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Conseils d'encadrement de peinture à l'aquarelle

Conseils d'encadrement de peinture à l'aquarelle

Depuis que mon travail consiste à choisir des cadres pour les peintures exposées au Indianapolis Museum of Art, j'ai vu toutes sortes de cadrages à faire et à ne pas faire. Lorsque vous recherchez le cadre parfait, voici quelques questions à vous poser pour vous aider à bien faire le travail:

Les proportions du cadre à la peinture sont-elles agréables?
Un cadre peut être trop grand ou trop petit. Un cadre trop petit ne donne pas à la peinture l’importance qu’elle mérite - cet effet est aussi mauvais que l’effet écrasant d’un cadre surdimensionné. Cela est particulièrement vrai si l'aquarelle est emmêlée.

Choisissez un cadre suffisamment profond pour contenir la peinture avec du mat et du vitrage. Cela semble évident, mais certains cadres ne sont pas conçus pour contenir un tapis et un vitrage.

N'hésitez pas à donner au tapis un peu de répit. Une peinture 16 x 20 pouces nécessite au moins un tapis de trois à quatre pouces. Souvent, un tapis surdimensionné peut aider à déclencher un petit morceau (voir l'exemple à droite, en haut).

Choisissez un cadre qui complète la taille de la pièce après son emmêlage. Si vous avez ajouté un tapis de quatre pouces à une aquarelle de 16 x 20 pouces, vos nouvelles dimensions sont de 24 x 28 pouces. Pour ces dimensions, un cadre large d'un à deux pouces aurait l'air bien. Tout plus large peut sembler écrasant.

Votre œil peut généralement savoir si votre peinture est hors de proportion avec le cadre. Mais en cas de doute, vous pouvez toujours le vérifier avec la «méthode du tiers», une technique couramment utilisée pour déterminer les proportions correctes du cadre par rapport à la peinture. La prémisse: votre cadre ne doit pas occuper plus d'un tiers de la superficie de la surface de votre peinture. Par exemple, si votre peinture mesure 16 x 20 pouces, la surface est de 320 pouces carrés. Le cadre ne doit donc pas mesurer plus de 170 pouces carrés ni avoir une largeur de deux à trois pouces.

Le style du cadre complète-t-il la peinture?
Une erreur courante que je vois est un cadre «trop fort». Cela me fait, le spectateur, confronter le cadre en premier, pas ce qu'il contient. La peinture devrait être la star. Un exemple que je vois beaucoup dans les musées est les peintures impressionnistes dans des cadres Louis XIV. La discorde créée lorsque ces cadres dorés ornés se battent avec les couleurs vibrantes d'une peinture impressionniste me rappelle un chanteur chantant une belle chanson à distance. Bien que le cadre puisse être beau en soi, son association avec une peinture impressionniste gâche l'apparence de la pièce.

Les artistes impressionnistes ont eux-mêmes choisi des cadres blancs pour leur travail. Cette combinaison d'encadrement fait chanter les peintures harmonieusement, mais le look était très avant-gardiste dans les années 1860. Beaucoup de gens pensaient que les cadres blancs ne cadraient pas avec leur décor, alors les marchands ont recadré les peintures des cadres Louis XIV pour vendre l'œuvre. Bien sûr, les artistes n'étaient pas contents de cela. En guise de compromis, certains artistes utiliseraient des montures Louis battues et éclaboussées de peinture avec à peine de l'or à trouver. La prochaine fois que vous irez dans un musée avec une bonne collection de peintures impressionnistes, regardez les cadres - j'espère que vous en verrez beaucoup de blancs, ou peut-être des cadres qui ont été peints par l'artiste comme une extension de la peinture. Je suis sûr que vous remarquerez que les cadres choisis par l’artiste s’adaptent bien mieux qu’un cadre Louis XIV doré.

La couleur du cadre complète-t-elle la peinture?
Un cadre doit-il être doré (feuille d'or, argent ou métal), peint d'une couleur ou laissé en bois naturel? La réponse n'est pas facile car il n'y a vraiment pas de règles strictes. Tous ces choix ont du mérite - la question est de savoir quand choisir quoi. L'or complète de nombreuses images et vous pouvez choisir parmi des centaines de nuances. La tonification peut donner à un cadre doré un aspect ancien, vieilli ou tout neuf. L'or a généralement fière allure avec les portraits, si les couleurs du portrait complètent la nuance de l'or. De nombreux portraits du début du XIXe siècle (photos retouchées à l'aquarelle ou au fusain) sont parfaitement à l'aise dans du bois naturel ou des cadres faux-finis peints pour ressembler au bois.

Un cadre argenté complète une pièce monotone, une photographie et la plupart des tirages. Mais encore une fois, je le souligne, il n'y a pas de règles strictes. Si vous gagnez quelque chose de cet article, c'est que les règles de goût personnelles.

Quel est le sujet?
Lors de la sélection d'un cadre pour une pièce de musée, je considère souvent l'origine à la fois de l'artiste et de l'œuvre. Étant donné que la plupart d'entre vous encadrent vos propres œuvres, les origines de l'artiste seront probablement celles du 20e siècle (ou 21e), l'Amérique du Nord. Mais comme beaucoup d’entre vous voyagent pour peindre, l’origine du sujet peut entrer en jeu lorsque vous sélectionnez un cadre. Par exemple, une peinture de la campagne italienne aurait l'air tout à fait appropriée dans un cadre orné de style italien - éventuellement doré avec des coins articulés (voir le détail à droite, en bas). Pour une nature morte ou un paysage peint aux Pays-Bas, une moulure ondulée sombre aurait fière allure.

Les cadres victoriens américains en trois parties se prêtent avec élégance à la conversion de la peinture à l'huile à l'aquarelle. Ils offrent une profondeur dramatique et riche au travail à l'intérieur du cadre, et ils sont généralement assez grands pour accueillir un tapis de bonne taille.

Bien sûr, certaines aquarelles n'auront l'air correctes que dans un cadre contemporain, que vous pouvez trouver dans votre magasin de cadres local.

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Matting Matters
Si vous allez dans un musée et regardez les estampes et les œuvres sur papier, vous remarquerez une chose: l’absence de couleur forte dans le mat. La plupart des conservateurs pensent qu'un tapis coloré est une distraction pour l'art, et vont donc avec des teintes crème, blanc antique ou blanc neutre très doux - pensant que ces choix neutres rendent l'image dans le cadre plus importante. C'est OK parfois, mais j'aime aussi la couleur. La couleur peut très bien fonctionner avec une aquarelle. J'ai maté des aquarelles avec des nattes colorées pour les gens (et moi-même) avec de beaux résultats. Mon conseil est de choisir judicieusement la couleur. Optez pour des tons dominants dans l'image, ou qui dessinent des couleurs subtiles dans la pièce - une couleur qui semble rassembler tout cela. Et gardez à l'esprit que le blanc brut peut être un tueur si le blanc dans la pièce n'est pas aussi net que la couleur mat.

Plus important encore, utilisez toujours des tapis sans acide et un support sans acide. Votre peinture doit être enfermée dans un environnement sans acide. Je ne saurais trop insister sur ce point. De plus, assurez-vous d'utiliser des charnières en papier japonais et de la pâte d'amidon de blé pour articuler votre peinture (attachez-la au tapis). Il s'agit de la méthode la plus archivistique. Si l'encadreur vous dit qu'il utilise des charnières en lin, dites-lui que vous aimeriez le système japonais amidon papier / blé. S'il ne le fait pas ou ne peut pas le faire, allez ailleurs.

Ce regard vitré
Que vous choisissiez à nouveau du plexiglas ou du vrai verre dépend de votre situation. Les deux ont des avantages; les deux ont des inconvénients. Le plexiglas se raye facilement; cependant, il est très léger. Le verre peut être nettoyé avec des liquides de nettoyage réguliers, mais le verre est lourd. Le plexiglas ne peut pas être nettoyé avec des produits de nettoyage pour vitres. Le poids du vrai verre est quelque chose à considérer sur les pièces plus grandes. Quel que soit le choix que vous faites, assurez-vous de choisir un vitrage qui bloque les rayons UV nocifs - le verre et le plexiglas sont proposés dans des variétés qui offrent cet avantage.

L'essentiel: acquérez autant de connaissances sur les méthodes d'archivage pour protéger les œuvres d'art sur papier que sur le choix du cadre parfait. Si vous avez consacré votre temps et votre émotion à produire une belle œuvre d'art, mettez la même énergie à assurer son avenir.

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Jean Pâques est spécialiste du cadre au Indianapolis Museum of Art et possède sa propre entreprise, Easter Conservation Services à Indianapolis, où elle s'occupe de la conservation du cadre ainsi que de la natte et de l'encadrement. Elle est associée professionnelle de l'AIC, membre de la Society of Gilders et membre du Conseil des arts d'Indianapolis Creative Renewal Arts Fellow. L'été dernier, elle a étudié avec le conservateur de cadres et le conservateur de cadres au Galerie nationale de portraits à Londres, en Angleterre.

Cet article a été initialement publié dans le numéro d'automne 2000 de Artiste aquarelle.

Voir la vidéo: Encadrer une aquarelle (Septembre 2020).