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Aquarelle: Jane Paul Angelhart: une approche pratique et créative des portraits commandés

Aquarelle: Jane Paul Angelhart: une approche pratique et créative des portraits commandés

Ayant réalisé plus de 400 portraits d'enfants à l'aquarelle, Jane Paul Angelhart sait comment éviter les problèmes potentiels avec les peintures boueuses, les poses inhabituelles, les enfants nerveux et les mères autoritaires.

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par M. Stephen Doherty

Ballerines
1998, aquarelle,
30 x 22. Collection
l'artiste.

«Je préviens d'autres artistes que bien que peindre des portraits d'enfants à l'aquarelle puisse être une entreprise très rentable, cela peut aussi être une entreprise difficile, en particulier pour un peintre qui veut vraiment poursuivre son propre programme», explique Jane Paul Angelhart. «Pour la plupart des clients, la commission représente un engagement financier majeur et les implique dans un processus peu familier. Ils ne savent pas trop à quoi s’attendre, et ils sont habitués à voir leurs enfants sur des instantanés ou des photos de l’école - aucun d’entre eux ne représentant vraiment la personnalité qu’un artiste voudra saisir dans une peinture. En conséquence, les peintres doivent consacrer beaucoup de temps à aider les clients à comprendre comment le processus fonctionne le mieux et pourquoi ce n'est peut-être pas ce qu'ils attendent.

«Je n’ai trouvé personne pour m’apprendre à naviguer dans les eaux dangereuses des portraits commandés. Il m'a donc fallu un certain temps pour comprendre à la fois les aspects techniques de l’aquarelle et le côté professionnel du travail avec les clients payants», se souvient Angelhart. «J'ai expérimenté pendant des années pour trouver une palette de pigments produisant des tons chair lumineux et réalistes. Quand j'ai commencé à peindre à l'aquarelle, l'ensemble standard que l'on pouvait acheter avait les bases (noir, blanc chinois, ocre jaune, terre de Sienne brûlée, terre d'ombre brûlée, viridian, bleu outremer, jaune de cadmium et rouge de cadmium). Ces pigments conviennent à la peinture à l'huile, mais ils n'étaient pas suffisamment transparents et vibrants pour mes peintures d'enfants à l'aquarelle. J'ai également évalué pourquoi certaines commissions étaient plus difficiles à réaliser que d'autres, donc je ne répéterais pas mes erreurs. Finalement, j'ai compris comment maintenir une carrière rentable et satisfaisante, puis j'ai commencé à enseigner à d'autres artistes afin de les empêcher de vivre les mêmes difficultés. »

Betty Jean
1990, aquarelle,
22 x 18. Collection
l'artiste.

Angelhart couvre tous les aspects du portrait dans ses cours, ateliers et sur son nouveau DVD, mais l'élément le plus critique est la sélection des couleurs des tubes et la séquence de l'application sur papier aquarelle. «Après avoir soigneusement cartographié les caractéristiques de l’enfant, je passe directement à ce que j’appelle les« couleurs du cirque », explique-t-elle. «Ces pigments comprennent des couleurs et des verts purs de quinacridone — des couleurs vives et vives que je atténuerai plus tard lorsque j'appliquerai des lavages ultérieurs. Il est facile d'atténuer une couleur, mais difficile de rendre une couleur terne plus vivante à l'aquarelle. Les couleurs vives ajoutent de la profondeur et de l'intérêt à la peinture, brillent à travers les couches et créent de la complexité. J'évite d'utiliser des bleus et des violets dans les premiers stades, car ceux-ci peuvent embrouiller les couleurs et donner à la peau un aspect meurtri ou fatigué.

Afin d'atteindre ce stade d'application de lavis de «couleurs de cirque», Angelhart passe par un processus de prise de centaines de photographies numériques de son sujet, de sélection du meilleur de ces instantanés, de développement d'un dessin à grande échelle, de transfert des lignes importantes de la dessiner et disposer sa palette. Chaque étape est importante pour saisir le sens de la véritable personnalité de l’enfant ainsi que sa ressemblance. «J'ai appris de toutes mes années à faire des portraits que je dois maîtriser la situation du début à la fin afin de créer une peinture qui me satisfasse, moi et le client», explique-t-elle. "Tout le monde peut faire une copie exacte d'une photographie, mais il faut beaucoup de planification et de contrôle minutieux pour développer une aquarelle qui capture vraiment la personnalité d'un enfant."

Danseur
1998, aquarelle,
15 x 11. Collection
l'artiste.

Un aspect important de l'établissement du contrôle est d'avoir une conversation avec un client pour clarifier les paramètres de la commission. «De manière générale, mes clients sont des familles de la classe moyenne, pas de grandes sociétés ou des héritières riches, donc le coût d'un portrait représente une somme d'argent importante pour eux», explique Angelhart. «Ils ont tendance à s'inquiéter de s'engager dans les dépenses sans savoir s'ils aimeront vraiment la peinture finie, alors je les mets à l'aise et me donne la latitude nécessaire en leur disant que j'utiliserai leur enfant comme sujet d'une peinture, et s'ils veulent acheter le tableau, c'est super; mais s'ils ne veulent pas l'acheter, je le garderai pour mon portfolio. En fin de compte, 99% d'entre eux achèteront le portrait, mais en leur donnant des options, je soulage leur anxiété et évite que les clients prennent le contrôle du processus. Je veux savoir quelle taille de peinture ils ont en tête, où ils ont l'intention de l'accrocher et s'ils ont déjà des portraits d'autres membres de la famille; mais je ne veux pas que la mère pose les enfants, regarde par-dessus mon épaule pendant que je prends des photos ou dis à l'enfant de sourire. Je précise que je veux être seul avec l'enfant afin qu'il puisse me connaître et savoir ce que je vais faire; et je leur ai fait savoir qu’ils ne verront rien tant que la peinture ne sera pas terminée. »

Angelhart se rend au domicile du client afin de pouvoir photographier des enfants dans un espace où ils sont détendus et confortables. Si le temps le permet, elle photographie les enfants dans leur jardin ou dans une aire de jeux. Si une pose en extérieur est impossible, l'artiste travaillera près d'une fenêtre de la maison, de préférence une chambre ou une aire de jeux où l'enfant est à l'aise. «Le but est de descendre au niveau des enfants - à la fois physiquement et mentalement - et de développer un sentiment de confiance et de confort qui leur permet de se détendre et d'être eux-mêmes», explique l'artiste. «J'essaie de les amener à me parler d'eux-mêmes - leurs endroits préférés, les activités qu'ils préfèrent, leurs animaux de compagnie, etc. et je réponds à toutes les questions qu'ils pourraient avoir sur mon intérêt à peindre leur portrait. "

Beth avec tuba
1998, aquarelle,
20 x 28. Collection privée.

Tout en rencontrant l'enfant tôt le matin ou en fin d'après-midi lorsque la lumière du soleil est chaude et basse dans le ciel, Angelhart prend des centaines de photographies à différents endroits, avec et sans accessoires, et sous différents angles (profil, trois quarts et visage entier) ). Dans la plupart des cas, Angelhart se tient à distance de l'enfant et utilise un objectif long pour que le garçon ou la fille soit moins gêné de regarder dans l'objectif, et ainsi les photographies résultantes seront plus précises avec moins de distorsion de l'objectif. "Bien que parfois les toutes premières photographies se révèlent être les meilleures, dans la plupart des cas, ce sont les derniers cadres qui capturent vraiment la véritable personnalité de l'enfant, car ceux-ci sont pris lorsque le garçon ou la fille a oublié l'appareil photo et est complètement détendu, »Explique l'artiste. "À ce moment-là, ils ne sont pas inquiets de la pose ou de leur posture, de leur expression ou de leurs gestes."

Bien qu'Angelhart permette aux enfants de trouver leur position la plus naturelle, elle essaie de les faire poser afin qu'ils n'aient pas un large sourire à pleines dents sur leur visage. Elle veille également à ce que la lumière du soleil ne traverse pas leurs visages et ne projette pas d’ombres étranges, et elle obtient quelques photos avec la lumière du soleil derrière la tête de l’enfant. "Une fois que les enfants ont accepté mes suggestions, je leur ai demandé de s'asseoir et de se tenir debout à divers endroits autour de la cour ou à la maison."

Chase et Summie
2006, aquarelle,
22 x 30. Collection privée.

De retour dans son studio, Angelhart télécharge toutes les photographies numériques sur son ordinateur et examine attentivement chaque photo pour identifier les trois ou quatre qui peuvent être utilisées pour créer le portrait le plus attrayant et caractéristique du sujet. Elle fait des agrandissements d'impression couleur de ces photographies à utiliser comme référence et développe un dessin au graphite assez détaillé sur une feuille de papier qui est de la taille de la peinture prévue. Une fois satisfaite de ce dessin, elle transfère soigneusement un nombre minimal de lignes sur une feuille propre de papier aquarelle pressé à froid Arches de 300 livres ou un poids similaire de papier Fabriano. «Je veux garder la quantité de graphite sur le papier aquarelle au strict minimum, donc j'utilise simplement des points ou des lignes courtes pour indiquer l'emplacement des points de repère tels que la largeur des yeux, le bas du nez, les bords de la bouche, etc. », explique l'artiste. La plupart du «dessin» sur le papier aquarelle se fait au pinceau avec des couleurs très pâles et non tachantes. Angelhart appelle cela le plan ou la carte de sa peinture.

Yeux de Joconde
2004, aquarelle,
22 x 15. Collection privée.

Avec ses photographies de référence éclairées sur un écran d'ordinateur à proximité, Angelhart commence à cartographier les traits du visage à l'aide de pinceaux ronds Loew-Cornell série 7020 (n ° 4 à 12) et de couleurs vives et transparentes, telles que la quinacridone or, la quinacridone orange brûlé, la quinacridone corail , rouge anthraquinone, orange périnone, orange jaune, or vert, vert olive (Holbein), vert phtalocyanine, bleu manganèse, bleu outremer, bleu cobalt, violet cobalt et opéra. «Les couleurs de la terre, telles que l'ocre jaune, la terre de Sienne brûlée et l'ombre brute, peuvent se combiner pour créer de superbes tons chair dans la peinture à l'huile, mais elles sont trop granuleuses et boueuses pour l'aquarelle», dit-elle. «J'ai quelques cadmiums disponibles pour des situations spéciales, mais je préfère commencer par les couleurs les plus vives et les plus vibrantes que je puisse trouver, puis je les module lorsque je peins les ombres ou lorsque je fais flotter des lavis de couleur sur les premières couches de peindre."

Elle établit les zones d'ombre en ajoutant des couleurs complémentaires aux couleurs de chair chaudes - disons, un bleu cobalt ou vert olive tombé dans une flaque de quinacridone orange brûlé. "Il est important de ne pas intervenir trop tôt avec des bleus et des lavandes frais qui donneront un aspect dur aux formes d'ombre", explique-t-elle. «Ces accents forts conviennent aux adultes qui ont des structures faciales angulaires, mais ils sont trop nets pour la peau lisse d'un enfant. Il suffit de très peu de peinture pour tourner une joue ou représenter une ombre portée le long du nez sur le visage d'un jeune. »

Candler Grands
2007, aquarelle,
22 x 30. Collection privée.

Angelhart passe pas mal de temps à définir les traits du visage car ceux-ci sont essentiels à la réussite du portrait. «Contrairement à beaucoup d'autres artistes, j'établis immédiatement les reflets sur le nez, les yeux et autour de la bouche en peignant une couleur pâle autour de la zone à laisser blanche; et j'établis beaucoup d'autres petits détails dès le départ. Je peux toujours les ajuster plus tard, mais je trouve utile d'avoir ces zones critiques établies avant d'aller très loin dans le processus de peinture. Les lavages ultérieurs adoucissent ces détails plus tard. »
Une fois le visage de l'enfant clairement défini, Angelhart bloque la masse des cheveux et du fond de l'enfant. «Je dois avoir une idée d'une gamme complète de valeurs, donc je sais comment équilibrer la composition globale», dit-elle. «Je peins les cheveux et l'arrière-plan avec des coups de pinceau beaucoup plus lâches de couleur humide sur humide. Le fond est l'endroit où je m'amuse avec les mélanges de couleurs et les lavages aléatoires. »

Phillip
2006, aquarelle,
30 x 22. Collection privée.

Une fois qu'Angelhart a marqué les zones les plus sombres de la composition, elle peut retourner dans le visage pour ajouter des couches de couleur pour approfondir et refroidir les ombres, intensifier le rose dans les joues, assombrir la forme de la lèvre supérieure et ponctuer les coins de la bouche. «Dans un atelier, je montre aux élèves comment mélanger les couleurs sur la surface du papier aquarelle plutôt que sur la palette», explique-t-elle. «Moins il y a de pigments brossés, plus les couleurs restent brillantes. Je leur montre comment poser la peinture sur le papier ou la déposer dans une zone humide, puis amadouer les couleurs pour qu'elles coulent où je veux. »

La dernière étape du processus de peinture consiste à résoudre la peinture des yeux de l'enfant. «Il y a beaucoup de choses que je fais avant de prononcer la fin d'un tableau», explique-t-elle. «Je prends habituellement des photos numériques pendant que je peins et convertis l'une des photos en tirage noir et blanc afin de pouvoir revérifier les valeurs; et je regarde constamment l'image inversée de la peinture dans un miroir pour rechercher de légères distorsions. Les yeux sont la première et la dernière considération dans le processus de peinture, donc je les vérifie une dernière fois avant d'ajouter ma signature à la peinture.

«Peindre un portrait à l'aquarelle, c'est un peu comme élever un enfant», conclut Angelhart. «C'est un bel équilibre entre laisser les couleurs vives et transparentes pousser et s'épanouir dans des directions inattendues, tout en étant un guide attentif et attentionné qui coache et regarde.»

Kerry
2006, aquarelle,
22 x 16. Collection privée.

À propos de l'artiste
Jane Paul Angelhart conçu et construit des vitraux pour les églises, élevé deux enfants, dessiné des plans de maison pour une entreprise de construction et fait de la sculpture en argile avant de commencer à travailler à l'aquarelle et à l'huile dans les années 1980. Au cours des 15 dernières années, elle a réalisé plus de 400 portraits à l'aquarelle commandés. Elle est représentée par la Andreeva Gallery, à Santa Fe, et enseigne à l'Andreeva Portrait Academy, la BACAA, à San Francisco, et à la John Laurence Art School de Fredricksburg, au Texas. Pour plus d'informations sur Angelhart, visitez son site Web à www.angelhart-portraits.com.

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Voir la vidéo: Lesson 16. Painting the Portrait (Septembre 2020).