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Peinture à l'huile: Cecilia Beauxs Legacy

Peinture à l'huile: Cecilia Beauxs Legacy

Une exposition à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, à Philadelphie, a pour but de présenter Cecilia Beaux pour le grand peintre qu'elle était: l'un des plus accomplis parmi les hommes et les femmes.

par Lynne Moss Perricelli

À première vue, Cecilia Beaux (1855–1942) semble être une femme typique de son époque dans la mesure où ses relations familiales ont largement orienté le cours de sa vie. Cependant, un regard sur la vie de Beaux montre qu'au lieu d'adopter les rôles conventionnels d'épouse et de mère, l'artiste s'est concentré sur le développement d'une carrière et est devenu l'un des principaux portraitistes de la société de l'époque. Mais, comme le soutient la conservatrice Sylvia Yount dans le catalogue qui accompagne l'exposition «Cecilia Beaux: American Figure-Painter», elle n'a jamais été simplement une portraitiste de société. «L'intérêt de Beaux pour explorer la frontière entre le portrait et la peinture de figures, à une époque où ce dernier genre était largement considéré comme le mode prééminent de l'art américain, sous-tend sa réputation critique. Beaux est passé des préoccupations spécifiques et personnelles du portrait à ce qui a été largement interprété comme la qualité générale et universelle de la peinture figurative, capturant les tensions et les transitions culturelles qui résonnent aujourd'hui.

L'exposition itinérante, qui est présentée à son dernier lieu à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, à Philadelphie, du 2 février au 13 avril, examine la carrière de l'artiste depuis près de 40 ans avec plus de 85 œuvres, dont beaucoup n'ont jamais été vu publiquement. Alors que le spectacle illumine, les membres de la famille et les amis de Beaux ont constitué la majorité de son sujet, et dans ces images, elle a exploré la représentation du caractère d'un individu, ainsi que la complexité des relations familiales. Ces objectifs esthétiques, combinés à ses compétences en peinture, lui ont permis de rivaliser dès le début de sa carrière dans l'arène plus large - avec les hommes - pour obtenir un statut dans les milieux artistiques. Ses réalisations ont été largement reconnues au cours de sa vie, mais ont été largement oubliées jusqu’à environ 40 ans après sa mort, lorsque le mouvement de libération des femmes a ravivé l’intérêt pour sa carrière.

Malgré son succès en tant que peintre, Beaux avait une éducation formelle relativement limitée en art, étudiant à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts et en privé avec William Sartain (1843-1924), dont elle préféra de beaucoup l'approche plus clinique adoptée par Thomas. Eakins à l'académie. Sartain l'a aidée à devenir compétente dans la peinture de la figure de la vie, conduisant à l'achèvement de la peinture qui a effectivement lancé sa carrière artistique: Les Derniers Jours d’Enfance. Représentant sa sœur, Etta, et son neveu, Henry Sandwith Drinker, la peinture va bien au-delà du portrait pour faire, comme le décrit Yount, «une déclaration universelle sur une étape particulière de l'enfance et les changements complexes qui l'accompagnent. Beaux elle-même considérait l'arrangement intime de quatre mains au centre de la composition comme le nœud symbolique du tableau. »

En créant la peinture, Beaux a d'abord fait une petite étude de composition à l'huile. Elle a ensuite créé le décor dans son atelier en organisant des objets de famille, des meubles et des vêtements pour transmettre le sentiment personnel qu'elle désirait. Les critiques ont fait l'éloge de la pièce lors de sa présentation en 1885 à l'exposition de l'American Art Association Prize Fund et plus tard à l'exposition annuelle de la Pennsylvania Academy en 1885, où elle a remporté le prix Mary Smith. La presse a également salué le tableau, et il a tellement impressionné un ami de Beaux qu'elle l'a envoyé à Paris avec l'ami pour le Salon de 1887. Il a été accepté et suspendu, ce qui a incité l'artiste à se former dans les ateliers de Paris peu de temps après, une ambition à vie qu'elle a finalement réalisée à l'âge de 33 ans.

Le succès de Les Derniers Jours d’Enfance conduit à de nombreuses commissions importantes de l'élite de Philadelphie, dont deux des églises locales. Son portrait du révérend William Henry Furness - qui était ministre à la First Unitarian Church de Philadelphie et un chef de file de l'intelligentsia de Philadelphie - a été grandement admiré et a aidé Beaux à accéder à un cercle progressiste. Ses portraits d'hommes à cette époque ont été suivis de commandes de portraits d'autres membres de la famille, y compris certains des portraits d'enfants pour lesquels elle est devenue si connue.

Un de ses portraits d'enfants les plus remarquables, Harold et Mildred Colton, est son premier double portrait, un thème que son rival Mary Cassatt a également exploré à cette époque. Dans la pièce de Beaux, les enfants Colton apparaissent comme des individus sûrs d'eux, avec une confiance bien au-delà de leurs années. Fait intéressant, comme l'explique Yount, la présentation est à la fois traditionnelle et innovante. Le garçon tient un fouet, symbole de la masculinité, tandis que la fille tient une pomme, un signifiant du monde féminin de la nature, mais les expressions matures sur les visages des enfants révèlent leurs caractères distinctifs. Comme les portraits d'enfants de John Singer Sargent, cette représentation suggère la vie intérieure des enfants avec un manque de sentimentalité tout à fait moderne.

Une petite fille (Fanny Travis Cochran) véhicule un effet similaire, avec une complexité émotionnelle qui présage de l’avenir du sujet en tant que militant social militant. De plus, la façon dont Beaux manipule les vêtements de la fille rappelle la série de filles en robe blanche de James Abbott McNeill Whistler, bien que Beaux ait clairement choisi de mettre l'accent sur les dimensions psychologiques de son sujet. Dans Ernesta (enfant avec infirmière), Beaux a également représenté une fille dans une robe blanche mais dans cette pièce, elle a choisi une composition plus audacieuse. Des croquis à l'huile et au graphite l'ont aidée à explorer le placement des personnages, et comme Degas, elle a recadré les personnages dans un format non conventionnel et a utilisé un pinceau fluide, évoquant un sens de la vie et du mouvement. Beaux a écrit que dans ce tableau, elle espérait transmettre une seule vérité: «qu'un enfant de cet âge est habituellement conduit par la main».

Comme le fait remarquer Yount, Cecil Kent Drinker, un portrait du neveu de Beaux, confirme l'observation de la critique Leila Mechlin, qui a écrit que les portraits d'enfants de l'artiste capturent «précisément le bon environnement pour souligner leur individualité inhérente [aux modèles], donnant à chacun une dignité simple qui est l'insigne de l'innocence et l'élevage. " Les conventions du Vieux Maître qu'elle a employées ici sont notables, en particulier le costume de l'enfant et son effet miniaturisant, mettant en évidence les qualités diminutives et l'innocence de la gardienne. «Dans le cas du franc Cecil, cependant, le charme de l'œuvre découle de la tension entre sa tenue apparemment adulte (en particulier la canne) et son individualité de quatre ans», écrit Yount.

Beaux était intimement impliquée dans la famille de sa sœur, mais elle-même était sans enfant, ce qui rend ses peintures remarquables de mères et de leurs enfants encore plus intrigantes. Mère et fille montre une proximité inhabituelle entre les sujets, tout comme Mme Stedman Buttrick et Son John, qui a été commandé pour marquer la mort d'une mère lors de l'accouchement et correspond aux sentiments d'amour de Les Derniers Jours d’Enfance. Étant donné que la mère de Beaux est décédée peu de temps après sa naissance et que son père était également absent, l'artiste a probablement trouvé ces thèmes parent-enfant difficiles, ou du moins émotionnellement chargés. Bien qu'ils soient souvent comparés à des images similaires de Mary Cassatt, les portraits de Beaux sont radicalement différents dans leur emphase sur les identités distinctes des modèles, même lorsqu'ils sont liés émotionnellement ou compositionnellement. Comme Nina Auerbach, co-auteur du catalogue de l'exposition, écrit:Les Derniers Jours d’Enfance crée un monde unique à Cecilia Beaux. C'est courtois, pas terrible, mais aussi pas gentil. Ses habitants se méfient trop les uns des autres pour être accueillants. Ni bienveillant ni cruel, il ne contient ni union ni abus; l'amour s'exprime dans la séparation, pas dans le mélange. »

Le rêveur, dépeignant l’amie de Beaux, Caroline Kilby Smith, est devenue la favorite des critiques, qui ont salué le sujet comme une fille américaine par excellence. Admis au Salon de Paris de 1896, le tableau voyage avec cinq autres: Ernesta (enfant avec infirmière), New England Woman, Sita et Sarita, Cynthia Sherwood et le révérend Matthew Blackburne Grier. Accrochées les unes aux autres et à hauteur des yeux, les toiles ont été très appréciées et ont valu à Beaux l'adhésion à la Société nationale des beaux-arts. Parmi les artistes français qui l'admiraient, le sculpteur Paul Bion (1845-1897) écrivit à son ami Augustus Saint-Gaudens qu'il considérait les contributions de Beaux comme un changement bienvenu par rapport à la banalité des autres portraits américains. «Elle nous montre une partie de l'Amérique libre de toute hâte, retraitée et tranquille; et nous nous reposons content et méditatifs dans l'atmosphère créée par son admirable talent », écrit-il. Saint-Gaudens a ensuite partagé la lettre avec Beaux comme un moyen de transmettre sa propre appréciation de son travail «dans une langue infiniment meilleure que la mienne».

Une période d'expérimentation du pastel au début des années 1890 a aidé Beaux à explorer une utilisation plus audacieuse de la couleur et à confirmer sa conviction que les portraits devraient être «des compositions et des arrangements de couleurs». Dans Sita et Sarita elle s'est mise au défi de représenter les couleurs en blanc, en utilisant les accents chatoyants d'une palette impressionniste. Bien que, comme d’autres portraits de Beaux, Sita et Sarita rappelle les images blanches de Whistler, Beaux n’a utilisé que le concept de Whistler comme point de départ, inventant sa propre idée de la meilleure façon de représenter la gardienne, à la fois visuellement et émotionnellement. À cette époque, elle a ouvert un studio sur Washington Square, à New York, où elle serait située plus au centre pour les commandes qui lui viennent de toute la côte est. Malgré sa résidence à New York, elle entretient des relations étroites avec sa ville natale de Philadelphie, et surtout avec la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, où elle enseigne jusqu'en 1915.

Au fur et à mesure que sa carrière progressait, Beaux est devenue plus sélective dans ses matières, se concentrant sur les suffragettes, les éducateurs et divers mondains éclairés. «Dans ces œuvres, Beaux a exprimé des idées de parenté féminine en termes visuels, faisant des déclarations à travers l'art plutôt que de porter des étiquettes politiques», écrit Yount. Elle a ainsi exprimé son respect pour les femmes engagées dans les problèmes actuels. Eliza S. Turner est un bel exemple.

Beaux a cessé de peindre au milieu des années 1920 après s'être fracturé la hanche et sa vue a diminué à la suite de cataractes. En guise de preuve de sa réputation internationale, les Offices lui ont demandé en 1924 de soumettre un autoportrait, un honneur accordé à seulement trois autres Américains: William Merritt Chase, Frank Duveneck et John Singer Sargent. À cette époque, elle a été élue à l'Institut national des arts et des lettres et à l'Académie américaine des arts et des lettres, en plus de recevoir la médaille Chi Omega et la médaille d'or de l'Institut national des arts et des lettres. Dans tous ces honneurs et récompenses, elle a été continuellement félicitée parmi les meilleures femmes peintres, et comme l'explique Yount, «c'est… son professionnalisme et sa personnalité plus que ses talents considérables qui semblaient assurer (et donc finalement obscurcir) son héritage . " En effet, il semblait que Beaux était si aimé de ses sujets et de ses collègues que tout le monde était impatient de lui accorder la reconnaissance qu'elle méritait tant. Peut-être qu'avec cette exposition, son travail se tiendra à ses propres conditions, ce qui est sans aucun doute ce que Beaux a toujours voulu.

Un ancien rédacteur en chef de
Artiste américain, Lynne Moss Perricelli est rédactrice et éditrice indépendante dans le New Jersey.



Cecilia Beaux: Peintre de figures américaines

La Pennsylvania Academy of the Fine Arts, à Philadelphie, accueillera le lieu final de l'exposition du 2 février au 13 avril. Un catalogue d'exposition entièrement illustré, qui était la principale ressource de cet article, accompagne le spectacle. Pour plus d'informations sur l'exposition ou le catalogue, visitez www.pafa.org.

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