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Huile pour débutants: déterminer le point focal d'une peinture

Huile pour débutants: déterminer le point focal d'une peinture

Décider où placer les éléments dans une peinture peut être difficile, mais les décisions sont cruciales pour créer une pièce réussie.

par Naomi Ekperigin

Décider où placer les éléments dans une peinture peut être difficile, mais les décisions sont cruciales pour créer une pièce réussie. Bien qu'il n'y ait pas une seule bonne façon de procéder, il existe des dispositifs spécifiques que l'on peut utiliser pour attirer l'œil du spectateur sur un point d'intérêt, ainsi que pour créer l'illusion d'objets, de personnes et de lieux existant dans un espace tangible. Ici, nous énumérons certains des outils à la disposition d'un artiste qui aideront à influencer et à diriger le spectateur.

Un proportionneur, un viseur,
et anglefinder développé par
instruction de l'artiste Brian Bomeisler
pour ses étudiants débutants.

De nombreux peintres débutants ont tendance à consacrer leur énergie au dessin et à la peinture d'objets avec précision et ont du mal à créer une composition forte. "Il est facile de se laisser submerger par toutes les possibilités que l'on découvre dans le paysage", explique l'artiste-instructeur James Sulkowski, qui enseigne des ateliers en plein air pour aider les élèves à surmonter la peur de la prise de décision. Certains artistes-instructeurs suggèrent d'utiliser un viseur, que de nombreux artistes utilisent lorsqu'ils sont confrontés à une grande scène. On peut acheter un viseur dans n'importe quel magasin de fournitures d'art, ou en faire un simple en carton. Quel que soit le matériau, il sert le même objectif: un viseur permet à un artiste d'isoler les éléments clés d'une scène, ainsi que de visualiser plusieurs compositions avant d'en commettre une sur papier. Face à une grande scène, il est utile de poser plusieurs questions. Pourquoi est-ce que je veux peindre cette scène? Qu'est-ce qui m'a d'abord attiré? Quel contenu est nécessaire pour attirer le spectateur et lui faire ressentir ce que je ressens? Au fur et à mesure que l'on répond à ces questions, il devient clair qu'une scène donnée n'est pas gravée dans le marbre, même si le sujet est une chaîne de montagnes. Un artiste peut modifier la scène en fonction des émotions ou du message qu'il cherche à partager avec le spectateur. Un paysage ou une nature morte est destiné à susciter l'imagination et à exciter les sens; ce doit être une image qui ne demande qu'à être peinte ou dessinée. Si une certaine zone ou image n'est pas attrayante, changez de lieu ou choisissez des sujets alternatifs. Ou, on pourrait recadrer une scène étroitement et se concentrer sur des détails infimes qui passent souvent inaperçus dans une grande scène.

Sulkowski recommande aux élèves de déterminer le point focal avant d'appliquer le pinceau sur la toile. «Peu importe les circonstances, un artiste doit identifier le point focal de sa peinture, puis structurer le processus de peinture afin que le spectateur comprenne immédiatement le centre d'intérêt. Lorsque vous peignez en plein air, il est très important de garder cette concentration à l'esprit afin que le temps et l'énergie ne soient pas gaspillés à élaborer des zones de la toile qui sont d'une importance secondaire. " Il en va de même pour la peinture d'une nature morte.

L'artiste-instructeur de Nashville, Gayle Levée, fait passer des heures à ses étudiants dans l'organisation d'éléments pour créer la meilleure composition. Elle conseille qu’ils ont initialement assemblé plus d’objets qu’ils ne pensent en avoir besoin, puis qu’ils en choisissent un comme point focal. «Placez d'abord cet objet, puis placez les pièces de support autour de lui», suggère-t-elle. Lors de la peinture d'une nature morte, Levée commence par le point focal et effectue des mesures sur la toile proportionnelles au centre d'intérêt.

Reflets en or
par Gayle Levée, 2007, huile, 16 x 20.
Collection Karl T. Dennis.

Dans sa peinture Reflets en or, Levée utilise la règle des tiers pour attirer l'œil du spectateur sur le vase et le fruit (vue une démonstration de la pièce). Il s'agit de l'un des nombreux appareils qui peuvent attirer l'attention du spectateur sur un centre d'intérêt. Cette règle, employée dans la peinture et la photographie, est censée donner une composition plus esthétique. Il conseille aux artistes de diviser une toile en trois sections à la fois horizontalement et verticalement, et de placer le centre d'intérêt à un point d'intersection, ou dans le tiers supérieur ou inférieur du cadre. Ce faisant, le point focal est retiré du «point mort» de la toile et l'œil du spectateur est dirigé à travers tout l'espace. Cela peut être vu dans la peinture de Joseph Wright of Derby Une expérience sur un oiseau dans une pompe à air, dans lequel il place les figures dans les tiers supérieur et inférieur, ainsi que dans les tiers gauche et droit de la toile.

Derby utilise également la lumière pour créer des zones de contraste élevé, qui attirent naturellement l'œil. Il crée une seule source de lumière, qui émane du centre mais n'éclaire pas toutes les figures de manière égale. Les yeux du spectateur sont naturellement attirés par les personnages les plus brillamment éclairés et ceux qui sont dans l'ombre regardent dans la même direction, ce qui recentre l'attention du spectateur. Alors que la jeune femme à gauche regarde vers le bord de la toile son compagnon, son regard vers elle empêche l’œil du spectateur de s’éloigner de la toile. Le vieil homme à gauche du centre regarde vers l'extérieur, ce qui crée l'illusion d'un espace beaucoup plus grand et peut-être de participants invisibles. La lune dans le coin supérieur droit offre une source de lumière supplémentaire et crée un ton inquiétant qui crée une ambiance pour le spectateur. Ce n'est en aucun cas l'élément le plus important de la pièce, mais il est vital pour l'émotion qu'elle évoque, et en tant que tel, Derby attire le regard du spectateur en le rendant brillant par rapport aux nuages ​​sombres qui l'entourent et à l'ombre intérieur il illumine.

Avenue lOpera
par Camille Pissarro, 1898, huile.
Collection privée.

De nombreux peintres paysagistes utilisent des lignes directrices pour diriger le regard du spectateur. Cela se voit souvent sous la forme de lacs, de rivières, de ruisseaux, de clôtures et de routes. Dans ces cas, l'illusion de l'espace tridimensionnel est créée par l'utilisation de la perspective. Au fur et à mesure que les objets disparaissent, ils deviennent naturellement plus étroits et le spectateur suit le chemin créé à mesure que la profondeur augmente. Par exemple, dans Camille Pissarro Avenue l’Opera: soleil du matin, l'œil du spectateur se situe au-dessus du niveau du sol et imprègne la scène. Cependant, nous sommes attirés dans la distance par le chemin qui s'éloigne. Notre regard est en outre repris par les grands bâtiments de chaque côté qui suivent le chemin de la route. Nous voyons également la règle des tiers à l'œuvre, car le ciel occupe le tiers supérieur du cadre et les fontaines sont des deux côtés. Cela laisse l'espace le plus vide du centre, bien qu'il soit clairement occupé - à la fois par les passants et par le spectateur, qui regarde dans cette direction.

En créant des zones de contraste net et de lumière vive, ainsi qu'en positionnant les points d'intérêt de manière asymétrique, l'artiste peut diriger subtilement et puissamment le regard du spectateur. Une fois qu'un point focal est établi, la détermination des émotions ou du message qu'il évoque aidera à décider lequel des outils susmentionnés racontera le plus efficacement une histoire visuelle claire et évocatrice.

Naomi Ekperigin est l'assistante éditoriale de Artiste américain.


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