Dessin

Aquarelle: Gagnants du concours du 70e anniversaire

Aquarelle: Gagnants du concours du 70e anniversaire

Nous présentons les demi-finalistes dans la catégorie aquarelle.

par Karen Stanger Johnston

Après la récolte
par Gail M. Wheaton, 2003, aquarelle,
30 x 22. Collection
Evan et Patricia Harter.

Première place: Gail M. Wheaton

L'artiste de l'Arizona Gail M. «J'utilise de nombreux émaux de couleur pour obtenir une reproduction de la nature aussi proche que possible en utilisant l'observation sur place.» Elle commence par le glaçage de couleur le plus clair et laisse le blanc du papier pour les blancs. Son ciel et son arrière-plan sont peints en dernier.

«Parfois, lorsque je peins une zone particulière, je vois des objets et des couleurs sur la surface du papier blanc et je peins ce que je vois», explique Wheaton. "C’est comme une vision; c'est l'inspiration qui prend le dessus. C'est une capacité basée sur l'enseignement, les expériences de vie (y compris l'amour de la nature) et la vision intérieure. Je compare cela à suivre une feuille de route, puis la route se termine soudainement et vous devez continuer votre chemin en créant votre propre route. Le processus est une aventure merveilleuse, enrichissante et passionnante qui apporte un épanouissement total à ma vie. Si je peux donner à un spectateur un sentiment de joie et de paix, j'ai beaucoup accompli. »

Le travail de Wheaton a été présenté dans le numéro d'hiver 1997 de Aquarelle magazine, et une de ses peintures est apparue dans Splash 6 (North Light Books, Cincinnati, Ohio). Elle a exposé ses aquarelles à l'échelle nationale et internationale, remportant de nombreux prix.

Pour plus d'informations sur Wheaton, visitez son site Web à www.watercolorimages.com.

Deuxième place: June Pryor

Ruhl doré
par June Pryor, 1999,
aquarelle, 22 x 30.

"En choisissant un sujet, je recherche toujours des compositions passionnantes dans la nature ou des artefacts créés par l'homme", explique l'artiste du Connecticut, June Pryor. «Pour moi, ce qui rend une scène passionnante, c'est qu'elle a du piquant ou une palette de couleurs vibrantes. Bien que je sois réaliste, je recherche des qualités abstraites. » Pryor photographie des scènes qui l'intéressent et peint à partir des photos. Elle explique que sauver les blancs est «un must» pour elle car elle pense que montrer le papier est un élément important de l'aquarelle. «Je cherche toujours un design qui vous y attirera à distance et vous obligera à regarder de plus près les détails pour voir comment la peinture a été exécutée», explique l'artiste.

Pryor a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de la Southern Connecticut State University, à New Haven, et une maîtrise en beaux-arts de la Columbia University, à New York. Elle a étudié avec Edgar Whitney, Caesar Cirigliano, Walter DuBois Richards et Barbara Nechis, qui l'ont tous inspirée tout au long de sa vie de peintre. Les aquarelles de Pryor ont été acceptées dans des expositions avec jury organisées par la Maritime Gallery à Mystic Seaport, à Mystic, Connecticut; le Silvermine Guild Arts Center, à New Canaan, Connecticut; et le Salmagundi Arts Club, à New York, entre autres.

Pour plus d'informations sur Pryor, envoyez-lui un e-mail à [email protected].

Troisième place: Gordon France

Wrigley Rain-Out
par Gordon France, 2002,
aquarelle, 18 x 28.
Collection Larry Uitermarkt.

L'artiste de l'Illinois Gordon France a commencé à peindre à temps plein en 2000 après s'être retiré d'une carrière de 40 ans dans la publicité. Les matières préférées de la France sont le sport, les paysages urbains et la vie urbaine. Il réalise de plus petites peintures sur place alla prima et porte généralement un appareil photo numérique et un carnet de croquis pour capturer le matériel de référence pour les plus grandes peintures d'atelier, en particulier si des figures sont présentées. Pour ceux-ci, il commence souvent par quelques croquis en noir et blanc, assemble numériquement les images sur un ordinateur, puis les affiche sur un grand écran dans son studio. La France dit que cette méthode offre une meilleure couleur et profondeur qu'une photographie à plat.

"Après avoir composé le sujet, le défi est de capturer ce moment dans le temps, rapidement et sans trop de détails", explique l'artiste. «Ma technique d'aquarelle est assez traditionnelle, impliquant beaucoup de mouillé sur mouillé. L'aquarelle a son propre esprit, et l'habileté est de savoir où elle va et ce qu'elle va faire quand elle y arrivera. Mon objectif en peinture Wrigley Rain-Out était de décrire l'activité urbaine de Chicago dans une atmosphère humide et brumeuse. Bien que je peigne également à l'huile, l'aquarelle semblait le bon choix en raison de sa nature fluide et spontanée. Le médium fait lui-même une grande partie du travail. »

La France a étudié la peinture à la School of the Art Institute de Chicago. Il est représenté dans l'Illinois par la LaGrange Art League Gallery, à LaGrange, et la Peoria Art Guild Gallery, à Peoria; il est également représenté par la Phyllis Lucas Gallery, à New York.

Pour plus d'informations sur la France, visitez son site Web à www.gordonfrance.net, ou contactez la galerie Phyllis Lucas à wwww.phyllislucasgallery.com.

Plus de demi-finalistes

Don Harvie

Droits des squatters
par Don Harvie, 2007,
aquarelle, 30 x 38.

«Lorsque j'ai pris ma retraite il y a quinze ans, j'ai suivi un cours d'aquarelle et cela m'a englouti», explique l'artiste californien Don Harvie. Maintenant membre emblématique de cinq sociétés d'aquarelle, Harvie a commencé à participer à des expositions avec jury il y a quatre ans et note qu'il a récemment accepté une peinture dans le centième spectacle. Une de ses photos apparaîtra dans Splash 10 (North Light Books) l'année prochaine.

Harvie a découvert le sujet de Droits des squatters lors d'un voyage de peinture au Mexique avec Judy Morris, qu'il appelle son «gourou». L'artiste se souvient: «Je gravite vers la peinture des gens, et quand j'ai vu cet homme assis là, regardant fixement le monde, osant quiconque prendre n'importe quelle autre partie de ce banc, je savais juste que cela ferait une grande peinture.» Harvie a pris des notes et plusieurs photographies de la scène sous différents angles, créant la peinture dans son atelier à son retour à la maison.

Pour plus d'informations sur Harvie, envoyez-lui un e-mail à [email protected].

Paul Jackson

Libération
par Paul Jackson, 2005,
aquarelle, 40 x 26.

«Le pouvoir symbolique d'une colombe blanche, combiné à ses mouvements élégants, m'a obligé à acquérir une paire de colombes pour étudier et peindre», explique l'artiste du Missouri Paul Jackson. "En version, la colombe exprime une libération de la peur, de l'anxiété, de la douleur et du chagrin. La toile de fond complexe de cet événement est l'extérieur de la cathédrale Saint Patrick à New York. La création de cette scène à l'aquarelle transparente a nécessité une approche multicouche et du liquide de masquage pour protéger la colombe tout en peignant l'arrière-plan. »

Jackson a obtenu une maîtrise en beaux-arts en 1992 à l'Université du Missouri en Colombie. Ses peintures ont remporté les plus grands honneurs dans des compétitions nationales et internationales et sont apparues sur les couvertures de dizaines de magazines et de livres. Il est un membre emblématique de la National Watercolour Society et de l'American Watercolour Society, dont 2006 montre qu'une de ses peintures a remporté le prix Dong Kingman.

Pour plus d'informations sur Jackson, visitez son site Web à www.pauljackson.com, ou envoyez-lui un courriel à [protégé par courriel].

Penny Johnson

Chutes d'automne
par Penny Johnson, 2005,
aquarelle, 15 x 22.
Collection privée.

L'artiste de Caroline du Nord Penny Johnson vit dans les montagnes, où elle dit que l'inspiration est tout autour d'elle. Johnson a été particulièrement attiré par l'emplacement qui fait l'objet de cette peinture en raison de la façon dont le feuillage d'automne a conduit l'œil vers le bas de la cascade. «J'adore les lumières et les ténèbres d'un paysage», dit-elle.

Après avoir pris des photographies numériques pour référence, Johnson les imprime et fait un croquis de son image choisie. Elle commence une image de cascade en peignant négativement autour des formes d'eau avec une couleur transparente et propre. Elle peint ensuite les autres éléments en superposant la couleur pour obtenir les ténèbres qu'elle souhaite. Elle termine avec un travail de détail dans le point focal et un brossage à sec.

Johnson est un membre emblématique de la Watercolour Society of North Carolina et un membre exposant de la Georgia Watercolour Society.

Pour plus d'informations sur Johnson, visitez son site Web à www.brushstrokesbypenny.com.

Yimeng Ling

Vent d'automne
par Yimeng Ling, 2006,
aquarelle, 11 x 14.

Après avoir déménagé au New Jersey en provenance de Californie l'automne dernier, Yimeng Ling a été intrigué par la beauté naturelle de la côte est. «L'arbre laisse partout me surprend tous les jours», dit Ling. "Je resterais longtemps sous un arbre, à regarder la lumière du soleil traverser les feuilles et à les faire scintiller de différentes couleurs." Un après-midi ensoleillé et venteux, réalisant que les feuilles sur l'un des arbres qu'elle aimait regarder pourrait bientôt disparaître, elle a photographié leurs couleurs pâles mais belles et a créé cette peinture.

Ling travaille mouillé sur mouillé et trouve l'aquarelle excitante pour son imprévisibilité et sa spontanéité. "Mais ici, j'ai pris soin de contrôler les couleurs afin qu'elles se mélangent et coulent pour former les effets que je voulais", explique l'artiste. "J'ai essayé de varier les formes, les espaces, les couleurs, les lignes, les ténèbres et les lumières pour garder l'attention du spectateur et transmettre la sensation de l'automne." Ling est membre des aquarellistes du comté de Sonoma, de l’atelier des artistes de Sonoma, de la table ronde des artistes de Santa Rosa et de la Edison Arts Society.

Pour plus d'informations sur Ling, envoyez-lui un e-mail à [email protected].

Judy Metcalfe

Intime
par Judy Metcalfe, 2006,
aquarelle, 20 x 28.
Avec l'aimable autorisation de la Walsingham Gallery,
Newburyport, Massachusetts.

«Mon objectif est d'améliorer la réalité, de prendre un objet commun et, avec l'éclairage, la composition et la peinture, d'en faire quelque chose d'extraordinaire», explique Judy Metcalfe, artiste du Massachusetts. «Pour cette peinture, j'ai arrangé les plis de tissu de sorte que les incrustations de dentelle et les deux fortes ombres diagonales ajoutent du mouvement et dirigent l'œil du bord de la peinture vers chacune des deux roses. Un dernier pli de tissu en haut à gauche empêche l'œil de s'éloigner du bord. Pour garder l'arrière-plan épuré, j'ai laissé les feuilles et les tiges se fondre dans les ombres. De plus, j'ai utilisé une palette de couleurs limitée pour m'assurer que les roses ne seraient pas éclipsées par l'arrière-plan. »

Metcalfe masque les blancs lorsqu'elle peint pour que le blanc du papier devienne le blanc de la peinture finie. Elle utilise uniquement des aquarelles transparentes appliquées dans des glaçures minces afin que la lumière se reflète à la surface du papier et à travers le pigment, apportant une qualité lumineuse et réaliste à la peinture.

Metcalfe est membre de la New England Watercolour Society et de la North Shore Arts Association, dans le cadre desquelles ses peintures gagnent régulièrement des prix. Son travail est paru dans le numéro du printemps 2006 de Aquarelle magazine. Metcalfe est représentée par la Walsingham Gallery, à Newburyport, Massachusetts.

Pour plus d'informations sur Metcalfe, visitez son site Web à www.judymetcalfe.com, ou contactez The Walsingham Gallery à www.thewalsinghamgallery.com.

Robert C. Steinmetz

Blue Barrel
par Robert C. Steinmetz,
1996, aquarelle et
acrylique, 13 x 13.
Collection privée.

Contrairement à de nombreux aquarellistes, Robert C. Steinmetz adopte une approche lente et systématique de la peinture. «La plupart des gens considèrent l'aquarelle comme une performance de peinture rapide et virtuose, généralement en plein air», explique Steinmetz. "Mon processus est plus ou moins le contraire." Il photographie d'abord des sujets potentiels, souvent à l'aide d'un zoom pour obtenir une vue partielle rapprochée. Il projette ensuite l'image choisie sur du papier aquarelle pressé à chaud et développe une sous-couche acrylique à trois valeurs. Ensuite, il applique des aquarelles, travaillant du clair au foncé et de gauche à droite, et mélangeant la plupart de ses couleurs sur le papier mouillé à mouillé. Préférant une couleur saturée et vibrante, Steinmetz utilise souvent de nombreux émaux pour augmenter la luminosité du pigment. Bien qu'il soit un peintre réaliste, il dit qu'il peint généralement les couleurs et les valeurs qu'il voit sur la photographie au lieu de celles trouvées dans le monde naturel.

Steinmetz travaille le plus souvent sur des séries de peintures ayant un thème ou un sujet commun, tels que des sujets architecturaux historiques, des embarcations de travail et des sujets maritimes connexes. Il trouve généralement son sujet là où il vit ou voyage. Ancien architecte en exercice qui partage son temps entre le Maine et la Caroline du Sud, Steinmetz est représenté par Elan Fine Arts, à Rockport, dans le Maine. Son travail est apparu dans de nombreuses expositions de groupe en solo et avec jury, a remporté des prix et fait partie de collections d'entreprises et privées aux Bermudes et aux États-Unis.

Pour les demandes de renseignements sur les ventes, visitez le site Web de la galerie Steinmetz à www.elanfinearts.com; pour d'autres informations, envoyez un e-mail à l'artiste à [email protected].

Thomas Valenti

5e avenue et 14e rue
par Thomas Valenti,
1996, aquarelle, 43 x 36.

L'éducation de l'artiste new-yorkais Thomas Valenti à New York a profondément influencé sa façon de voir le monde et sa peinture. «Je suis chez moi dans n'importe quel environnement urbain», explique Valenti. «Il y a quelque chose de spécial dans la façon dont la lumière joue sur les surfaces du béton, de la pierre, de l'acier et du toit noir. Les ombres qui semblent venir de nulle part créent les motifs de conception les plus intéressants. La vue de cette peinture est du haut du bâtiment Parsons The New School for Design à New York. La perspective inhabituelle crée une image très différente et provocante. »

Valenti travaille à partir de photographies. Une fois qu'il a choisi la scène qu'il veut peindre, il dit qu'il étudie attentivement la photo afin de «graver» le sujet dans son esprit. Il fait ensuite un croquis sur du papier à dessin ou un tableau d'illustration, prenant des mesures, comparant des proportions, parfois à l'aide d'une grille. Ensuite, il transfère l'esquisse sur papier aquarelle (ou sur toile s'il travaille à l'huile). En utilisant ce qu'il a «la technique tonale», Valenti peint d'abord tous les éléments d'ombre dans des tons chauds et froids de tons moyens. Il peint ensuite les ténèbres les plus sombres avant d'appliquer la couleur, des lavages larges aux détails fins.

Valenti est président d'Allied Artists of America, membre honoraire du Salmagundi Club et membre de plusieurs autres organisations artistiques. En plus d'enseigner à la Ridgewood Community School à Ridgewood, New Jersey, il donne des démonstrations et des ateliers et sert de juré pour les grands concours d'art. Ses peintures sont largement exposées et ont remporté de nombreux prix.

Pour plus d'informations sur Valenti, visitez le site Web de l'artiste à www.thomasvalenti.com, ou envoyez-lui un e-mail à [email protected].

Artiste américain tient à remercier les commanditaires suivants d'avoir fait de notre concours du 70e anniversaire un succès:

Matériaux d'art Blick
Crayon général
Encadrement des beaux-arts Hartford
Artarama de Jerry
Papier de la Légion
Metroshed
Savoir Faire
SourceTek
Utrecht


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