Dessin

Aquarelle: Elizabeth OReilly: un peintre à l'huile prend la figure à l'aquarelle

Aquarelle: Elizabeth OReilly: un peintre à l'huile prend la figure à l'aquarelle

Principalement peintre à l'huile, Elizabeth O'Reilly se fait un devoir de peindre la figure à l'aquarelle, où elle étend ses compétences en peinture pour résoudre de nouveaux types de problèmes.

par Lynne Moss Perricelli

Grande femme avec parapluie
2006, aquarelle, 16¼ x 12¼.
Avec la permission de George Billis
Galerie, New York, New York.

Bien qu’elle soit principalement connue pour ses paysages pétroliers, l’artiste néo-irlandaise Elizabeth O’Reilly a récemment commencé à peindre la figure vêtue à l’aquarelle, où son exploration de la composition et de la couleur prend des formes entièrement nouvelles. C'est intuitif, mais j'en suis toujours conscient - penser aux formes chaudes et fraîches, être conscient de la figure et du sol. " La chaleur de la chair contraste particulièrement avec les couleurs froides des vêtements du modèle, ce qui crée non seulement une opportunité de jeu, mais aussi un défi pour ses compétences. «Je suis attiré par un défi», déclare O’Reilly, «et l’élément temps des courtes poses est bon pour mon travail. Cela me rend moins gêné. »

Les cours d’aquarelle d’O’Reilly sur la nature morte et la figure à la National Academy School of Fine Arts de New York l’ont réintroduite dans le milieu. Reconnaissant la difficulté de peindre la figure - «tout problème de dessin sera évident», dit-elle, elle a décidé de l'explorer davantage. Bientôt, l'artiste a commencé à assister à des séances de peinture de figures aux studios Spring Street, où un mannequin vêtu pose le mercredi après-midi. «J'adore aller travailler à partir du modèle en costume», décrit l'artiste. «Le mannequin aura trois ou quatre costumes par jour, comme des vêtements de ville ou une tenue de marin. Parfois, comme dans la tenue de marin, le modèle porte du blanc, ce qui est parfait pour l'aquarelle. Je peins la forme négative et laisse le blanc du papier pour les vêtements. »

L’approche de l’artiste est centrée sur le dessin au pinceau. Elle travaille directement sur des blocs de papier pressé à chaud Arches de 140 livres, appréciant le mouvement de la peinture et se concentrant sur la forme, pas sur la ligne. «Je regarde toujours la disposition des formes - leur taille, les zones chaudes et fraîches - plutôt que de décrire la figure», explique-t-elle. Les séances n'offrent que des poses rapides de deux, cinq, 20 ou 40 minutes, donc l'artiste doit travailler rapidement. "C'est un défi avec l'aquarelle. Contrairement aux paysages pétroliers, où je peux continuer à travailler jusqu’à ce que j’aie raison, je dois établir les zones d’ombre à ce moment-là et conserver les zones claires », explique O’Reilly. Le processus nécessite de voir les ombres comme plus que des formes plates, et l'artiste suit ses propres conseils à ses élèves à cet égard, en examinant la variation de la valeur et de la température. «Je leur dis d'essayer de voir comment l'ombre peut passer du sombre au clair et du chaud au frais en même temps. Dans les zones autour du formulaire, les ombres sont toutes différentes. L'artiste doit voir toutes les variations. »

Homme au chapeau melon
2006, aquarelle, 16¼ x 12¼.
Avec l'aimable autorisation de la George Billis Gallery,
New York, New York.
Figure en robe orange
2006, aquarelle, 12¼ x 9¼.
Avec la permission de George Billis
Galerie, New York, New York.
Quatre marins
2006, aquarelle,
10 x 14. Collection privée.
Homme en T-shirt blanc
2006, aquarelle, 12¼ x 9¼.
Avec la permission de Dolan / Maxwell,
Philadelphie, Pennsylvanie.
Robe à motifs orange
2006, aquarelle, 16¼ x 12¼.
Avec la permission de George Billis
Galerie, New York, New York.
Cheveux roux
2006, aquarelle,
8 x 10. Avec l'aimable autorisation de George Billis
Galerie, New York, New York.
Mâle, Blanc
Short chemise

2006, aquarelle,
10 x 7.
Avec la permission de Dolan /
Maxwell,
Crême Philadelphia,
Pennsylvanie.

Quand O’Reilly a commencé à travailler avec la figurine, elle a utilisé du papier épais et rugueux. Plus tard, elle est passée à la pression à froid, qu'elle a utilisée pendant quelques années avant de se tourner vers la pression à chaud. «Cela revient à aimer le défi», dit-elle, se référant à sa préférence pour la surface lisse et lisse du papier pressé à chaud. "Il est plus difficile de contrôler la peinture." Pour la plupart des sessions, elle apporte des blocs d'aquarelle de différentes tailles et se déplace d'un tampon à l'autre pendant que les peintures sèchent. Pour les peintures, elle utilise une palette limitée similaire à celle qu'elle utilise pour les paysages: bleu céruléen, bleu cobalt, outremer français; auréoline, jaune de cadmium, jaune citron; rose garance véritable, rose permanente, rouge cadmium, cramoisi alizarine; terre de Sienne crue et terre de Sienne brûlée; Winsor vert et viridan. Elle n'apporte que deux pinceaux en martre kolinsky Raphäel n ° 12 à une session, un pour les échauffements et un pour les rafraîchissements.

Sa configuration est simple, avec une table inclinée par rapport au modèle et deux récipients d'eau (un pour l'eau propre et un pour le rinçage des brosses). À portée de main se trouvent ses tampons, deux brosses et deux palettes en plastique blanc bon marché. Elle se tient toujours en peignant la figure.

L’intuition règne dans le processus de création d’O’Reilly, bien que sa conscience constante de la forme et de la forme la guide dans la création de la composition la plus efficace. Son examen de la relation de la figure avec le sol signifie que ses compositions n'impliquent jamais la figure flottant sur la page. Souvent, le placement de la figure est tel qu’il s’étend au-delà du plan de l’image, créant le genre de formes négatives que O’Reilly trouve si attrayantes, en particulier dans le travail à l’aquarelle. "Je fais attention où je mets la tête quand je commence", décrit-elle, "et je fais attention à l'endroit où la figure sort de la page - l'abstraction de celle-ci, l'arrangement des formes. Si cela ne fonctionne pas, peu importe à quel point je peins quelque chose. Ce qui compte, c'est que les formes soient agréables. »

Femme et
Grand pôle

2006, aquarelle,
14¼ x 10¼. Avec la permission de Dolan / Maxwell,
Philadelphie, Pennsylvanie.

Comme dans son approche de la composition, l'artiste s'appuie sur son instinct pour mettre en place la structure de valeur. «J'ai fait beaucoup d'études de valeur en même temps, et maintenant ce processus est devenu une seconde nature», décrit-elle. "La peinture se fait presque." Plutôt que d'improviser ou d'approximer, elle établit très tôt les ténèbres et les lumières dans son esprit et les pose tout de suite. En travaillant directement de cette manière, l'artiste peut mieux préserver la transparence et la spontanéité de l'aquarelle, qui, selon elle, détient la beauté du médium. "Vous ne pouvez pas trop jouer avec l'aquarelle", ajoute-t-elle. "Il est facile de donner un aspect surchargé et boueux. J'essaie de ne pas retourner dans le tableau. Je fais attention à ce que je fais comme je le fais. »

Comme défi supplémentaire à ses compétences dans ce processus, elle incorpore souvent plus d'une figure dans une composition. À partir de quatre poses de deux minutes, l'une après l'autre, elle les assemble toutes sur une seule page, comme dans Quatre marins.«Le rectangle de la page est très important», explique-t-elle. "Je pense à la page en plaçant les chiffres. C’est la partie amusante et c’est vraiment un défi. Il n'y a pas un moment pour tergiverser. Nous, les artistes, avons tendance à trop réfléchir, mais j'aime ce sentiment que la peinture se fait. J'ai stocké les connaissances, et cela va de mon esprit à ma main, basé sur des années de peinture. »

O’Reilly conseille à ses élèves de ne pas avoir d’idées préconçues sur la peinture de la figure et de s’ouvrir à l’endroit où le processus les mène. "Les gens disent qu'ils n'aiment pas les poses longues, ou qu'ils n'aiment pas les poses courtes, mais les connaissances d'un transfert à l'autre." Elle leur dit également de ne pas être trop autocritique, car tout processus d'apprentissage est inconfortable. «Vous devez vous laisser mal à l’aise de temps en temps, car c’est ainsi que vous grandissez. Si vous vous trouvez avec une certaine facilité, vous devez vous pousser dans cette zone inconfortable. "

Cow-boy
2006, aquarelle,
10 x 7. Collection privée.

Dans sa propre pratique, l'artiste se concentre sur la compréhension de la nature du médium plutôt que sur la maîtrise technique. Pour elle, le mouvement et la transparence de l'aquarelle n'ont pas besoin d'être si étroitement contrôlés. «Être obsédé par la technique est un piège», souligne-t-elle. «D'autres choses sont plus importantes, comme la couleur, la valeur et le mouvement. C'est ce qui fait fonctionner une peinture. » À cette fin, O’Reilly se montre prudente en matière de démonstration, cherchant à faire en sorte que ses élèves trouvent leur propre chemin en tant qu’artistes. «J'aime mettre les tableaux à la fin d'un cours et voir que chacun est différent. Chaque étudiant aborde le travail à sa manière et trouve des solutions uniques. Cela ne leur aide pas de peindre comme je peins. La peinture, c'est vraiment la résolution de problèmes. »

À propos de l'artiste
Né en Irlande, Elizabeth O’Reilly a étudié l'éducation et l'art à l'Université nationale d'Irlande avant de gagner son M.F.A. au Brooklyn College. Elle a participé à de nombreuses expositions de groupe et solo, plus récemment dans «American Artists in Rural Ireland, The Ballinglen Experience», à la Concord Art Association, à Concord, Massachusetts. Son travail se trouve dans des collections aussi importantes que le Département d'État, à Washington, DC et le Bureau des travaux publics, en Irlande. O'Reilly a enseigné dans plusieurs écoles et a dirigé des cours à la National Academy School of Fine Arts, à New York, depuis 2004. Elle est représentée par la George Billis Gallery, à New York, et Dolan / Maxwell, à Crême Philadelphia. Pour plus d’informations sur O’Reilly, visitez www.elizabethoreilly.com.

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