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Peinture à l'huile: approche impressionniste de Carolyn Egelis

Peinture à l'huile: approche impressionniste de Carolyn Egelis

Cette peintre à l'huile du Maryland, réputée pour ses portraits, cherche l'essence de ses sujets et se contente de rien de moins.

par Janice F. Booth

Pâturage du soir
huile sur lin, 24 x 30.
Collection de l'artiste.

Lorsque nous nous souvenons du visage d’un ami, nous ne voyons pas les yeux, le sourire, la bouche. Nash. Il y a cependant quelques suggestions utiles que nous pouvons tirer de ses observations sur le portrait.

Tout d'abord, réfléchissez bien à la façon de positionner la figure dans un portrait. Egeli met en garde contre l'artiste, et donc le spectateur, en se rapprochant trop et en baissant les yeux sur le sujet, surtout si le portrait est de trois quarts, y compris les mains et les genoux du sujet. Si l'accent est mis sur les yeux et que l'artiste regarde vers le bas, les yeux et le haut des genoux ne peuvent pas être vus simultanément sans déformer la perspective, ce qui fait que le sujet semble flotter au-dessus de la chaise ou du canapé dans la peinture. Cependant, un point de vue avec une perspective correcte, regardant vers le bas le gardien, transmet la vulnérabilité et le drame.

M. Mme Stanley J. [Sandra] Sweikar
2005, huile, 50 x 40.
Collection M. et Mme
Stanley J. Sweikar.

Un point de vue regardant le sujet peut donner une impression de noblesse et d'autorité, mais cette perspective peut également provoquer un allongement des traits au bas du visage. La troisième option, et peut-être la plus courante, consiste à garder la tête du gardien au niveau des yeux de l’artiste. Il peut être nécessaire de placer le sujet sur une plate-forme pour y parvenir. Le plus important dans le choix d'une perspective est que la pose doit exprimer la personnalité du sujet et capturer l'esprit du modèle.

Une autre clé cruciale pour des portraits convaincants: faites du temps votre allié. Egeli fait des pauses fréquentes au fur et à mesure de la progression d'une peinture - elle travaille sur une autre peinture, joue du piano ou des exercices, puis revient à la peinture rafraîchie. Alors que la pièce prend sa propre vie, «j'évalue et compare ce que j'ai fait avec ce que j'avais envisagé. J'ajuste le dessin avec de meilleures proportions, augmentant ou modifiant parfois les différences de valeur. Je m'assure que l'action est suffisante, intéressante. Je continue à comparer et à construire sur toute la toile, en restant général aussi longtemps que je peux le supporter, puis je commence à cerner les choses en travaillant sur la peinture. À ce stade du processus, je ne peins pas plus de 20 minutes à la fois. Et je m'assure que ma source d'éclairage est stable; Je ne poursuis pas la direction de la lumière. "

Troisièmement, Egeli exhorte les artistes à rechercher une coordination des yeux et du cœur. En partie, elle évite de se fier aux photos pour plus que référence. «Copier servilement des photos signifie que vous copiez des distorsions», dit-elle. «Souvent, les centres des visages deviennent trop grands ou les visages deviennent trop longs, selon l'objectif et la distance à partir de laquelle la photo est prise. L'artiste poursuit sa queue, incapable de comprendre pourquoi la ressemblance manque la marque. "

Son quatrième conseil: exagérez la sensation de mouvement au début. «Lorsque je corrige ou modifie le dessin, il devient beaucoup plus précis», explique Egeli. "Mais sans attention au mouvement et au motif, la peinture vacille, la passion échoue." Elle s'appuie sur ses instincts - fondés sur l'habileté et le courage - pour capturer les sentiments qui peuvent imprégner un tableau de vie.

Frozen Still, Vermont
2006, huile sur lin,
30 x 40. Collection
l'artiste.
Henry T. (Tom) Waring
2004, huile, 32 x 38.
Toutes les illustrations de cet article
collection privée
Sauf indication contraire.

Enfin, Egeli recommande aux artistes de ne pas se concentrer sur une caractéristique particulière. Ne vous laissez pas séduire, par exemple, par les yeux. Comme Egeli met en garde ses élèves, «vous devez construire la maison avant de pouvoir installer les fenêtres.» Chaque élément du paysage ou du visage et du corps suscite de l'intérêt et requiert l'attention du patient. Lorsque les courbes de l'oreille, l'angle du sourcil et l'ombre du menton ont été examinés de près par l'artiste, le portrait devient organique.

Dans le double portrait de Stanley J. et Sandra Sweikar, Egeli a d'abord esquissé les formes et positions générales du couple sur la toile. Souvent, elle dessine au fusain, capturant les valeurs du processus. En faisant ce croquis, un autre processus créatif se poursuit simultanément: Egeli écoute ses sujets. Elle écoute ce qu'ils pensent et ressentent; elle observe les messages qu'ils véhiculent avec leur corps, leurs expressions. Il y a quelque chose à apprendre même de ce qui n'est pas dit ou de ce qui n'est pas fait.

Egeli est un observateur astucieux; elle interprète instinctivement le motif et le sens. Son vocabulaire visuel exprime les sentiments des deux parties - le portrait fini raconte quelque chose de l'histoire de la gardienne ainsi que de celle de l'artiste. Tout ce qu'Egeli voit et ressent fait partie du portrait. Dans le portrait de Sweikar, les angles des postures du couple reflètent l’ouverture entre eux; leurs mains jointes reposant près du corps de l’autre suggèrent l’intimité et le triomphe d’un mariage réussi. Leurs regards regardent le spectateur, confiant, sans surveillance et à l'aise.

Hortensias blancs
2000, huile sur lin, 24 x 30.
Collection privée.
Laura Elizabeth
1994, huile, 55 x 36.
Collection de l'artiste.

Au fur et à mesure que le portrait prenait forme, la coloration de la figure avant émergeait. Egeli est prudent avec les tons chair. «Sargent a utilisé de l'ocre, du noir et du blanc, puis a laissé tomber du rouge indien au bout des doigts. Fracassant! " dit l'artiste. «Mon père, Bjorn Egeli, m'a appris à utiliser le violet de Mars et le bleu de cobalt pour les tons foncés, se fondant dans des ombres verdâtres pour les demi-teintes. Les demi-teintes se déplacent vers l'ocre pêche des tons chair généraux à la lumière. Les avions chauds sont déposés avec des cadmiums rouges où la joue tourne, et la valeur se déplace vers le côté sombre. Le côté chaud de la joue, plus proche de la lumière, est d'un rouge plus chaud, et l'autre joue, plus proche du côté de l'ombre, a un rouge plus froid entrant dans l'ombre.

"Dans la lumière réfléchie, les couleurs se déplacent vers des verts pâles, des jaunes ou des blancs, selon la couleur de la lumière frappant le sujet", poursuit Egeli. «Puis, à la lumière, les valeurs finissent très haut avec une modélisation infinie. Aborder le visage par une modélisation rapprochée à la lumière est une tâche très exigeante. Une manière moins exigeante de peindre le visage consiste à utiliser une plage de valeurs généralement plus sombre, avec des tirets de lumière pour exprimer les reflets sur le visage.

Course de bonite, traverser le sillage
2005, huile, 30 x 40.
Shannon Sullivan
2003, huile, 40 x 42.
Collection M. et Mme
Michael J. Sullivan.

«Je dis toujours à mes élèves:« Conservez le sentiment que vous ressentez en regardant la scène ou la personne que vous êtes sur le point de peindre », explique Egeli. «Ce sentiment doit rester une fois le travail terminé. Exploitez votre passion; traiter. La passion est essentielle. Prenez le temps d'analyser, mais faites attention de ne pas altérer et sur-analyser ce que vous voyez et ressentez. »

Egeli poursuit: «En partie, l'artiste doit refléter le sujet. Dans le cas d'un portrait, j'essaie de me familiariser avec le style de vie et les goûts du sujet. En tant qu’artiste, je me concentre sur l’identité du sujet. J'essaie d'être honnête, d'exprimer ce que je vois dans mon sujet, en gardant à l'esprit ce qui convient au but du portrait. En tant qu'artiste, je reçois une commande en raison de mes goûts et de ma perspicacité, donc je reste fidèle à cela, mais je suis également ouvert aux points de vue de ma gardienne. Développer une relation avec mon sujet est l'une des joies et des avantages de la peinture de portrait. »

Les parents d'Egeli, Lois Baldwin Egeli et Bjorn Egeli, étaient tous deux des peintres accomplis, donc gagner sa vie en tant qu'artiste lui est venu naturellement. Elle se souvient avoir joué enfant dans les bureaux d'un juge de la Cour suprême pendant que son père peignait le portrait du juge. Au cours des 20 dernières années de la vie de son père, Egeli l’a accompagné aux séances. Servir de chauffeur de Bjorn Egeli a donné à sa fille talentueuse l'occasion d'observer la relation entre l'artiste et le sujet, ainsi que de comprendre le métier de peindre des portraits de personnages célèbres et importants - gouverneurs, présidents d'entreprises, hommes d'État et juges.

L'héritage de Bjorn et Lois Egeli comprend non seulement leur carrière dans la peinture, mais aussi cinq enfants qui sont également devenus des artistes à succès. La dynastie qu'ils ont fondée (trois générations jusqu'à présent) a été comparée aux célèbres Peales du XIXe siècle et aux Wyeth, dont les générations sont contemporaines des Egelis. Chacune de ces dynasties picturales a établi une vision unique, une qualité à leurs peintures que même l'admirateur inexpérimenté peut identifier.

Grand voilier à Norfolk
huile sur lin, 10 x 14.
Son Honorable Théodore
Edgar Cardinal McCarrick

2003, huile, 36 x 54.

Des peintures des deux parents sont accrochées à côté de ses propres pièces dans la maison Egeli construite sur les rives de Herring Creek dans le sud du Maryland. Dans ce cadre bucolique, son travail est intimement lié à sa vie privée. Le design de la maison offre des galeries et des espaces lumineux où les clients et les invités du pays et du monde entier viennent étudier, acheter des peintures et poser pour des portraits.

«Je traite l'art comme un travail que je respecte», explique Egeli. «La peinture a des principes fondamentaux, un langage compréhensible. Les images et les matériaux sont le vocabulaire; les caractéristiques des matériaux et les éléments de design et de couleur sont la grammaire de la peinture. J'exhorte mes élèves à appliquer ces principes de l'art pour produire des tableaux imprégnés de la passion et de l'énergie individuelles de l'élève. » Si le pigment, la toile et le vernis constituent son vocabulaire, la conception et la structure sont la grammaire qui fournit l'ordre et le contrôle. Egeli parle couramment la langue de l’artiste.

Andrea Rousseaux et
Fille Amelié

1992, huile, 36 x 30.
Gouverneur William D. Schaefer
2006, huile, 36 x 48.

Elle commence avec les meilleurs matériaux de qualité disponibles, y compris les peintures Old Holland, la toile de lin, les pinceaux à poils et les médiums classiques de la térébenthine, du vernis damar et de l'huile de lin pressée à froid. «J'utilise de la pression à froid car cela réduit le« suède »à la surface du tableau», dit-elle. L'artiste note que les fournitures d'art contemporain, contrairement aux matériaux de sa jeunesse, ont tendance à sécher rapidement, obligeant l'artiste à planifier à l'avance mais à gagner du temps entre les étapes de la peinture.

Egeli est particulière sur le caractère de ses peintures. Elle mélange sa propre peinture blanche avec des pigments de Sinopia, une entreprise de San Francisco. Lorsqu'il est fait avec l'huile de lin appropriée, ce blanc fait maison a une couverture et une mobilité supérieures. Les peintures Old Holland sont réputées pour leur qualité d'archivage et leur couleur de trempage.
Egeli applique généralement un motif à sa toile ou planche gessoed, souvent une teinte neutre de valeur moyenne. Si elle désire une toile de fond fraîche, l'artiste peut utiliser un mélange de bleu cobalt, d'ombre brute et de blanc. Pour un sol chaud, elle utilisera un mélange de terre de Sienne et d'ombre brûlée. «Lorsque j'applique la peinture, je travaille par étapes avec des glaçures minces ou un pinceau chargé, selon le sujet», dit-elle. L'artiste peut retourner à plusieurs reprises sur un site paysager ou dans un atelier pour dessiner et photographier son sujet, réalisant parfois deux ou trois petites peintures exploratoires. «Parfois, je vois le tout d'un coup», explique Egeli. «Mais être disposé à explorer est extrêmement important. J'appelle cela la recherche honnête. La recherche honnête révèle l'habileté et l'enthousiasme de l'artiste sur le sujet, s'il est là. Il devrait y avoir suffisamment de vérité dans le tableau pour emporter la journée. »
L'étude en cours du sujet est cruciale pour son approche. "L'art n'est pas dans la technique ou les principes", explique Egeli. "C'est dans la compréhension - comprendre ce que vous voyez et voir en trois dimensions. Terminer un portrait ou une peinture est une tâche monumentale. En passant par les étapes finales, je trouve que cela se compare à l'accouchement. Il n'y a pas d'autre choix que de le finir, et il y aura de la douleur. Mais le résultat est des plus satisfaisants. La peinture a acquis une vie propre. »

Janice F. Booth est une rédactrice indépendante qui réside au Maryland.

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