Dessin

Peinture à l'huile: James Tormey: nature morte et contexte

Peinture à l'huile: James Tormey: nature morte et contexte

Ce peintre vétéran transmet un sens puissant à ses natures mortes en changeant continuellement les arrière-plans et les décors dans lesquels ils apparaissent.

par John A. Parks

Icône
1994, huile, 18 x 12.
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collection privée à moins
autrement indiqué.

James Tormey peint des natures mortes avec une clarté méticuleuse et presque féroce. Plutôt que de simplement rendre ses sujets pour le plaisir, Tormey donne un sens plus fort et plus précis à son travail en explorant comment les arrière-plans et les décors de ses natures mortes peuvent transmettre des idées particulières. Dans ses travaux récents, par exemple, il a peint une série d'images dans lesquelles des fruits - un sujet de nature morte traditionnel - sont placés dans des cadres ou des cadres architecturaux que nous associons habituellement à l'imagerie religieuse. Dans Icon, par exemple, l'artiste a peint un chou rouge et l'a placé à l'intérieur d'un cadre de style Renaissance qu'il a construit et décoré lui-même. Au lieu d'être présenté avec un saint ou une Madone dans un tel contexte, on nous donne un légume pleinement réalisé, mais tout à fait ordinaire.

«Je crois que la seule façon de nous réconcilier avec le monde est de le regarder tel qu'il est réellement», dit Tormey. "Ce que je fais avec ces peintures, c'est dire:" C'est ce qui est réel, c'est ce que nous devrions rechercher pour les valeurs. "" Tormey pense que les artistes devraient assumer la responsabilité du sens que leurs œuvres portent. «Il y a des idées précises derrière mes peintures», explique l'artiste. «Il y a une façon de regarder le monde que j'essaie de communiquer. L’art consiste à prendre les valeurs de l’artiste, à les exprimer à travers un médium et à les concrétiser. »

Oeuf de Galileo
1986, huile, 46 x 34.

La stratégie consistant à transporter la nature morte dans des endroits improbables est la préoccupation de Tormey depuis de nombreuses années. Il a récemment terminé une série d'œuvres dans lesquelles il a peint un groupe d'accessoires de nature morte - principalement des pommes - autour des différentes pièces architecturales de la fontaine Bethesda, dans Central Park à New York. Avec leur décoration romane fantaisiste, ces arrière-plans ont une sensation d'un autre monde et légèrement spirituelle. L'introduction de natures mortes minuscules ajoute une note presque humoristique et sape les lourdes prétentions de l'architecture en insistant sur la simplicité. La nature, semble dire l'artiste, peut parfaitement coexister avec les produits de l'imagination humaine.

Dans un autre groupe de peintures, l'artiste a utilisé une idée encore plus simple pour transmettre du sens: il a placé des fruits dans des bols décoratifs semi-translucides dont le cristal déformait les formes pour qu'elles apparaissent diaphanes et disjointes. S'étendant hors des bols dans la lumière claire, cependant, le fruit devient soudainement réel et très solide. «J'aime vraiment l'idée que l'intangible se manifeste», explique l'artiste. "C'est presque comme si ces peintures sont un paradigme de la façon dont toutes les peintures se développent: elles commencent par l'informe, qui se cristallise ensuite en une idée, puis l'idée naît sur la toile."

Entreprise mixte
2000, huile, 34 x 38.

Tormey est profondément préoccupé par le processus créatif. «Je suis fasciné par la façon dont je peux avoir une idée d'une peinture qui semble venir de nulle part, faire la pièce, faire apprécier cette chose au spectateur et même vouloir l'acheter, puis demander à l'acheteur de l'emporter. Et si cette peinture devient un objet de méditation et de tranquillité dans la maison d'une personne, c'est une chose particulièrement merveilleuse. "

La technique de peinture de Tormey implique un grand soin dès le début. Il travaille dans son appartement de l'Upper West Side de Manhattan dans un espace méticuleusement propre équipé d'un chevalet très solide et d'une grande palette de verre sur une table de peinture. Pour référence, il utilise des photographies qu'il a prises d'installations de nature morte en conjonction avec des photos d'architecture ou d'autres paramètres qu'il a recueillies au fil des ans. «Je commence par un dessin soigné au graphite directement sur la toile», explique-t-il. Ces jours-ci, il utilise du canard de coton léger, bien qu'une grande partie de son travail précédent ait été effectué sur des surfaces plus lisses. Une fois la ligne de graphite établie, l'artiste réalise une fine version monochrome de l'image avec un vert terne. «Je n’ajoute rien à la peinture autre que de la térébenthine», explique-t-il. "Je n'utilise pas d'huile ou de médium pour vitrage parce que je n'aime pas la brillance. La térébenthine ternit la peinture, ce qui convient à ce que je fais. " Une fois la couche verte séchée, l'artiste applique une deuxième couche mince dans un brun chaud en utilisant de la terre de Sienne brûlée ou de l'ombre brûlée. «À toutes ces étapes, je travaille du sombre au clair», dit-il, «afin de toujours obtenir une image en trois dimensions.» Tormey travaille sur deux ou trois peintures à la fois pour permettre un temps de séchage suffisant entre les couches. «J'aime aussi la façon dont une peinture semble parler à une autre», dit-il. «Cela rend le processus plus riche.» Une fois qu'il commence à travailler en couleur sur l'image, il continue lentement, en appliquant de nombreuses couches minces et en réalisant progressivement de subtils changements de tons et de couleurs jusqu'à ce que ses formes éclatent de vie en trois dimensions. «Je travaille avec un pinceau très sec», explique l'artiste. De nombreuses peintures de Tormey contiennent des arrière-plans sombres, dont certains sont d'un noir pur, ce qui peut présenter ses propres problèmes techniques. «Je ne veux pas que ces antécédents se sentent présents», dit-il. "Je veux qu'ils abandonnent tout simplement."

Au pied de la pyramide
1986, huile, 40 x 32.

En général, Tormey travaille avec des brosses synthétiques souples de différentes formes et tailles. Pour le mélange, il utilise des brosses en éventail synthétiques ainsi qu'un certain nombre de grosses rondes douces. Parce qu'il ne veut pas d'éclat sur son travail, il n'utilise pas de vernis. «Même les vernis mats sont un problème», explique l'artiste, «car ils contiennent de la cire. Parfois, après un an ou deux, ils obtiendront une «floraison». Il est cependant assez facile de s'en débarrasser - il suffit de repeindre le vernis. Mais je préfère ne pas. Parfois, je vais utiliser un vernis léger pour retoucher pendant que je travaille pour faire remonter un peu quelque chose. "

Il n’est pas surprenant que le travail de Tormey, avec ses contrastes lourds et ses transitions tonales douces, soit fortement influencé par la photographie. Tormey a travaillé comme photographe pendant quelques années, et quand il a commencé à faire des natures mortes, il les a souvent photographiées sur fond noir. C'est au cours de ces années qu'il découvre à la fois la tradition espagnole de la nature morte et des peintres tels que Juan Sánchez Cotán (vers 1560–1627), qui apprécient également le drame des arrière-plans noirs associés à de curieux arrangements de nature morte. «C'était comme découvrir que j'avais un frère que je n'ai jamais connu», se souvient-il. Tormey est également un fan des peintres italiens Carlo Crivelli (ca. 1430-1495) et Vittore Carpaccio (ca. 1450-1525), dont les peintures - avec des détails inhabituels et imaginatifs - ont une apparence étonnamment moderne.

Bol bleu aux poires
1997, huile, 36 x 36.
La vue au-delà
1982, huile, 32 x 34.

Parlant du réalisme insistant de son propre travail, Tormey le rattache à sa philosophie personnelle. "Je pense que ce que mes objets disent est" Ne plaisante pas avec moi - prends-moi au sérieux. "Ces objets sont la réalité, et ils sont tout ce que nous avons."

À propos de l'artiste
James Tormey a étudié au Pratt Institute, à Brooklyn, et a travaillé dans la publicité pendant plusieurs années pendant qu'il peignait à temps partiel. Dans les années 1960, il s'est soutenu en tant que photographe, couvrant des ouvertures et des événements pour le Museum of Modern Art, à New York. Pendant de nombreuses années, il a été représenté par la Madison Avenue Gallery, à New York, où il a présenté de nombreuses expositions personnelles. Il a également exposé au Japon et en Allemagne. L'artiste s'installe à Manhattan et est représenté par la Uptown Gallery, également à New York. Pour plus d'informations sur Tormey, visitez son site Web à www.jamestormey.com.

John A. Parks est un artiste représenté par la Allan Stone Gallery, à New York. Il est également professeur à la School of Visual Arts, à New York, et contribue fréquemment à Artiste américain, Dessin, Aquarelle, et Magazines d'atelier.

Voir la vidéo: Tuto peinture Une nature morte en peinture à lhuile. 4ème partie (Septembre 2020).