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Pastel: William Schneider: Peindre la bouche

Pastel: William Schneider: Peindre la bouche

Peindre l'expressivité de la bouche d'une personne aide à établir sa ressemblance, sa personnalité et sa vitalité dans un portrait, mais de nombreux artistes ont du mal à représenter cette caractéristique du visage. Voici comment j'enseigne aux élèves à peindre une bouche à l'huile ou au pastel.

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par William A. Schneider

Ezra
2007, pastel, 17 x 12. Collection privée.

La bouche est la deuxième caractéristique la plus expressive du visage humain après les yeux, mais les artistes trouvent que c'est l'une des caractéristiques les plus difficiles à représenter avec précision et de manière unique. Ils reviennent souvent au symbole appris dans l'enfance d'un ovale décrit divisé au milieu, avec deux morceaux arrondis sur le dessus. Les artistes tombent dans le piège de peindre ce qu'ils savent plutôt que ce qu'ils observent réellement.

Dans mes ateliers et cours, je propose des démonstrations séparées de la façon dont je peins les yeux et la bouche. Je veux aider les élèves à éviter les images préconçues et, au lieu de cela, à peindre avec la même fraîcheur et animation qu'ils utilisent pour capturer d'autres aspects de la personnalité d'un modèle. Je commence par énumérer six conseils pour peindre une bouche (voir l'encadré) et montrer comment ceux-ci peuvent être appliqués à la peinture à l'huile ou au pastel.

Avant de vous offrir ces démonstrations de la façon de peindre des traits spécifiques tels que la bouche, les yeux ou les mains, j'établis un contexte pour la discussion en peignant d'abord la tête humaine entière. Je veux que les élèves comprennent que j'ai une méthode alla prima modifiée, ce qui signifie que je travaille mouillé sur mouillé sur chaque section d'une peinture mais que je ne peux pas couvrir la toile entière en une seule séance. Si je ne suis pas satisfait d'une section après y avoir travaillé pendant plusieurs heures, j'enlève la peinture ou le pastel et recommence plutôt que d'essayer de faire des ajustements un autre jour. Mon objectif est d'enregistrer ce que j'observe pendant une session, pas de réévaluer les choses quelques jours plus tard.

La deuxième raison pour peindre une tête entière est qu'elle aide à garder à l'esprit la façon dont la lumière révèle la structure de la forme humaine lorsque nous commençons à considérer les détails. (Il y a une raison physique et topographique pour laquelle la lèvre supérieure est généralement dans l'ombre et la lèvre inférieure capte la lumière et projette une ombre.) Une troisième raison est que je dois parler des quatre aspects critiques de la peinture dans l'ordre de leur importance: Le premier est le dessin, puis la valeur relative, suivi de la température de couleur et des bords. Le succès de toute peinture, qu'il s'agisse d'une figure complète ou d'une paire de mains, dépend de ces quatre éléments.

Artiste en herbe
2007, huile, 9 x 12. Collection privée.

Je commence la démonstration en utilisant du charbon de vigne pour trouver la position de la bouche. Je ne dessine pas de plan. Au contraire, j'identifie simplement le bas de la lèvre inférieure, le point central entre les lèvres et l'emplacement des coins de la bouche. Je décris la bouche comme un objet sculpté fait de formes arrondies et inclinées de taille variable. Je souligne que ces formes dépendent en fin de compte de l’âge, du sexe et de l’origine ethnique d’une personne. Ensuite, je mentionne que je vais «dessiner» la bouche, ce qui signifie que je vais effectivement travailler la brosse ou le bâton de pastel autour des formulaires et ne pas remplir les lignes qui marquent les bords de ces formes. Je rappelle aux élèves que la bouche est une partie fluide et expressive du visage humain, il est donc préférable de s'efforcer d'obtenir un euphémisme doux plutôt qu'une représentation clairement définie.

Pour les besoins de cet article, j'ai documenté une démonstration de peinture au pastel car ce médium sec facilitait la présentation des concepts de base. Mes démonstrations sont généralement faites à partir de la vie parce que c'est toujours préférable, mais mes cours comprennent des instructions pour travailler à partir de photographies car la plupart des portraitistes professionnels (en particulier ceux qui peignent des enfants) jugent nécessaire d'utiliser une combinaison de photographies et de croquis réalisés à partir de la vie. Lorsque vous travaillez à partir de la vie, l'expression du modèle change constamment. Au cours d'une séance de deux ou trois heures, la bouche s'affaisse dans une position détendue qui est presque un froncement de sourcils. L'artiste doit choisir une image et y revenir, en se rappelant que l'expression est largement définie par la position des coins de la bouche.

Réflexion
2007, pastel, 16 x 11. Collection privée.

L'un des avantages du travail à partir de la vie est la possibilité d'évaluer les relations chromatiques spécifiques au modèle et à l'éclairage de son visage. Les photographies ne sont pas aussi utiles pour identifier la meilleure palette pour peindre le visage d'un jeune enfant, d'un homme robuste ou d'une femme rehaussée de maquillage; ils ne sont pas non plus très bons pour capturer les nuances des températures de couleur. De nombreux artistes réalisent rapidement des croquis à l'aquarelle, au pastel ou à l'huile de leurs sujets de portrait, de sorte qu'ils ont observé des références permettant de juger des distorsions de couleur dans leurs photographies.

Quelle que soit la manière dont on juge les relations chromatiques, il est important de maintenir une cohérence dans la gamme de pastels ou d'huiles qu'un artiste utilise. Anders Zorn avait tendance à mélanger les couleurs de chair dominées par les ocres, John Singer Sargent était plus apte à utiliser les noirs et les gris, et Henry Hensche a poussé l'intensité des pigments chauds et froids. Ces approches ont fonctionné parce que les artistes étaient cohérents dans la façon dont ils jugeaient les valeurs et températures relatives et dans la façon dont ils modélisaient les formes.

D'après mon expérience, il est plus facile de peindre des modèles posant sous une lumière nord fraîche qui crée des ombres chaudes. Le blanc est généralement utilisé pour éclaircir les couleurs, et comme il s'agit de la couleur la plus froide de la palette, les teintes résultantes deviennent plus froides à mesure qu'elles deviennent plus claires. Cependant, sous une source de lumière chaude, les objets s'éclaircissent et deviennent également plus chauds. C'est plus difficile car il faut mélanger de petites quantités de jaune de cadmium ou d'oxyde transparent rouge pour chauffer le blanc. Il est facile d'en faire trop et de créer une couleur irréaliste.

La beauté de la jeunesse
2007, huile, 14 x 11. Collection de l'artiste.

La directivité du pastel permet aux artistes de superposer une couleur sur une autre pour obtenir le bon équilibre entre valeur et température. Cependant, lorsqu'ils travaillent avec des huiles, les peintres doivent considérer les effets de la texture des poils du pinceau et l'ajout de solvants ou de médiums sur la composition. Par exemple, je commence généralement des peintures à l'huile à l'aide de pinceaux en poils et des peintures diluées avec des essences minérales inodores; et plus tard, je passe à des brosses Royal Langnickel plus petites et plus douces et j'ajoute une petite quantité de milieu d'huile. Comme touche finale, je pourrais utiliser un couteau à palette pour appliquer des reflets épais.

Six conseils pour peindre la bouche

1. La bouche est en mouvement constant, donc une peinture de celle-ci doit avoir des bords doux ou elle apparaîtra trop raide et ne semble pas appropriée pour le reste du visage peint.

2. Il vaut mieux sous-estimer la bouche plutôt que de la surestimer. La suggestion va plus loin qu'une délimitation soigneuse.

3. Il y a une séquence de plans éclairés et ombragés qui décrivent la topographie de la bouche. Dans la plupart des situations, la lumière frappe le haut de la lèvre supérieure et projette une ombre sous la lèvre supérieure; tandis que la lumière touche le plan supérieur de la lèvre inférieure et provoque une ombre portée en dessous. Si vous simplifiez les valeurs de cette séquence, la bouche lira correctement.

4. Structurellement, vous pouvez concevoir une boule (la partie centrale charnue de la lèvre supérieure) reposant sur deux en dessous (les deux lobes de la lèvre inférieure). Voir le schéma.

5. Les ténèbres profondes de la bouche sont presque toujours chaudes, quelle que soit la température de la lumière.

6. Les reflets sur la lèvre inférieure ont une forme et une couleur définies et sont généralement frais, même sous une lumière chaude.

En fin de compte, l'un des plus grands avantages de cet exercice est qu'il permet de comprendre comment capturer des gestes éphémères qui donnent une idée de la personnalité d'un modèle. Qu'un artiste peigne une bouche, des mains, des yeux ou des cheveux, il est préférable de développer l'aspect doux des formes plutôt que les contours durs des caractéristiques individuelles.

À propos de l'artiste

William A. Schneider a étudié l'art à l'Université de l'Illinois, à Chicago, mais a poursuivi une carrière dans la musique et la finance avant de retourner aux beaux-arts en 1990. Il a perfectionné ses compétences à l'American Academy of Art, à Chicago, et a participé à des ateliers avec Dan Gerhartz, Scott Burdick , Harley Brown, Scott Christensen, Huihan Liu, David A. Leffel et Richard Schmid. Il est membre emblématique des Oil Painters of America, d’American Plains Artists, de la National Oil and Acrylic Painters ’Society et de la Pastel Society of America. Il est également membre de The Plein Air Painters de Chicago, de la Palette Chisel Academy of Fine Arts et de la Portrait Society of America. Ses peintures à l'huile et pastel ont été présentées dans de nombreux spectacles avec jury, magazines d'art et livres; et ils ont reçu des prix dans les grandes compétitions d'art. L'artiste possède un studio à Crystal Lake, Illinois. Pour plus d'informations sur Schneider, visitez son site Web à l'adresse www.schneiderart.com.

Bethany Dancing
2004, pastel,
16 x 12. Courtesy Lee Youngman Galleries, Calistoga, Californie.
Ferme
2007, pastel,
15 x 16. Collection de l'artiste.
Printemps
2007, huile, 40 x 26. Courtesy The Weatherburn Gallery, Naples, Floride.

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Voir la vidéo: A Pastel portrait demonstration by place du tertre artist Agnes.mpg (Septembre 2020).