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Peinture à l'huile: Patrick Gordon: accueillir les défis en milieu de carrière

Peinture à l'huile: Patrick Gordon: accueillir les défis en milieu de carrière

Après une carrière réussie de 20 ans en tant qu'aquarelliste à Tulsa, Patrick Gordon a déménagé à New York pour créer de grandes peintures à l'huile multi-panneaux de fleurs. "Je peins toujours des choses que j'aime qui représentent mes pensées et mes expériences, mais les images sont complètement nouvelles."

par M. Stephen Doherty

La table de studio
2007, huile, 60 x 48 (diptyque).
Toutes les illustrations de cet article
avec la permission de la galerie Fischbach,
New York, New York.

En repensant aux articles de magazines, aux livres et aux catalogues d'expositions des années 1980 qui faisaient état de l'attitude changeante envers l'aquarelle, on trouve des peintures de 40 x 60 d'objets de nature morte, d'intérieurs, de figures et de paysages d'artistes tels que Sondra Freckelton, Carolyn Brady, John Stuart Ingle, Janet Fish et une artiste de l'Oklahoma d'une vingtaine d'années nommée PS Gordon. Ce jeune homme montait des expositions de galeries et de musées de ses natures mortes réalistes à grande échelle qui incorporaient des meubles anciens, des objets anciens, du papier peint à motifs, du tissu chatoyant et des portraits exigeants.

En novembre dernier, le Patrick Gordon a fait sensation dans le monde de l'art new-yorkais avec une exposition intitulée «Patrick Gordon: la vérité et la beauté» à la Fischbach Gallery, à New York. Le spectacle comprenait plus d'une douzaine de peintures à l'huile mesurant de 36 x 36 à 76 x 48. Plusieurs des peintures étaient en fait trois ou quatre toiles distinctes boulonnées ensemble ou suspendues avec quelques pouces d'espace entre elles. Dans chaque image, les images composées symétriquement présentaient un bouquet de fleurs dans un vase posé sur une table et sur un fond de tissus à motifs luxuriants, de moulures et d'objets réfléchissants; ou le vase est isolé dans un espace non spécifique. Chacune des peintures a été créée sur une période de deux ou trois mois à partir des propres photographies de Gordon, agrandies jusqu'à 131/2 x 19 sur une imprimante Canon I-990.

Mille orchidées
2006, huile, 72 x 60 (triptyque).

L'essai de John Arthur inclus dans le catalogue de 28 pages de l'exposition faisait allusion à un changement de vie majeur qui a amené Gordon dans un loft new-yorkais depuis son palais de Tulsa et l'a incité à utiliser son nom complet plutôt que ses initiales. Cependant, l'artiste préfère ne pas s'attarder sur ces changements déchirants. Au lieu de cela, il célèbre le fait qu'après avoir traversé cette période, il puisse profiter de la vie et de la peinture. «De nombreux artistes arrivent au milieu de leur carrière et décident de se réorienter», explique Gordon, «soit parce que c'est nécessaire, soit parce qu'il est juste temps de revitaliser l'œuvre et de la rendre plus pertinente pour la personne qu'elle est devenue.

«J'ai travaillé dans l'huile à différentes époques, mais j'ai décidé de me concentrer sur l'aquarelle lorsque j'ai obtenu mon diplôme d'école d'art», poursuit l'artiste. «C'était une période passionnante pour remettre en question la notion traditionnelle selon laquelle les aquarelles étaient de petits dessins décoratifs et teintés», explique Gordon. «Il y a quelques années, j'ai peint une série de grandes huiles figuratives et j'ai vraiment aimé la sensation et l'immédiateté du médium. Cette série était plutôt conflictuelle, et il était difficile de faire en sorte qu'elles soient exposées et vendues, alors j'ai décidé de revenir sur ce qui avait toujours été mon sujet préféré: les fleurs. Ils sont tellement parfaits à chaque étape de leur existence, qu'ils soient en fleurs ou commencent à se flétrir. Tant de grands artistes du passé ont montré que les représentations de fleurs peuvent représenter une vie belle et simplifiée; et comme c'était ce que je cherchais, il était logique pour moi de les peindre. »

Fleurs pour Lalla
2007, huile, 60 x 48.

Il y a des moments où l'artiste visitera la maison d'un ami ou dînera dans un restaurant de Manhattan et il verra un arrangement de fleurs qu'il se sent obligé de photographier et de peindre, mais la plupart du temps il achète des fleurs cultivées à Fisher Brothers Nursery, à New York, et les photographie dans son atelier sous lumière naturelle. «Je n'utilise jamais de projecteurs parce que je pense que les fleurs sont plus belles sous la lumière naturelle», explique-t-il. «C'est un peu un défi dans mon loft parce que les bâtiments voisins bloquent la majeure partie de la lumière directe du soleil, mais j'ai un excellent appareil photo numérique Canon EOS 10D qui prend des photos exceptionnelles, même sous une faible lumière. Ma vie est devenue tellement plus facile avec l'appareil photo numérique parce que je sais instantanément si j'ai ou non ce dont j'ai besoin, alors qu'avant j'ai dû attendre des jours pour que le film soit développé et imprimé avant de savoir si j'avais ou non les meilleures expositions. "

Comme indiqué précédemment, Gordon sélectionne les meilleures photographies et fait de grands tirages d'une ou deux images, puis il projette l'image sur une toile lisse et trace les contours des principales formes de l'image. «Je fais un dessin rapide et rugueux au graphite de l'image projetée sur toile, puis je scelle cela avec une couche de vernis», explique l'artiste. «Une fois le vernis sec, je peins l'image avec de fines applications de sépia, d'ocre jaune, de terre d'ombre brûlée ou de couleur d'huile de terre d'ombre. La seule exception concerne les zones qui doivent rester lumineuses, et dans ces cas, je laisse le blanc de la toile rester visible.

Théière cantonaise
Avec des tulipes rouges

2007, huile, 44 x 60 (diptyque).

«Je travaille généralement avec la toile à l'envers lorsque je développe chaque zone de la peinture», explique Gordon. «Ma mère, qui était artiste, m'a fait travailler à l'envers et j'ai continué à le faire parce qu'il est souvent préférable de voir les motifs abstraits plutôt que de penser à l'identité de ce que je peins. Je vais retourner les grandes toiles sur le chevalet pour pouvoir atteindre les zones que je veux peindre, mais la plupart du temps je ne me demande pas si je peins une feuille ou un pétale et je me concentre uniquement sur la couleur relative et valeur de ce que je peins. Les lampes halogènes sur le chevalet maintiennent la lumière constante tout au long du processus. »

Bien que Gordon soit absorbé par les motifs en développement sur une toile, il prend souvent du recul pour évaluer les images car elles révèlent progressivement les histoires qui l'ont motivé en premier lieu. «Il y a une allégorie sous-jacente ou une histoire autobiographique qui inspire chaque peinture», explique-t-il. «Celles-ci sont importantes car elles aident à déterminer ce qui doit ou ne doit pas être dans une image, et elles me gardent très motivé pendant les mois de travail nécessaires pour terminer chaque image. À bien des égards, les messages et le symbolisme sont la raison même pour laquelle je suis obligé de peindre les natures mortes. Si les téléspectateurs commencent à voir les liens entre les objets, c'est bien, mais il n'est vraiment pas essentiel qu'ils comprennent comment quelque chose symbolise un événement ou une personne dans ma vie. "

Deux pivoines avec carafe
2007, huile, 60 x 48.

Peut-être que l'histoire la plus évidente racontée dans le récent groupe de peintures exposées à New York est contenue dans la nature morte L'absence de rouge (autoportrait). Gordon révèle que les deux bouquets enveloppés représentent ses deux mariages, le verre d'eau fait référence à son long intérêt pour l'aquarelle, les reproductions de poissons indiquent divers amis et membres de la famille, l'eau renversée suggère les propres larmes de l'artiste et le tissu a été ajouté en reconnaissance du concessionnaire qui le lui a donné. «Tout dans le tableau est là pour une raison, et le ton presque monochromatique de l'image est également significatif, mais rien de tout cela n'a d'importance pour les personnes qui voient le tableau», explique Gordon. «J'avais juste besoin de tout pour être là pour créer la peinture.»

De manière amusante, Gordon utilise des casseroles carrées en aluminium comme palettes et les jette après avoir fini de travailler sur une peinture. «Je peins dans mon cadre de vie, j'essaie donc de minimiser l'utilisation de solvants», explique l'artiste. «Au lieu de gratter la peinture et de nettoyer une palette avec de l'essence minérale, je préfère simplement presser les peintures dans des casseroles carrées en aluminium que je jette lorsque les couleurs à l'huile deviennent sèches. Ces derniers mois, je me suis accroché à quelques-unes de ces casseroles en pensant que je pourrais être en mesure de faire quelque chose d'amusant avec elles, mais jusqu'à présent, rien ne m'est venu à l'esprit. "

Bona Fortuna
2007, huile, 60 x 36.

En plus de peindre des natures mortes de fleurs, Gordon dessine et peint des portraits commandés. "Je ne suis jamais allé à la recherche de ces commandes, mais les collectionneurs me demandent souvent de faire un dessin au graphite ou une peinture à l'huile d'un membre de la famille ou d'un associé", explique-t-il. «Je suppose que s’ils m’ont cherché, ils connaissent déjà mon travail et veulent que je crée un portrait conforme aux photos que j’ai réalisées. Je préfère ça parce que je ne veux peindre les gens que comme je les vois. "

L'engagement de l'artiste à enregistrer le monde et ses habitants tels qu'il les voit est élégamment résumé par John Arthur dans l'essai du catalogue. «L'acte de peindre reste au centre de sa vie, et il reste une obsession inébranlable. À la quarantaine, il réalise et embrasse ce fait plus clairement et sait maintenant avec beaucoup plus d'acuité qu'il faut toujours être seul en studio. »

L'absence de rouge (Autoportrait)
2007, huile, 60 x 48 (diptyque).

À propos de l'artiste

Patrick Gordon est né à Claremore, Oklahoma, et a obtenu un baccalauréat et une maîtrise de l'Université de Tulsa. Ses peintures ont été incluses dans des expositions de groupe et individuelles au Springfield Art Museum, au Missouri; le McNay Art Museum, au Texas; le Flint Institute of Arts, dans le Michigan; le musée d'art moderne de San Francisco; le Philbrook Museum of Art, dans l'Oklahoma; et Fischbach Gallery, à New York. Pour plus d'informations sur Gordon, visitez son site Web à www.psgordon.com.

M. Stephen Doherty est rédacteur en chef et éditeur de Artiste américain.

Voir la vidéo: Peinture à leau (Septembre 2020).