise souvent les lignes comme une sortie expressive ou comme un moyen d'impliquer des formes qui se chevauchent comme je le fais dans mes dessins. Même un artiste orienté vers la masse comme John Singer Sargent a eu recours à une utilisation intensive des contours dans une grande partie de son œuvre murale. De nombreux muralistes de l'époque, dont Kenyon Cox et, plus récemment, Dean Cornwell, ont utilisé la ligne pour rendre les images plus reconnaissables à distance, et avec Georges Rouault dans son travail au chevalet, ils ont souvent utilisé des contours distincts dans une émulation avouée de la lignes de plomb qui soutiennent les vitraux. À certains égards, vous pourriez même dire que ces lignes sombres servent plus une couleur qu'une fin de dessin; ils renforcent et améliorent les teintes à l'intérieur. Essayez d'imaginer l'autoportrait de Hans Hoffmann sans les lignes. Ça ne marcherait pas.

Un artiste abstrait comme Hoffmann n'avait pas peur des lignes ou du dessin en général. En effet, une partie de son enseignement tournait autour du dessin à partir du modèle. Malheureusement, aujourd'hui, de nombreux artistes et critiques dénoncent la fusion de la ligne et de la masse, et ils argumentent bruyamment contre la contamination de la pureté de l'impulsion de la peinture par des préoccupations de dessin. Cela me rappelle une autre période malheureuse de l'histoire de l'art, où les Poussinistes, partisans du dessin et de la retenue, et les Rubenistes, soldats de couleur et d'émotion, se faisaient mutuellement la gorge. Chacun était catégorique à son avis. En fait, un professeur populaire et artiste du mouvement néoclassique, le baron Antoine-Jean Gros, s'est suicidé parce qu'il ne voulait pas sacrifier son côté émotionnel rubéniste pour honorer son patron et père artistique, Jacques-Louis David, un zélé Poussiniste.

Aujourd'hui, la plupart des gens peuvent apprécier ces deux camps et voir leur fusion éventuelle dans l'art traditionnel de la fin du XIXe et du XXe siècle. Pensez au potentiel perdu par ces guerres d'art. La vie est trop courte pour être découragée par les dictons d'un autre artiste. Utilisez des lignes lorsque cela sert vos objectifs visuels et utilisez des masses de valeurs lorsqu'elles sont appropriées. Laissez quelqu'un d'autre s'inquiéter des prétendues règles esthétiques. Votre travail consiste à dessiner. Si vous vous y tenez, vous serez aussi imparable que l'équipe de ligne et de masse.

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