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Aquarelle: Carla OConnor: Figures en aquarelle et gouache

Aquarelle: Carla OConnor: Figures en aquarelle et gouache

L’un des objectifs de Carla O’Connor dans un atelier est de persuader les élèves d’arrêter de penser aux outils de la peinture à l’eau - les pinceaux, les peintures et le papier - et de se concentrer sur l’expression. 2 crayon, un stylo à bille ou un ordinateur pour révéler ses pensées les plus profondes.

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par M. Stephen Doherty

Modèle de New York
2007, aquarelle et gouache, 30 x 20.
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collection l'artiste
Sauf indication contraire.

Les étudiants de mes ateliers peuvent être très contrariés de me voir appliquer continuellement puis laver des couches de gouache ». Carla O’Connor dit. «Ils pensent que je devrais être plus délibéré. Ce que je dois expliquer, c'est que le processus est une partie essentielle de la façon dont je m'exprime. D'ailleurs, peu importe si j'utilise les matériaux de façon économique si je me retrouve avec une peinture qui ne veut rien dire pour moi? "

Ce processus apparemment sans but permet à O’Connor de créer des peintures magistrales qui résonnent avec d'autres artistes, juges d'exposition, commissaires d'exposition et collectionneurs. L'an dernier seulement, elle a été invitée à diriger 15 ateliers, à juger quatre expositions internationales, à participer à trois expositions de groupe et à aider à juger les prix de l'exposition 2008 de l'American Watercolour Society. L'une de ces expositions de groupe, l'Invitational Exhibition of Contemporary International Watermedia Masters, continue de voyager à travers la Chine et Taïwan et a été documentée dans un livre de 76 pages.

O’Connor a la capacité remarquable d’intégrer des figures figuratives dans des espaces picturaux abstraits, une approche qu’elle a travaillé dur pour développer au cours de sa carrière. «À un niveau ou à un autre, chaque artiste traite des qualités abstraites des images et de l'illusion d'une réalité tridimensionnelle sur une surface bidimensionnelle», commente-t-elle. «Pour moi, j'ai presque toujours besoin de relier ce que je fais à une forme humaine, et le plus souvent cette forme est une femme. Je peins parfois des hommes et des enfants, mais j'expérimente le monde en tant que femme, et c'est le meilleur point de référence pour moi. "

L'artiste présente les figures de deux manières, soit au début du processus de création, soit après qu'une riche surface de couleurs, de formes, de lignes et de textures est bien établie. «Je ne peux pas expliquer pourquoi je poursuis une approche ou l’autre, mais parfois je commence avec une figure qui devient la clé de la peinture; d'autres fois, je poursuis une méthode plus intuitive pour laisser une figure émerger de l'intérieur d'une peinture et me surprendre », explique O’Connor. «Les figures sont généralement basées sur des dessins ou des peintures réalisées à partir d'un modèle qui a posé pour un atelier, ou d'une personne que j'ai embauchée pour venir dans mon atelier afin de pouvoir la photographier en noir et blanc. Si la pose du modèle ou l'expression sur son visage me suggère quelque chose, je commence la peinture en établissant sa forme sur le papier puis en construisant la peinture autour d'elle. Je peux répondre aux suggestions de son corps se tournant, se pliant, s'étirant ou s'accroupissant; ou je pourrais sympathiser avec les émotions exprimées dans son visage, sa voix ou ses gestes, et celles-ci deviennent la raison de peindre le tableau.

Pierres sacrées
2006, gouache, 30 x 22.

"La motivation pour peindre peut être quelque chose d'aussi simple que la forme du T-shirt d'un mannequin ou l'extension élégante de ses bras", poursuit l'artiste. «À moins que je ne ressente une forte connexion émotionnelle avec la personne qui doit devenir le contenu de la peinture, j'évalue simplement les formes du corps, des vêtements et de l'environnement du modèle. Toutes les peintures ne contiennent pas de contenu, mais il y a toujours un message à découvrir et à transmettre à travers le langage corporel du modèle et les motifs que je crée autour d'elle pour le soutenir.

«La deuxième approche consiste à ajouter la figure plus tard dans le processus de peinture et à s’assurer que la forme humaine n’est pas la partie dominante de la peinture», ajoute O’Connor. «Je pose une couleur, j'en ajoute une autre, je lave la peinture et je répète ce processus jusqu'à ce que je sois satisfait des formes, des motifs, des textures et des couleurs. Tout au long de ces étapes, j'essaie d'éviter de visualiser la peinture finie parce que je ne veux pas que mes décisions soient prises en prévision de ce qui pourrait suivre.

"Parce que je pense qu'il est important de rester dans l'instant et de ne pas anticiper le processus créatif, je conseille aux étudiants d'identifier le point focal le plus évident dans le sujet qu'ils envisagent et de prendre une décision consciente de l'ignorer", explique O’Connor. «Je veux qu'ils découvrent et développent quelque chose d'inattendu lorsqu'ils peignent. C’est pourquoi je commence parfois mes peintures en appliquant et en lavant la gouache puis en introduisant une figure dans un endroit inhabituel afin qu’elle soutienne mais ne submerge pas la composition.

«Quelle que soit l'approche de la peinture, j'essaie de rester concentré sur le fait d'apprécier le processus et de ne pas fixer d'objectif de fabrication d'un produit», souligne O’Connor. «Trop souvent, les artistes traitent le processus de peinture comme s'ils accomplissaient une tâche plutôt que de vivre une expérience. Je comprends qu'il est difficile de passer d'une préoccupation de toute une vie pour atteindre des objectifs et mesurer ses réalisations en termes d'argent, de récompenses ou de reconnaissances; mais créer un art significatif n'a rien à voir avec ce genre de processus, et il ne peut pas non plus être mesuré selon une norme objective et quantifiable. C'est difficile à accepter pour beaucoup de gens, mais une fois qu'ils le font, ils sont libres d'être vraiment créatifs. "

Secondes chances
2007, aquarelle et gouache, 20 x 30.

O'Connor a beaucoup d'idées claires sur la façon dont elle pourrait aider d'autres artistes à tirer plus de plaisir du processus créatif, et c'est l'une des raisons pour lesquelles elle est disposée à diriger autant d'ateliers et pourquoi les étudiants retournent travailler avec elle après année. «L'une des meilleures façons de grandir et de se développer en tant qu'artiste est d'enseigner à quelqu'un d'autre, et j'ai certainement appris sur moi-même en essayant d'aider les autres», explique-t-elle. "Le processus créatif est presque 80% mental et 20% physique."

Cette clarification se produit dans un programme d'atelier très structuré qui comprend des mini-démonstrations, des recommandations claires, des discussions de groupe et des conversations individuelles. «Je suggère aux gens d’acquérir une nouvelle identité lorsqu’ils participent à l’un de mes ateliers», explique O’Connor. «Je veux qu'ils soient prêts à essayer quelque chose de complètement nouveau. Je suppose qu’ils se sont inscrits à un atelier avec Carla O’Connor ou une autre personne parce qu’ils veulent apprendre de cet instructeur. Pourquoi dépenser tout ce temps et cet argent à suivre un atelier si l'élève a seulement l'intention de démontrer ce qu'il sait déjà? »

Pochette Spirit
2006, Watermedia mixte, 30 x 22.
Collection M. Alan Long.

«Mon processus de peinture est si ouvert que je n’essaie même pas de terminer une peinture lors d’une des démonstrations que j’offre en classe», ajoute O’Connor. «C'est un processus d'essais et d'erreurs - aller-retour, le déposer, le soulever, l'expérimenter - jusqu'à ce que tous les efforts déployés pour produire le tableau ne soient plus évidents. Il y a tellement de changements en cours que les élèves peuvent devenir confus, frustrés et parfois ennuyés si je les fais asseoir. Au lieu de cela, je fais juste de courtes démonstrations d'idées, de matériaux et d'approches spécifiques pour illustrer certains des points que je couvre dans la conversation. Je peux revenir en arrière et travailler sur la même peinture, mais seulement s'il y a un point que je peux faire qui pourrait être utile aux participants.

«Si un mannequin pose pour l’atelier, j’insiste pour que les gens travaillent et ne perdent pas de temps à bavarder, à prendre des collations ou à se laisser distraire», explique O’Connor. "Nous payons pour le temps du modèle et nous devons avoir une collection de dessins disponibles lorsque nous commençons à peindre, il est donc impératif que nous profitions pleinement de l'opportunité de dessiner. Le modèle est une denrée précieuse et le dessin est la base de tout art. »

O’Connor a récemment travaillé avec Creative Catalyst Productions (www.ccpvideos.com), un producteur de programmes exceptionnels d’enseignement artistique sur DVD qui présentent certains des meilleurs instructeurs du pays. "Les producteurs ont fait un si bon travail que je suis sûr que les téléspectateurs penseront qu'ils sont juste entrés dans mon studio pendant que je travaillais; mais comme la plupart des programmes filmés, c'était en fait une procédure beaucoup plus compliquée que quiconque ne l'imagine », explique l'artiste. «J'étais dans un studio complètement insonorisé sous des lumières chaudes avec cinq caméras dirigées vers moi, et je devais me tenir sur une marque indiquée sur le sol du studio sans pouvoir me promener. Après une très longue journée de tournage, les monteurs ont tout reconstitué pour que ce soit un programme fluide et rapide contenant des informations précieuses pour les artistes de la watermedia, surtout parce que la technologie DVD leur permet d'arrêter, de figer l'image, de rembobiner et de redémarrer le programme; ou ils peuvent sélectionner les chapitres qu'ils souhaitent le plus revoir. C'est comme avoir votre propre instructeur privé qui répètera tout ce que vous voulez revoir ou qui arrêtera de peindre pour que vous puissiez regarder son travail aussi longtemps que vous le souhaitez. C'est vraiment incroyable."

Voyageurs
2007, aquarelle et gouache, 32 x 32.

À propos de l'artiste
Carla O’Connor a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de la Kent State University, dans l'Ohio, et a poursuivi ses études à l'Université des Amériques, à Mexico; l'Université de Dayton, dans l'Ohio; et l'Université du Wisconsin, à Milwaukee. Elle est membre emblématique de l'American Watercolour Society (Dolphin Fellow), de la National Watercolour Society et de la Northwest Watercolour Society. Ses peintures ont été incluses dans des expositions organisées par ces organisations ainsi que celles de la Rocky Mountain National Watermedia Society et de la San Diego Watercolour Society. En outre, ses peintures ont été présentées dans un certain nombre de livres et de magazines d'art nationaux. Elle enseigne des ateliers aux États-Unis et à l'étranger. Pour plus d'informations, visitez www.carlaoconnor.com.

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