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Aquarelle: Charles Reid: aquarelles naturelles et authentiques

Aquarelle: Charles Reid: aquarelles naturelles et authentiques

Réputé pour ses aquarelles de la figure, cet artiste rappelle aux autres de simplifier, de fusionner le sujet avec l'arrière-plan et de répondre de manière naturelle et authentique.

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Aquarelle: Quelle est votre formation dans votre art? Comment avez-vous acquis vos compétences en dessin et en peinture?

Big M
1998, aquarelle, 30 x 21.
Collection de l'artiste.

Charles Reid: Quand j'avais 16 ans, j'ai suivi le cours par correspondance de l'école des artistes célèbres et j'ai beaucoup appris des «critiques peintes». J'ai envoyé mon travail, puis j'ai fait des corrections en fonction de la critique que j'ai reçue. Ce fut une expérience formidable. J'ai également passé deux ans et demi intensifs dans la classe de Frank Reilly à l'Art Students League de New York. C'était très formel et académique, et c'était la seule classe académique de la ligue à l'époque, au début des années 1960, parce que c'était une forte période expressionniste abstraite. Nous avons tiré de la figure tous les matins et peint l'après-midi ou vice versa. Nous avons travaillé avec des valeurs et pas beaucoup avec la couleur. Plus tard, j'ai enseigné à la Famous Artists School pendant 10 ans. Tout ce temps passé à peindre et à dessiner m'a vraiment aidé.

W: Vous êtes particulièrement connu pour vos peintures figuratives. Qu'est-ce qui vous attire dans ce sujet?

CR: Ma première formation était dans la peinture de figures. Capturer la personnalité et le geste d'un mannequin me fascine.

W:
Comment décidez-vous d'une pose?

Chaise longue, Baccaro, Nouvelle-Écosse
2005, aquarelle, 24 x 20.
Collection privée.

CR: Le modèle prend une pose naturelle et confortable, et je l'ajuste si nécessaire pour le rendre agréable.

W:
Quelle est votre approche générale pour peindre la figure à l'aquarelle?

CR:
Je crois au dessin de contour et je relie toujours la figure à l'arrière-plan. Le dessin est essentiel pour la figure à l'aquarelle. Les gens peuvent s'en tirer avec un mauvais dessin avec un travail audacieux et gratuit, mais le dessin doit être adapté à la figure et aux portraits. J'ai commencé à dessiner des contours à la fin des années 1970 et 1980, alors que je voyageais beaucoup. J'ai attiré des gens dans les aéroports et j'ai découvert que dessiner sur place est le moyen le plus simple d'apprendre à dessiner la figure. Ce n'est pas un dessin de contour dans le sens traditionnel de ne pas regarder le dessin, mais regarder et dessiner sur place est très utile. J'ai eu beaucoup de succès en classe avec des gens qui apprennent la figure de cette façon.

J'ai appris à peindre à l'huile, en allant du milieu des ténèbres aux lumières, et je peins à l'aquarelle de la même manière, plutôt que de commencer la lumière et de devenir sombre. Je n'ai jamais eu de cours d'aquarelle à part une brève introduction au médium, donc j'ai essentiellement appris par moi-même. Je n'utilise pas de vitrage et je travaille directement. Parfois, j'applique un lavage clair pour les tons de peau, puis je pose au milieu des valeurs sombres et travaille sur les valeurs plus claires, adoucissant les bords au fur et à mesure. J'ajoute toujours au moins les mid-darks dès le début. J'utilise la même palette de couleurs à l'huile et à l'aquarelle, et je ne me suis jamais inquiété des pigments transparents ou opaques, puisque je ne glaçure pas.

Dave / Trinidad
2002, aquarelle, 24 x 17.
Collection de l'artiste.

W: Comment vous empêchez-vous de devenir trop détaillé et précis dans votre représentation de la figure?

CR:
La peinture, comme d'autres formes d'art comme le jazz, est un «événement». Plus vous en savez, mieux c'est. En d'autres termes, plus vous en savez, plus vous pouvez improviser. Vous devez savoir ce que vous faites, mais une fois que vous avez les compétences, vous pouvez le rattraper au fur et à mesure. Je ne prévois pas de photos en soi. Je commence juste à dessiner et à peindre. Je trouve que les petits croquis préliminaires ne fonctionnent pas. Ils ne se traduisent pas bien dans un format plus grand. Et c'est plus amusant de ne pas avoir de plan. J'essaie de prétendre que je ne sais pas peindre, donc l'expérience est nouvelle à chaque fois. Je ne veux pas que mes tableaux aient l'air trop pratiqués ou répétitifs. Je ne suis pas satisfait des erreurs, mais elles sont essentielles pour conserver une sensation de fraîcheur. Je veux peindre des choses vivantes. Je trouve que certains aquarellistes peuvent devenir si bons techniquement que le travail semble mort. J'ai peint si longtemps que je ne veux pas continuer à peindre les mêmes vieilles choses.

W: Comment trouvez-vous un équilibre entre contrôler le médium aquarelle et travailler de manière à tirer le meilleur parti de ses qualités inhérentes de spontanéité et de luminosité?

Trinidad Friend
2002, aquarelle, 15 x 18.
Collection privée.

CR: La peinture doit être constituée du bon rapport peinture / eau, et il est très important de savoir où avoir perdu et retrouvé les bords. Je travaille très lentement, ce qui peut surprendre car la plupart des gens pensent que je peins sans serrer. C’est une illusion. Chaque coup compte. Moins de coups avec plus de réflexion, c'est mieux. Quand je regarde mon sujet, si je plisse les yeux et que je perds un bord, je le perds immédiatement dans la peinture. Je perds également les bords dans les ombres ou celles qui reculent. Je garde les bords les plus durs, ceux à la lumière. Vous voulez une règle de moitié-moitié, où la moitié des limites sont perdues et la moitié est trouvée. Mais tout cela est fait avec soin et avec beaucoup de réflexion. Les gens pensent que je suis spontané, mais je ne le suis pas.

W:
Pourquoi l'aquarelle est-elle votre médium principal?

CR:
J'adore la peinture à l'huile et à l'aquarelle, mais je suis mieux connu comme aquarelliste. Dix de mes 11 livres portent sur l'aquarelle.

Arche naturelle, Bermudes
1990, aquarelle, 15 x 20.
Collection privée.

W: Quels sont selon vous les conseils les plus importants que vous offrez aux artistes que vous enseignez?

CR: Simplifiez, sachez ce que vous voulez dire, prenez du recul de temps en temps, et regardez votre photo à l'envers et voyez si cela fonctionne.

W:
Votre carrière d'enseignant comprend des ateliers et de nombreux manuels pédagogiques. Comment ces entreprises ont-elles profité à votre propre œuvre d'art et à votre vie d'artiste?

CR:
Ma femme et moi avons une vie très intéressante en voyageant dans des endroits merveilleux et en rencontrant des gens charmants. Je peins beaucoup sur les 15 ateliers que je fais chaque année et j'adore écrire les livres. C'est la résolution de problèmes: comment puis-je m'exprimer plus succinctement? Je ne pense pas que les livres aient affecté ma peinture, mais ils me montrent à quel point la brièveté est importante. La brièveté est importante dans l'écriture et dans la peinture. Les deux se croisent et j'essaie de les garder aussi simples que possible.

Piège à skiff et à homard, Nouvelle-Écosse
1998, aquarelle,
15 x 20. Collection Judy Reid.

À propos de l'artiste
Charles Reid, de Westport, Connecticut, est l'auteur de 11 livres pédagogiques sur la peinture, dont Peindre ce que vous voulez voir, la façon naturelle de peindre (à la fois Watson-Guptill Publications, New York, New York), et plus récemment, Solutions d'aquarelle de Charles Reid: Apprenez à résoudre les problèmes de peinture les plus courants (North Light Books, Cincinnati, Ohio). Parmi les nombreuses récompenses décernées pour son travail, citons le Childe Hassam Purchase Prize de l'American Academy of Arts and Letters et le First Altman Prize pour la figure de la National Academy of Design. Son travail est largement collectionné et se trouve dans des collections telles que Smith College, le Yellowstone Art Center et la Century Association. Il a terminé des missions d'illustration pour Harper's et L.L. Bean. Reid est représenté par la Munson Gallery, à Chatham, Massachusetts et la Stremmel Gallery, à Reno, Nevada.

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