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Pastel: Wende Caporale: Les similitudes dans la peinture de portraits à l'huile ou au pastel

Pastel: Wende Caporale: Les similitudes dans la peinture de portraits à l'huile ou au pastel

L'un des meilleurs artistes spécialisés dans les portraits d'enfants a récemment offert des ateliers pour les peintres à l'huile et au pastel. Bien que certaines des instructions spécifiques de Wende Caporale se rapportent à un médium ou à l’autre, ses discussions générales sur l’importance du dessin, des jugements de valeur et de température et de la progression du sombre au clair étaient pertinentes pour les deux.

par M. Stephen Doherty

La séquence de photographies
montré ici documenter la
portrait à l'huile et pastel de trois heures
démonstrations de peinture Caporale
offert lors de son atelier
à North Salem, New York.
Ici, elle a conseillé un étudiant
dans son atelier.

L'histoire de l'art est souvent l'histoire de la peinture de portraits, car bon nombre des œuvres les plus importantes de maîtres passés tels que Leonardo, Titian, Velázquez, Gainsborough, Holbein, Degas et Sargent étaient des portraits. Les artistes continuent d'être mis au défi d'offrir à la fois la ressemblance d'une gardienne et une interprétation personnelle de ce qu'ils observent, et il existe un certain nombre d'importants portraitistes contemporains qui dirigent des ateliers, enregistrent des programmes vidéo et DVD et donnent des conférences lors de congrès. Wende Caporale est une de ces portraitistes qui partage ses connaissances et son expérience professionnelle avec des artistes en herbe. Il y a deux ans, elle a autorisé des caméras à filmer une démonstration informative ...Wende Caporale, Travailler de la vie (Famous Painter Films, une division de Jack Richeson Co.) - et cette année, elle a offert des ateliers intensifs à Appleton, Wisconsin et à North Salem, New York, pour les artistes qui voulaient peindre la figure à l'huile ou au pastel, les deux peinture des supports qu'elle utilise pour exécuter ses propres commandes.

Dans ses ateliers, Caporale a offert des démonstrations de sa propre approche, a examiné des exemples de ses portraits commandés, a donné aux élèves le temps de peindre à partir d'un modèle vivant, a offert des conseils individuels à chaque élève et a conclu avec des remarques générales sur les méthodes pour continuer à apprendre et à améliorer sa compétences et compréhension. Elle a offert des leçons similaires pendant son programme filmé.

Un détail du portrait à l'huile
démonstration en cours.

Dans chacune de ces classes, Caporale a commencé par discuter des différentes décisions qu'un artiste doit prendre en consultant son client; puis elle a donné des instructions sur le dessin du modèle, la présentation d'une palette de couleurs et le prémélange des couleurs de peau et de fond appropriées.

Planifiez le portrait
Lors de sa première rencontre avec un client portraitiste, Caporale discute à la fois des attentes du client et de ses propres recommandations. Ils parlent de ce qui doit être inclus dans le tableau - une vue tête-et-épaules, pleine longueur ou aux trois quarts de la personne - où l’image sera suspendue, ainsi que de la personnalité et des intérêts du sujet. Étant donné que de nombreuses commandes de Caporale concernent des portraits d'enfants, une grande partie de son dialogue est avec les parents, mais elle sollicite toujours les opinions du garçon ou de la fille sur ses préférences.

Pour le portrait documenté dans la vidéo / le DVD, la mère du garçon a recommandé une demi-douzaine de chemises, vestes et cravates dans des tons neutres et de tons moyens de brun, gris et bleu; et elle a envoyé une chemise noire pour être considérée également. Caporale a recommandé des vêtements qui n'étaient pas si élégants ou élaborés qu'ils dateraient rapidement le portrait ou distraireaient le visage de l'enfant. Caporale a demandé au mannequin, Chris, s’il voulait porter une tenue formelle, comme une veste et une cravate, ou s’il serait plus à l’aise dans une tenue décontractée. Chris a rapidement exprimé sa préférence pour une chemise de sport informelle, et Caporale a indiqué que celle avec un col serait préférable.

Caporale la regarda
dessin initial à travers un
miroir à main pour vérifier
sa précision. "Être capable
voir une image inversée permet
moi de devenir plus objectif
lors de l'évaluation de mon travail "
elle a expliqué.

Avec la plupart de ses commandes, Caporale prend des photos de ses sujets dans leurs maisons, où ils se sentent le plus à l'aise, et elle trouve que la lumière naturelle qui passe par une fenêtre est généralement adéquate. «J'évite de faire poser un enfant par une fenêtre où une forte lumière pénètre, car cela peut provoquer des ombres dures qui vieillissent l'apparence du visage de l'enfant», explique-t-elle. «J'utilise parfois un morceau de tableau blanc réfléchissant pour faire rebondir la lumière dans l'ombre sur le visage pour adoucir les ombres et les rendre moins dures. Je peux aussi essayer de photographier l'enfant à l'extérieur avec la lumière du soleil venant de derrière sa tête; mais dans la plupart des situations, je préfère un cadre intérieur avec la lumière venant du dessus de la personne assise - ou ce qu'on appelle une «situation d'éclairage Rembrandt» - qui attire l'attention sur les pommettes et la ligne du menton. "

Lorsqu'un client peut venir au studio Caporale à North Salem, New York, elle a un plus grand nombre d'options en termes d'éclairage, de toile de fond, de support de modèle et de mobilier. Elle a illustré comment ces choix variés peuvent être évalués lors des démonstrations filmées. «J'ai essayé des toiles de fond bleu, blanc, rouge, noir et gris derrière Chris, et chacune a présenté un équilibre différent de valeurs, de couleurs et d'effets», a-t-elle décrit. «Le rouge et le noir étaient assez dramatiques mais trop forts pour un jeune homme; le blanc était trop fade et il était difficile de séparer ses traits du visage de l'arrière-plan. Le gris, cependant, fonctionnait parfaitement avec les couleurs de ses vêtements, de sa peau et de ses cheveux. »

Prenez beaucoup de photos
Une fois que Caporale et son client sont parvenus à un accord général sur la taille, les vêtements et la pose de la figure, elle prend des dizaines de photographies du sujet tout en lui demandant de se déplacer légèrement dans une direction ou d'une autre, de sourire un peu plus ou moins et inclinez sa tête de différentes manières. S'il y a encore une certaine incertitude concernant les meilleurs vêtements ou le meilleur fond, l'artiste prendra des photos supplémentaires, qui pourront être utilisées une fois qu'une décision finale aura été prise.

Caporale a des planches-contacts faites de toutes ses photographies, et une fois qu'elle a identifié celle ou les deux qui conviennent le mieux à la peinture, elle a fait des agrandissements 8 x 10. «J'essaie de trouver la meilleure photo qui a tout ce que je veux dans le portrait», explique Caporale. "Je ne veux pas prendre les yeux d'une photographie, la bouche d'une autre et les cheveux d'une troisième."

Après avoir établi le
dessin initial, Caporale
pastel foncé ajouté au
zones d'ombre. Noter la
«Éclairage Rembrandt» du modèle.

Comptez sur un dessin précis
Au cours de ses ateliers, Caporale prend un temps considérable pour offrir des conseils sur le dessin précis de la tête humaine. «Même si vous travaillez à partir de photographies, il est très important de bien dessiner», explique-t-elle à ses élèves. «Vous devez être conscient des distorsions inhérentes aux photographies et être en mesure de les ajuster en conséquence. En outre, les compétences en dessin sont essentielles pour effectuer des ajustements à toutes les étapes du processus de peinture. »

À l'aide d'un morceau de charbon de vigne, Caporale a fait des dessins rapides des membres de la classe pour montrer comment un artiste peut utiliser les proportions moyennes de la tête pour déterminer comment les caractéristiques d'un modèle spécifique peuvent différer de cette norme. "Les proportions standard divisent la tête en trois unités de mesure égales du front aux sourcils, des sourcils au bas du nez et du nez au bas du menton", a-t-elle expliqué. «Lorsque vous regardez un modèle, vous pouvez juger de la façon dont ces relations peuvent être différentes, et cela vous donne un indice sur la façon de dessiner ou de peindre une ressemblance. Par exemple, si vous reconnaissez que le front de la personne est plus grand que la plupart, vous pouvez le dessiner ou le peindre de cette façon. Connaître plusieurs autres relations proportionnelles standard vous aidera également à juger de l'emplacement des oreilles, de la largeur de la bouche et de la distance entre les yeux, par exemple, car ces moyennes vous aident à déterminer les proportions spécifiques de votre sujet.

Une photographie détaillée de la
portrait au pastel terminé
manifestation.

"Certains artistes trouvent utile de tracer des lignes droites ou angulaires plutôt que des lignes courbes, car celles-ci peuvent parfois être plus faciles à utiliser pour juger les distances", a ajouté Caporale. «Autrement dit, les lignes indiquant le haut, le bas et le côté de la tête peuvent être utiles pour déterminer le placement de la tête sur la toile, et les lignes droites tracées de la tête aux bords des épaules peuvent aider à mettre avec précision un cou et la poitrine sous la tête. Vous pouvez utiliser n'importe quel système qui vous aide à arriver à un dessin précis, mais le plus important est d'avoir la certitude que vous avez le bon cadre sur lequel construire votre portrait. »

Les démonstrations de dessin de Caporale se font généralement sur une feuille de papier 16 x 20 car elle trouve que c'est la taille la plus confortable pour les portraits d'enfants en tête et épaules. Une élève de l'atelier a demandé à Caporale de clarifier une remarque qu'elle avait faite sur l'utilisation d'un fil à plomb pour évaluer les lignes d'un dessin. Elle a répondu en expliquant que les artistes utilisent une variété d'outils, y compris des cordes lestées, des règles, des crayons et des pinceaux, tenus devant leurs yeux pour juger les lignes de leurs dessins par rapport aux lignes horizontales ou verticales. "Il s'agit de déterminer si votre dessin est incliné d'une manière ou d'une autre et si vous avez les traits correctement alignés", a-t-elle déclaré. "Vous pouvez utiliser l'aplomb d'un menuisier réel ou tout simplement tenir un crayon devant vos yeux à un angle de 90 degrés ou 180 degrés par rapport à votre ligne de vision pour faire ces déterminations."

Élèves de l'atelier développés
leurs propres portraits
huile et pastel.

Prémélangez une palette de couleurs à l'huile
Jusqu'à ce point, tout le matériel didactique couvert dans l'atelier était suffisamment général pour s'appliquer à la peinture au pastel ou à l'huile. Les démonstrations suivantes s'appliquent à la peinture à l'huile, puis à la peinture pastel.

La palette standard de couleurs à l'huile de Caporale comprend les pigments suivants, disposés de gauche à droite: blanc écaille, noir ivoire, bleu de Prusse, terre de Sienne brute, ocre jaune, jaune de cadmium moyen, écarlate de cadmium Shiva, cramoisi d'alizarine, terre de Sienne brûlée, terre d'ombre brute, brûlée terre d'ombre, vert sapin, vert Shiva Thalo, violet manganèse et violet Shiva foncé. Le fait que Caporale n'utilise généralement pas de bleu céruléen, cobalt ou bleu outremer est particulièrement remarquable. «Je trouve que le bleu de Prusse est une couleur transparente intense qui se marie bien avec d'autres couleurs de tube pour me donner ce dont j'ai besoin», a-t-elle expliqué.

C’est la pratique de Caporale de mélanger plusieurs de ces couleurs de tube avec différentes quantités de blanc écaillé afin qu’elle dispose d’une gamme de valeurs lors de la peinture. Elle a montré aux élèves exactement comment elle utilise un pinceau pour ajouter des quantités croissantes de blanc écaillé, à commencer par l'écarlate de cadmium Shiva, suivie par l'ocre jaune et enfin l'ombre crue. «Ces mélanges me donnent une gamme complète de tons chair», a-t-elle déclaré. L'artiste a également décrit des circonstances dans lesquelles elle pourrait mélanger du noir d'ivoire, de la terre de Sienne brute et du blanc écaillé pour créer une couleur gris verdâtre afin d'équilibrer les tons de peau.

Anna
2002, pastel, 24 x 18.
Collection de la famille Abernethy.

Caporale a ensuite déplacé la discussion vers la peinture pastel et a souligné qu'elle travaille avec un ensemble complet de pastels Unison. "Comme vous le savez probablement, les pastels ne sont pas mélangés comme le sont les peintures à l'huile, à l'aquarelle et à l'acrylique", a-t-elle expliqué. "Un artiste doit sélectionner la couleur et la valeur spécifiques nécessaires, ou il ou elle doit chevaucher plusieurs traits de pastel afin qu'ils se fondent dans les yeux du spectateur pour apparaître comme s'ils avaient été physiquement combinés. Cela signifie qu'un artiste pastel doit avoir un large assortiment de bâtons de pastel pour travailler, et il ou elle peut également avoir besoin de quelques pastels durs, tels que les Nupastels que j'utilise pour commencer le processus de peinture.

L'un des principes communs à l'huile et au pastel, a souligné Caporale, est la méthode avec laquelle un artiste suggère la profondeur et la projection dans une peinture. «Avec les deux médias, le degré de contraste entre les couleurs et la dureté et la douceur relatives des bords sont principalement responsables d'indiquer si un objet se projette vers l'avant dans l'espace ou recule au loin», a-t-elle décrit. «De manière générale, les couleurs sont nettes et nettes lorsqu'elles se projettent vers le spectateur tandis que les bords deviennent plus doux et les transitions entre les valeurs deviennent plus subtiles lorsque les objets reculent dans l'espace.»

Un participant à l'atelier a repris cette discussion sur la forme projetée et a demandé à Caporale quelle était la situation particulière de peindre un portrait d'une personne de profil. Elle a répondu en disant qu'étant donné qu'il n'y avait pas la valeur habituelle et les variations de température qui sépareraient les moitiés gauche et droite d'un visage, un artiste devrait s'appuyer davantage sur la différence de valeur entre la figure et l'arrière-plan et entre le aspect sculpté de la pommette et de l'orbite. "Vous avez raison de dire que lorsque vous peignez un visage de profil, les traits ont tendance à devenir plats", a-t-elle répondu. "Dans ce cas, vous devrez dépendre du contraste des valeurs entre la tête, les cheveux, le cou et l'arrière-plan pour donner à la figure une impression de dimension."

Jillian
2003, huile, 7 x 5.
Collection privée.

Établir des motifs d'ombre
Caporale trouve qu'il est plus efficace de travailler des valeurs sombres à claires sur une surface tonique avec une valeur moyenne. «Cette approche présente des avantages distincts avec l'huile et le pastel», a-t-elle déclaré à la classe. «Avec l'huile, il est préférable de commencer par des ombres minces et transparentes et de les approfondir avec des mélanges de couleurs progressivement plus légers et plus épais. Avec le pastel, il est utile d'avoir des valeurs sombres sous-jacentes lorsque vous effectuez une variété de traits diagonaux et horizontaux. "

À l'aide de sa palette de couleurs à l'huile prémélangée, Caporale a montré aux étudiants de son atelier du Wisconsin comment utiliser les valeurs les plus sombres pour bloquer les ombres, équilibrant les températures chaudes et fraîches qu'elle a observées sur les différents côtés du visage car elles étaient influencées par la source de lumière . "Les plans illuminés du visage le plus proche de la lumière seront probablement chauds parce que la lumière artificielle a un ton chaud et jaune, et les ombres à l'opposé auront tendance à être fraîches", a affirmé Caporale. "Sans trop compliquer la démonstration, je mentionnerai également que l'on trouvera des couleurs chaudes dans les ombres froides et des couleurs froides dans les reflets chauds. J'explorerai cela plus avant, mais je voulais juste souligner qu'il n'y a pas de séparation absolue entre les couleurs chaudes et froides. "

Au cours des démonstrations filmées de peinture pastel, Caporale a adopté une approche similaire pour bloquer les valeurs de base qu'elle a observées dans son modèle vivant, en définissant la couleur sombre dans les cheveux ainsi que les ombres projetées sur le côté du nez, de la joue et sous le menton. Elle a choisi un pastel Unison violet frais et l'a appliqué dans les zones précédemment décrites dans le Nupastel dur. "Il est généralement utile de dessiner les contours des traits et des ombres avec un pastel dur même si les couleurs ne sont pas complètement résistantes à la lumière", a-t-elle déclaré aux élèves. "Si vous gardez ces marques au minimum, vous ne devriez pas avoir de problème, surtout si vous couvrez le pastel dur avec des pastels tendres de qualité, comme ceux de la ligne Unison."

Cindy
2005, huile, 20 x 16.
Collection privée.

Bloquer en arrière-plan
L'une des raisons pour lesquelles Caporale préfère travailler sur des surfaces toniques avec de l'huile et du pastel est que la valeur des tons moyens lui permet d'établir rapidement l'équilibre des tons sombres, clairs et moyens dans une peinture. "À moins que votre modèle ne soit posé devant un fond sombre et solide ou un rideau très léger, il n'est pas nécessaire de passer beaucoup de temps à travailler autour de la tête jusqu'à ce qu'il soit assez bien établi", a-t-elle déclaré. "La seule raison pour laquelle vous voudrez peut-être ajuster la couleur de l'arrière-plan, ce que je vais faire maintenant, c'est de garder à l'esprit la température de couleur lorsque vous allez plus loin dans la peinture des tons chair."

Se déplacer en demi-teintes
Tout en continuant à travailler du sombre au clair, Caporale a fait des traits diagonaux avec des tons pastels tout en observant attentivement les plans du visage du modèle se transformer en lumière. "Vous pouvez obtenir au moins trois valeurs différentes de chaque bâton de pastel en fonction de la quantité de pression que vous appliquez et de la distance entre les traits", a-t-elle expliqué. "Vous obtiendrez l'effet le plus riche en mettant beaucoup de pression sur le pastel. Si vous allégez la pression ou si vous éloignez les marques, la valeur apparaîtra plus claire ou plus foncée, selon les couleurs en dessous. »

Une situation similaire se produit avec les couleurs à l'huile lorsque la quantité de solvant mélangée à la peinture varie et lorsque de nouveaux traits de couleur sont poussés dans ceux déjà sur la toile. «Les artistes développeront une compréhension instinctive de la façon dont les variations peuvent être utilisées pour développer un portrait», explique Caporale.

Joseph
1998, pastel, 20 x 16.
Collection la famille Secor.

Référencez les faits saillants
Bien que Caporale n'ait pas fini de développer les tons moyens de son portrait pastel, elle ressentit le besoin d'appliquer quelques traits de couleurs plus claires dans la représentation du front de Chris et sur le côté gauche de son visage. «Je veux avoir une idée de l'endroit où je vais en construisant les pastels du foncé au clair, et l'ajout de ces quelques traits de couleur claire me donne ce point de référence», a-t-elle déclaré. «Je garderai à l'esprit que les valeurs moyennes doivent devenir suffisamment légères pour créer une transition harmonieuse vers les hautes lumières sans devenir si brillantes qu'elles rivalisent avec ces accents finaux.»

Vérifiez le dessin, les valeurs et les bords
Tout au long du processus de peinture à l'huile et au pastel, Caporale s'est constamment éloignée de son portrait en développement pour revérifier le dessin, identifier les zones problématiques potentielles dans les déclarations de couleur et de valeur, considérer les bords durs et mous et confirmer son plan pour la prochaine étape de le processus de peinture. Elle a également utilisé la technique standard de regarder une image inversée de sa peinture dans un miroir à main. «Le miroir me permet de voir à la fois le modèle et la peinture l'un à côté de l'autre, et il réduit suffisamment mon niveau de confort pour que je puisse immédiatement voir les zones problématiques qui nécessitent une attention», a-t-elle souligné.

Transitions fluides et ajout de points forts
Caporale était particulièrement préoccupé par les transitions douces des valeurs sur l'arête du nez, dans l'ombre portée sous le menton et des deux côtés des lèvres. Elle a utilisé des traits légers des pastels Unison pour adoucir ces transitions, déplaçant parfois le bâton dans une direction horizontale plutôt que diagonale. «En général, je caresse un pinceau ou un bâton de pastel dans un mouvement qui suit le contour du visage, mais il est parfois utile d'appliquer de la couleur en traits horizontaux», a-t-elle expliqué.

La dernière étape de tout processus de peinture est l'ajout de reflets, et ceux-ci sont particulièrement importants dans un portrait car ils donnent vie, dimension et éclat à des caractéristiques telles que le bout du nez, les pupilles des yeux, la lèvre inférieure, et les pommettes. Soutenant sa main avec un mahlstick, Caporale a utilisé à la fois un Nupastel aiguisé et un pastel Unison de couleur chaude pour ajouter ces accents importants.

À propos de l'artiste
Wende Caporale est un maître pasteliste de la Pastel Society of America et a reçu des prix lors d'expositions avec jury organisées par American Artist et par des sociétés de pastel du Connecticut, du Kansas et du Maryland. Elle est titulaire d'un B.F.A. de Paier College of Art, à Hamden, Connecticut, et elle a étudié la peinture à la National Academy et à l'Art Students League de New York, à Manhattan et dans des ateliers privés. Elle est un instructeur populaire de peinture pastel pour la Portrait Society of America, le Northern Westchester Center for the Arts, à Mt. Kisco, New York, et dans des ateliers. Caporale et son mari, l'artiste Daniel E. Greene, vivent à North Salem, New York, avec leur fille, Avignon. Contactez Caporale pour plus d'informations.

M. Stephen Doherty est le rédacteur en chef de Atelier.

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