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Peinture à l'huile: Utilisation de gris subtils dans la peinture de nature morte

Peinture à l'huile: Utilisation de gris subtils dans la peinture de nature morte

Deux maîtres de la nature morte ont beaucoup à nous apprendre sur le développement de nos peintures.

par Joseph Gyurcsak

Bleu Ocre Gris
2007, huile, 12 x 16.
Collection de l'artiste.

L'artiste italien Giorgio Morandi (1890–1964) et le peintre français Paul Cézanne (1839–1906) sont deux des maîtres les plus admirés de la nature morte. Ils sont vénérés parce que les artistes peuvent apprendre beaucoup en étudiant leurs peintures et en essayant de comprendre comment ils ont traité une sélection d'objets communs, une composition de formes interdépendantes, la manipulation subtile de couleurs harmonieuses et un arrangement de lumière unifié.

Je veux discuter de certains éléments clés dans la création d'une peinture à l'huile nature morte en fournissant une démonstration étape par étape basée sur ma compréhension de Morandi et Cézanne. Que vous soyez un peintre débutant ou avancé, cette démo vous aidera à améliorer votre approche de la nature morte.

Mon tableau Gris subtils est une nature morte créée en deux heures selon une technique alla prima (peinture en une seule séance). La peinture à l'huile s'est inspirée des compositions, des sujets et des couleurs de Morandi, qui a travaillé avec des objets similaires et une palette limitée pour créer certaines des plus belles peintures de natures mortes jamais réalisées. Ses peintures sont des rappels utiles de la richesse d'un sujet de nature morte si l'on comprend et embrasse le genre. Ce qui semble au début simpliste devient complexe à mesure que l'on émule l'utilisation subtile de Morandi de la couleur en sourdine et du pinceau visible.

Gris subtils a été soigneusement modélisé afin de ne pas perdre la spontanéité impliquée par les marques de pinceau. Plus de détails n'améliorent pas nécessairement une peinture. En fait, une édition soigneuse a souvent plus d'impact qu'une élaboration excessive. Il est important pour un artiste d’observer et de modifier constamment au fur et à mesure que sa peinture prend forme.
Les couleurs que j'ai utilisées pour créer ce tableau étaient le jaune de Naples, l'ocre jaune, la lumière rouge cadmium, la terre de Sienne brûlée, le bleu outremer et le blanc de titane. Mon choix de palette était limité, ce qui a aidé à établir l'harmonie des couleurs. J'ai tonifié ma toile avec un léger lavage de terre de Sienne brûlée à l'avance (établissant une imprimatura), et j'ai laissé la surface sécher complètement pendant quelques semaines avant de commencer la nature morte. J'ai dilué la couleur de l'huile de terre de Sienne brûlée avec une petite quantité de médium à glacer alkyde Utrecht pour m'assurer que la couleur ne retrouverait pas ses propriétés humides une fois le processus de peinture commencé.

L'une des principales façons d'obtenir d'excellents mélanges de gris n'est pas de prendre le raccourci pour utiliser des noirs ou des gris prémélangés mais plutôt d'utiliser diverses combinaisons de couleurs. Par exemple, lorsque je voulais un gris-vert pour ma démonstration, j'ai combiné du bleu outremer et de l'ocre jaune et ajouté de l'alizarine cramoisi permanent pour approfondir et assourdir la couleur à la température de couleur approximative et à la valeur dont j'avais besoin. Je mélange toujours la couleur secondaire, puis j'ajoute un complément de valeur et de température opposées. Le résultat de cette méthode est toujours un gris riche qui a plus de profondeur. Cézanne et Morandi ont utilisé les gris d'une manière exquise en faisant de merveilleuses transitions entre les couleurs pures et les lumières et les ténèbres.

Nature morte aux fruits avec tapisserie
2000, huile, 20 x 24.
Collection de l'artiste.

Sélection d'un sujet
Nous avons tous des tendances, des habitudes ou des préférences. À la fin de la journée, la seule chose vraiment importante est que nous peignons ce qui nous passionne. Nos peintures sont plus susceptibles d'avoir ce «facteur X» personnel lorsque nous peignons avec passion.

Cela étant dit, je suggère que vous envisagiez de sortir de votre zone de confort de temps en temps pour acquérir une compréhension plus large de vous-même et du processus créatif dans lequel vous êtes engagé. Par exemple, si vous essayez de peindre une nature morte, travaillez à partir d'un arrangement d'objets que vous ne regrouperiez pas normalement. Une autre idée serait de visiter un magasin d'antiquités et de découvrir de vieux pots, casseroles, bouteilles et autres ustensiles de cuisine qui pourraient vous permettre de raconter une histoire à travers leur apparence usée. Enfin, sélectionnez les objets simplement en raison de leur forme, de leur couleur, de leur texture ou de leur taille et arrangez-les de manière à contraster leur apparence.

Dans le cas de ma démonstration, je me suis concentré sur des bouteilles très anciennes et décolorées, un bougeoir, un pilon et quelques blocs de bois que j'ai disposés sur une table de modelage. J'ai délibérément sélectionné des pièces qui manquaient de couleur forte parce que je voulais me mettre au défi de me plonger dans la subtilité des relations chromatiques plutôt que dans un contraste évident entre des surfaces très différentes.

Composer une nature morte
Une fois que vous avez sélectionné les éléments qui vous intéressent, placez-les à un endroit où vous pouvez les voir sous différentes hauteurs et sous différents angles, à partir d'une vue plongeante au-dessus, d'un point de vue direct ou d'une vue basse à œil de ver. Cela vous aidera à déterminer le meilleur point de vue à partir duquel le spectateur verra le sujet. Si vous n'êtes pas sûr du point de vue à partir duquel peindre les objets, faites des croquis de vignettes ou parcourez les pages d'un livre sur la nature morte pour voir ce que d'autres artistes ont fait. Considérez comment leurs compositions suggèrent un ordre équilibré, un mouvement anticipé, un désarroi troublant ou une incertitude mystérieuse.

Lorsque vous verrouillez finalement une composition, elle peut présenter une image très complexe ou assez simple. Vous verrez rapidement que ce processus décisionnel est une étape essentielle dans la création d'un tableau. Prenez votre temps, absorbez le sujet, soyez avec lui, laissez-le vous parler, faites confiance à votre intuition et vous saurez quand il aura raison.

Pour cette démonstration, j'ai arrangé une composition au niveau des yeux afin que les variations ne viennent pas des relations spatiales mais des différences de couleur, de hauteur et de forme.

L'importance de l'éclairage
Une fois que vous avez une disposition des objets et un point de vue établi, il est temps d’allumer la lumière. Il peut traverser une fenêtre ensoleillée sous forme d'un fort flux de lumière chaud ou avec une exposition orientée au nord sous forme de lumière fraîche et uniforme créant des bords plus doux avec des tons bleu-gris. Les lampes à incandescence peuvent éclairer des objets avec un fort éclairage directionnel, créant des bords durs et peuvent accentuer des zones de lumière qui pourraient être définies avec précision.

Pot de moutarde et bouteilles brunes
2007, huile, 12 x 16.
Collection de l'artiste.

Les artistes recommandent souvent la lumière du nord pour un atelier de peinture car c'est une lueur constante de lumière froide qui crée des ombres chaudes. Ils trouvent cela préférable à un modèle changeant de soleil chaud et d'ombres fraîches. Aucune situation d'éclairage unique n'est bonne ou mauvaise. Chacun est différent et établit des relations variables entre l'intensité et la température des couleurs. La lumière du nord a tendance à rester stable, permettant à un sujet d'être peint sur une longue période sans que la lumière ne change au cours d'une journée normale. La lumière naturelle offre la possibilité de travailler avec la lumière chaude et dorée disponible au début et à la fin de la journée; la lumière directe du soleil à midi; ou le dessin silhouette de formes sombres contre la lumière qui est tombée sous l'horizon en fin d'après-midi.

Si vous n'aimez pas l'idée de faire face à des motifs imprévisibles de lumière naturelle, ou si votre emploi du temps ne laisse que le temps de peindre la nuit, l'éclairage artificiel peut vous offrir un nombre illimité d'heures pour peindre un sujet. Certains artistes considèrent les lampes à incandescence comme un inconvénient car elles sont chaudes et éliminent la plupart de la fraîcheur d'un sujet.

Un fait important à propos de l'éclairage de votre sujet avec une valeur inférieure à 5500 Kelvin (une évaluation de la couleur de l'ampoule qui assimile le mieux la lumière naturelle) est que la lumière artificielle apparaîtra chaude. Certaines ampoules sur le marché offrent un meilleur équilibre de lumière pour vous aider à obtenir des couleurs plus froides dans votre peinture. Par exemple, de nombreux artistes utilisent des ampoules à incandescence à spectre complet Chromalux montées dans une lampe d’artiste professionnelle Daylight ou une lampe combinée.

L'éclairage est le composant unique qui vous permet de créer des couleurs vives ou ternes, des ombres, des reflets ou des tons plats sur votre sujet. Il s'agit d'une décision clé pour créer une atmosphère autour de votre sujet. Beaucoup de grandes peintures de nature morte utilisent l'éclairage comme thème principal. Par exemple, si vous arrangez des objets de sorte que certains d'entre eux soient éclairés par une forte lumière et que quelques autres soient dans l'obscurité, vous créerez un grand drame et une grande profondeur dans votre peinture. Quelle que soit la façon dont vous avez choisi d'éclairer votre sujet, n'oubliez pas que vous disposez d'un formidable outil pour influencer l'effet global de l'apparence de votre sujet et de la façon dont les téléspectateurs sont susceptibles d'y répondre. Cézanne le savait bien, et il passait parfois quelques semaines à mettre en place ses arrangements de nature morte pour qu'il ait juste le bon éclairage et l'environnement.

J'ai utilisé une lampe combinée lors de la création du tableau Subtle Greys. Mon horaire de travail ne me permet pas toujours de peindre dans des conditions d'éclairage naturel, j'ai donc mis en place cette peinture nature morte dans mon atelier tard dans la nuit en utilisant des ampoules équilibrées ou des lampes fluorescentes qui ont la même température de couleur que la lumière naturelle.
La décision de diriger la lumière sur les objets a été guidée par une peinture Morandi généralement éclairée dans un éclairage de type plus plat qui ne projetait pas de grandes ombres. La peinture d'une lumière plus plate est certainement beaucoup plus difficile à enregistrer car elle repose davantage sur des changements de couleur tonale que sur des ombres projetées, des tons moyens distincts et des reflets nets. Cela nécessite également qu'un peintre soit plus sensible à l'observation des variations de température.

Mélange de couleurs dans une gamme limitée
Il arrive souvent qu'une harmonie d'une couleur domine une nature morte, tandis que deux ou trois autres jouent un rôle de soutien dans le drame. Si vous n'êtes pas sûr de ce que devrait être cette harmonie, placez une feuille de papier blanc sur une surface plane dans les zones générales du sujet, puis placez un petit objet blanc sur ce papier afin qu'il vous révèle immédiatement quelle est la couleur la température de vos ombres projetées doit être en termes de chaleur ou de fraîcheur. La zone éclairée sera automatiquement à la température opposée. Avoir ces informations vous aidera à mélanger les couleurs plus précisément en termes de température de couleur correcte de vos ombres, des tons moyens et des zones claires.

Nature morte dans la suite
2006, huile, 8 x 10.
Collection de l'artiste.

Par exemple, si le ton général de votre sujet est baigné d'une lumière chaude, vous pouvez avoir des combinaisons de couleurs telles que des jaunes, des rouges et des oranges dans les zones de tons clairs et moyens. Les zones d'ombre comprendront des combinaisons de bleus, de violettes et de verts frais.

Afin de réaliser une harmonie de couleurs, il aide à établir des mélanges de couleurs en utilisant une palette limitée de quatre à six couleurs de tube plutôt qu'un large assortiment d'une douzaine ou plus. Il est également recommandé d'utiliser le blanc avec parcimonie pour éviter d'affaiblir le chroma d'une couleur. Il est plus avantageux d'augmenter la valeur d'une couleur en y mélangeant des couleurs plus claires, comme le jaune de Naples clair ou le jaune de cadmium citron au lieu des blancs. Je recommande d'utiliser de petites quantités de blanc afin de maintenir l'intensité des couleurs. De même, je suggère de neutraliser les mélanges de couleurs en ajoutant l’équivalent complémentaire d’un pigment. Plus vous vous familiariserez avec les propriétés uniques d'une couleur, plus vous aurez de succès avec le mélange de couleurs, car vous gagnerez en contrôle, en cohérence et en harmonie des couleurs.

La photographie de ma palette montre clairement comment mes couleurs ont été arrangées et prémélangées. J'ai établi de gros tas de couleurs et me suis concentré sur le mélange de toutes les taches de couleur principales que j'ai observées chez le sujet. Utiliser moins de couleurs dans la peinture ne signifie pas nécessairement utiliser moins de volume. John Singer Sargent et Joaquín Sorolla y Bastida ont appliqué de grandes quantités de couleur à l'huile pour rendre leurs coups de pinceau assez apparents. Les artistes qui ont vu Sorolla au travail ont déclaré qu'il avait pressé des tubes entiers de couleur sur sa palette avant de commencer ses démonstrations.

La valeur, la couleur et la forme engendrent la forme
Une fois que les artistes apprennent à voir les gros points de couleur et non les détails, ils se concentrent sur la relation de valeur, la température de couleur et la forme. Lorsqu'ils enlèvent des notions objectives sur l'identité du sujet, ils sont libres de créer avec une formidable expression. Et lorsque leur dessin est précis et que leurs couleurs sont bien mélangées, un manque de détails n’enlève rien au sujet reconnaissable qui émerge et se lit comme sujet de la peinture.

Cézanne avait la capacité de jongler avec les lignes et les formes avec la juste attention aux deux. Il est rare qu'un artiste commande un tel équilibre car la plupart des peintres privilégient l'un ou l'autre. Les volumes de ses formes peintes étaient parfois larges, des tons plats et, à d'autres moments, passés de la lumière à l'ombre. Les qualités de ligne sont des couleurs calculées avec de forts mouvements directionnels qui vibrent contre les formes de masse. Il s'est appuyé sur ces lignes pour maintenir le contour de l'objet afin que ses tons cassés orchestrés ou ses tons ouverts de couleur puissent conserver leur fraîcheur.

Savoir quand s'arrêter
Dans mes cours de peinture, je conseille souvent aux élèves de s'arrêter, de poser leurs pinceaux, de s'éloigner de leur peinture et d'évaluer leur expérience créative. Ils doivent évaluer ce qu'ils ont déjà exprimé, puis déterminer comment aller plus loin - ou s'arrêter pendant qu'ils sont en avance.

Spectacle itinérant
2006, huile, 11 x 14.
Collection de l'artiste.

Je tiens à faire une pause toutes les 20 à 30 minutes pour revoir mon travail à distance. Il est toujours surprenant de voir à quoi les choses ressemblent de quelques pas en arrière, et cela aide à voir une peinture en développement sous un angle différent, ou à la ranger pendant quelques jours et à la regarder avec une nouvelle vision. La peinture est plus qu'un processus d'application de couleurs à l'huile sur toile. C’est celui où les pensées et les sentiments sont exprimés. Au fur et à mesure que ceux-ci deviennent évidents dans l'image, les artistes doivent se garder de les surestimer ou de travailler la toile jusqu'à ce que l'image devienne rigide et inexpressive.

À propos de l'artiste
Joseph Gyurcsak a étudié l'art à Parsons The New School for Design et à la School of Visual Arts, tous deux à New York. Il a commencé sa carrière professionnelle à la fin des années 1980 en tant qu'illustrateur indépendant travaillant pour des clients publicitaires et éditeurs. Il est actuellement artiste résident / directeur de marque à Utrecht Art Supply, dans le New Jersey, et enseigne et donne des conférences à travers le pays au nom de la société. L'artiste est représenté par la Bucks Gallery of Fine Art, à Newtown, en Pennsylvanie, et la Gallery RoCa, à Havre DeGrace, Maryland. Pour plus d'informations sur Gyurcsak, visitez son site Web à www.josephgyurcsak.com.

Voir la vidéo: Painting the Portrait (Septembre 2020).