Dessin

Bases du dessin: Ingres Miraculous Lines

Bases du dessin: Ingres Miraculous Lines

Ce maître français nous apprend beaucoup sur les contours, le portrait et comment dessiner des gens.

par Mark G. Mitchell

Portrait de Charles-
François Mallet

1809, graphite, 10 9/16 x 8 5/16.
Collection The Art Institute
de Chicago, Chicago, Illinois.

Voilà donc à quoi ressemblait Paganini dans sa cravate et son manteau - aux cheveux bouclés, sereins et assurés, plus qu'un peu d'exhibition, berçant son violon et son archet avec son bras droit, les doigts confortablement articulés de sa main gauche soutenant le cou de l'arc.

C’est un petit dessin en graphite de moins de 12 pouces de haut. Il semble concerner autant l'instrument de musique en bois que le musicien virtuose du XIXe siècle qui le tient. Mais il s’agit aussi de ce manteau ample - sa texture épaisse et ses plis décisifs et la façon dont le matériau pèse sur la forme de l’homme. Il s’agit également des pouces et des doigts experts qui dépassent des poignets du manteau.

C’est le visage. Les joues décharnées et les yeux confiants en disent long sur ce concertiste à cordes qui était comme le Jimi Hendrix de la musique classique à son époque. Et en fin de compte, il s'agit du charme et de l'autorité du dessin total, qui est lui-même comme un morceau de musique bien composé - une comparaison appropriée, pas seulement à cause du sujet. L'artiste qui a dessiné l'image, Jean-Auguste-Dominique Ingres, a également joué du violon toute sa vie.

«Je me souviens avoir été fascinée par les photos d'Ingres à l'université», explique Mary Sullivan, artiste et illustratrice d'Austin, au Texas, qui dessine les puzzles «images cachées» et d'autres illustrations pour Faits saillants pour les enfants magazine. «Je ne sais pas pourquoi je l'aimais tant. Ça devait être que j'avais quelque chose au fond de moi que lui aussi avait. Je suis une telle personne, comme lui. Il y a tellement dans ses détails: le tissu, les plis des rideaux, vous pouvez même voir de quel type de matériau il s'agit. J’ai entendu que les historiens du textile étudient ses dessins et ses peintures pour en savoir plus sur les tissus de cette époque. Je veux que mes photos soient comme ça. Je veux qu'un enfant reste assis là pendant des heures et les regarde. »

Paganini
1819, graphite,
11¾ x 8?. Collection
le Louvre, Paris, France.

Les peintures d'Ingres sont un univers à part. Mais son dessin est ce que les gens se souviennent de lui. "Les personnages de ses portraits au crayon créés à partir de maelströms contrôlés, d'un ombrage éthéré et doux, de marques de dards vigoureuses et de lignes répétitives puissamment assurées et sinueuses semblent plus directement présents que les modèles, non seulement dans les dessins précédents mais aussi dans les dessins de n'importe quelle époque, »A écrit Sanford Schwartz dans La revue de New York des livres. Il écrivait sur une rétrospective populaire d'Ingres au Louvre au printemps dernier. «Ingres a rendu les modèles plus physiquement tangibles et psychologiquement présents qu'ils ne l'avaient peut-être jamais été dans la tradition du portrait», a écrit Schwartz. "Il a créé un caractère arrondi et entièrement autonome après l'autre ... résultant en un éventail de personnalités qui, d'une manière organique fluide, résument une époque entière."

Quelle époque c'était aussi. Jean-Auguste-Dominique Ingres est né dans la petite ville française de Montauban, dans le sud de la France, quelques années avant la chute de la monarchie bourbonienne aux guillotines. Son père travaillait dans les "arts appliqués": il était sculpteur, peintre, architecte, maçon en pierre et décorateur de maison qui a reconnu très tôt le talent précoce de son premier-né et a commencé à l'instruire dans tous les domaines du design. On a dit qu'Ingres pouvait dessiner avant de pouvoir marcher. «J'ai été élevé à la craie rouge», a déclaré Ingres. Il a appris en copiant les dessins de son père et une collection de gravures du travail d’autres artistes.

Feuille d'études sur les femmes
pour Le bain turc

Californie. 1830, plume, encre brune et
graphite sur deux feuilles jointes,
6¾ x 4¾. Collection
le Louvre, Paris, France.

Alors que la Révolution française fait rage, Ingres fréquente l'Académie royale de peinture et de sculpture, à Toulouse. Ici, il a été initié au travail du peintre de la Renaissance Raphaël, qui allait l'inspirer pour le reste de sa vie. Ingres a été guidé d'abord "par la merveilleuse conception fonctionnelle du corps humain idéal, et ensuite, par la conception picturale linéaire et spatiale que Raphaël a perfectionnée", a écrit l'historien de l'art Arthur Millier.

En 1797, à l'âge de 17 ans, Ingres arrive à Paris pour étudier dans l'atelier de Jacques-Louis David, le peintre en résidence néoclassique de la Révolution française et désormais «tsar de l'art» officiel de Napoléon. L'adolescent assidu d'une ville du sud du pays s'est rapidement démarqué dans l'atelier de David de près de 300 étudiants. L’École des beaux-arts de Paris l’a admis un an plus tard à Paris et, en 1801, Ingres a remporté la meilleure bourse d’art de France, le Prix de Rome. Cette réalisation singulière pour quelqu'un d'aussi jeune a soulevé les sourcils de tout le monde, y compris probablement ceux de son professeur, David.

Il faudra cinq ans avant qu'Ingres puisse se rendre à Rome pour étudier avec le prix national. Les guerres de Napoléon avaient vidé la trésorerie. En attendant, il a été chargé de peindre Portrait de Bonaparte, premier concile. Napoléon était fan; ce serait le premier de plusieurs rendus Napoléon qu'Ingres serait invité à faire.

Ingres a finalement atteint Rome et a pu se tenir devant son Raphaël bien-aimé en 1808. Il a vécu en Italie, qui était maintenant dirigée par les Français, pendant les 18 années suivantes. Il a étudié, dessiné et peint à Rome, Naples et Florence. Lorsque l'argent de la bourse a été épuisé, il s'est soutenu lui-même et sa femme avec des commissions de peinture sporadiques de l'État et des centaines de portraits en graphite qu'il a faits des touristes, des dignitaires du voyage et des riches émigrés qui l'ont cherché pour son étrange facilité pour capturer une ressemblance. Il aurait vendu ces croquis pour 40 francs chacun, son barbier faisant souvent office d'agent. Les petits portraits en graphite sont «de grandes œuvres d'art, capturant un miracle de traits de talent, de poses, de costumes, d'ambiance et de caractère», a écrit l'historien de l'art Stephen Longstreet. «Les gens sont réels. Ils respirent et existent solidement sur terre… ».

Études des jambes, des mains et du profil d'une tête pour le martyre de saint Symphorien par Ingres, dessin graphite ca. 1827-1834, graphite, 18 x 12.
Collection privée.

En 1824, Ingres retourne à Paris pour peindre de grands tableaux et enseigner dans son propre atelier. Plus de 100 élèves se sont réunis pour apprendre ses méthodes classiques rigoureuses. Finalement, de nouveaux types de peinture - y compris le naturalisme et le romantisme - ont commencé à éclipser les immenses «peintures d'histoire» allégoriques qui étaient travaillées par Ingres et bien d'autres. Les caricaturistes éditoriaux se moquaient d'Ingres pour son art et ses vues obstinément rétrogrades. La peau mince et réputée de l’artiste pour ses critiques et son rejet n’a fait que rendre la presse plus amusante. Ingres quitta donc Paris en colère en 1835. Il retourna en Italie pour prendre la direction de l'Académie française de Rome à la Villa Médicis. Il a rétabli les traditions classiques et de la Renaissance en mettant l'accent sur le dessin et a relancé l'école en difficulté. Ses étudiants et ses collègues l'adoraient.

En 1841, il revient à Paris, directement dans l'étreinte de la nouvelle cour française (les Bourbons sont de retour), ainsi que de la nouvelle classe moyenne puissante. Voici son nouveau marché pour les portraits et autres commandes. Il dessine et peint, enseigne et organise des dîners jusqu'en 1867, date à laquelle il attrape un rhume qui se transforme en pneumonie. Il est décédé à 87 ans, laissant une œuvre qui éblouit encore.

«Ses dessins se distinguent par leur confinement soigneux de la forme, des lignes parfaites et des nuances subtiles», explique Phillip Wade, peintre et professeur de peinture à la Art School du Austin Museum of Art, au Texas. "Je n'ai jamais vu quelqu'un qui pourrait faire des contours aussi bien que lui."

«Ingres était un technicien miraculeux», ajoute Frank Wright, peintre et professeur d'art à l'Université George Washington et au Corcoran College of Art and Design, tous deux à Washington, DC. «Il était l'un des dessinateurs les plus remarquablement assurés qui ait jamais vécu. Quand il a mis une ligne, il l'a fait avec une telle certitude. Comment a-t-il pu dessiner avec une telle autorité? C’est l’une des choses que vous ne pouvez pas enseigner sur Ingres, mais vous pouvez en être conscient. "

Étude pour le portrait de Madame d’Haussonville
Californie. 1842-1845, charbon de bois sur graphite
sur papier vélin blanc fin, 14? x 8?.
Collection du Musée d'art Fogg
à l'Université Harvard, Cambridge,
Massachusetts.

Ingres a fait près de deux douzaines
études similaires avant
exécution du portrait à l'huile.

"Je pense que le mot Talent entre en jeu ici », explique Wade, qui a examiné le travail et les matériaux de studio d'Ingres dans la ville natale d'Ingres à Montauban. "Ses courbes de niveau sont extraordinaires."

"Contour est la première appréhension d'un homme primitif qui grave une bête sauvage sur le mur de pierre de sa grotte", écrit Georges Wildenstein dans son livre Ingres: Les peintures de J.A.D. Ingres (Phaidon, Londres, Angleterre). «Ou de l'enfant qui dessine avant de venir distinguer les couleurs.

"Contour, qui est également la dernière référence visuelle de l'aveugle, est l'aspect le plus universellement compréhensible de l'objet: le contour dessiné est également la première méthode de reproduction", dit Wildenstein.

Contour était la grammaire et le code de l'art d'Ingres. «Nous parlons beaucoup en classe de la« ligne perdue et retrouvée », du« bord perdu et retrouvé »et de la« forme ouverte »par rapport à la« forme fermée »», explique Wade. «Botticelli et Ingres sont considérés comme des artistes de« forme fermée », ils enfermaient tout en ligne; tandis que Delacroix et Rembrandt sont des exemples de «forme ouverte» - leurs dessins explosent sur le bord des contours. Vous ne pouvez même pas trouver la ligne dans certains de leurs dessins. Avec Ingres, cependant, il s'agit vraiment de confiner la forme avec une ligne perdue et retrouvée. »

"Ingres dessine avec une ligne plus subtile et plus variée que n'importe lequel de ses contemporains", a écrit feu Agnes Mongan, qui a dirigé le Fogg Art Museum de l'Université Harvard, à Cambridge, Massachusetts, de 1969 à 1971 et a été un pionnier dans l'étude de dessins. «L'ombrage se fait parfois avec des hachures fines; parfois en lissant avec un moignon, et il y a une touche discrète occasionnelle de lavage. Mais ces types de modélisation sont réduits au minimum. La ligne est suprême », a-t-elle écrit. «Avec une ligne de graphite qui est constamment et finement ajustée - maintenant étroite, maintenant épaisse, en appuyant fermement ou plus rapidement - il définit les contours avec une gamme remarquable de modulations. La forme est surtout décrite par de tels étalonnages de contour ainsi que par la direction d'une ligne. »

«Il dessinait toujours avec une pointe pointue, parfois même dans une« pointe en forme de ciseau », ce qui lui permettait de faire varier l’épaisseur de la ligne et de passer de nette à large, comme en musique», écrit Avigdor Arikha dans J.A.D. Ingres: Cinquante dessins de vie du musée Ingres de Montauban, le catalogue d'une exposition au Museum of Fine Arts de Houston.

Portrait de Madame d’Haussonville
Californie. 1842–1845, graphite, 9 3/16 x 7¾.
Collection du Musée d'art Fogg
à l'Université Harvard, Cambridge,
Massachusetts.

À ce stade, Ingres avait
réglé sur la composition
et au carré le croquis
pour le transfert.

Ingres lui-même a employé des métaphores musicales pour décrire son processus à ses élèves. «Si je pouvais faire de vous tous des musiciens, vous en bénéficieriez ainsi en tant que peintres. Tout dans la nature est harmonie; un peu trop, ou bien trop peu, dérange l'échelle et fait une fausse note. Il faut enseigner le point de chanter vrai au crayon ou au pinceau tout autant qu'à la voix; la justesse des formes est comme la justesse des sons. »

«Il était excellent dans le geste, mais le contour lui tenait cette musicalité», explique Wright, qui en tant qu'étudiant diplômé travaillant sous la direction du musée Agnes Mongan a recherché et analysé les dessins d'Ingres dans la collection Grenville L. Winthrop du Fogg Art Museum. «Bien sûr, Ingres a empilé le pont en sa faveur en utilisant délibérément une lumière frontale. «Si vous avez de la lumière venant du côté, cela accentue l'effet sculptural. Mais l'éclairage frontal souligne les bords, la ligne arabesque avec laquelle Raphaël, le dieu d'Ingres, s'est tellement impliqué. Raphael a beaucoup fait avec les courbes de la forme, les bords de la forme. Raphael, Ingres et d'autres savaient quand interrompre la ligne, pour permettre à la lumière d'entrer, donc la ligne n'est pas continue. Ils la laissent briser pour montrer la saturation de la forme en lumière, ou sont plus audacieux de l'autre côté pour montrer que la forme est détournée de la lumière.

"Bien sûr, il a toujours mis l'accent sur ou mis l'accent sur l'apparence de la ligne", poursuit Wright. «Il utilisait parfois une ligne minimale et dessinait de petites niches pour donner l'illusion que la forme était riche. Il a fait des lignes brillantes. Il a souvent mis au défi son propre talent pour maintenir son dessin en vie. »

«J'aime sa façon de trouver les endroits sombres et les endroits lumineux - c'est tellement spirituel», dit Sullivan. "Lorsque vous voyez cette ligne disparaître, il se peut que la zone n'ait pas besoin d'être explorée davantage et que la couleur prenne le relais à la place. Les gens disent qu'Ingres suivait toujours les règles et était si formel. Mais je le trouve très intuitif et émotif. »

"Pour vraiment réussir un portrait, il faut d'abord s'imprégner du visage que l'on veut peindre, y réfléchir longuement, attentivement, de tous les côtés, et même y consacrer la première séance", Ingres a dit une fois. En effet, il avait un moyen de capturer la personnalité de base d'un modèle. Ingres pensait que sa précision provenait d'une observation attentive. Wright croit qu'Ingres avait un sentiment merveilleux, une sensibilité envers les gens. Mongan note: "Il capture même leur conscience de soi en posant."

Ingres était un tiroir compulsif, exhortant les élèves à dessiner avec leurs yeux lorsqu'ils ne pouvaient pas le faire avec un crayon. Pour ses portraits peints et muraux, Ingres réalise parfois des centaines de dessins préparatoires. Il semblait trouver cette étape du processus plus satisfaisante que de peindre les peintures murales, qu'il abandonnait parfois. "Les étapes étaient: étudier à partir de la vie, arracher la vérité à l'expérience, quadriller, agrandir, transporter sur toile, remonter, si nécessaire, au modèle pour tel ou tel détail", a écrit Arikha sur la méthode d'Ingres. "Demander au Comte de Pastoret ses gants ou remonter au bras gauche de Madame Moitessier, le dessiner grandeur nature pour le transposer directement sur la toile, y revenir encore et encore. C'est à ce moment qu'Ingres s'est enlisé. Il s'agissait d'une procédure trop élaborée, presque obsessionnelle, dont le but était de se rapprocher de la vérité. »

Il a posé des modèles (par opposition à ses sujets de portrait) nus, pour mieux comprendre la structure sous-jacente et ainsi obtenir les plis exactement à droite dans les vêtements ou les draperies tombant sur le corps. Il a passé neuf jours à peindre une main pour son célèbre portrait de Louise d’Haussonville. «Nous ne sommes parfois pas conscients que les gens formidables sont ceux qui sont prêts à consacrer plus de temps à une œuvre», explique Wright. "Alors que quelqu'un de moins grand le mettrait KO et serait satisfait et s'arrêterait, une personne comme Dürer ou Raphael ou Ingres apporterait en fait plus d'humilité à la tâche."

«Malgré le fait que tant de personnes pouvaient bien dessiner à ce moment-là, ses œuvres étaient plus vivantes et beaucoup plus agréables à regarder - spontanées et fraîches», explique Wade. «Pour Ingres, le dessin était contour, avec une couleur très simplifiée et une forme très simplifiée.»

Un concept qui n’a pas échappé à Degas, Matisse et Picasso. Les dessins d’Ingres ont donc influencé l’art moderne du XXe siècle, tout comme ils continuent de nous fasciner aujourd’hui.

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