Dessin

Peinture à l'huile: Susan Lichtman: L'utilisation puissante de la lumière dans les intérieurs à l'huile

Peinture à l'huile: Susan Lichtman: L'utilisation puissante de la lumière dans les intérieurs à l'huile

Ce peintre du Massachusetts utilise une palette étroitement contrôlée et une approche de peinture ouverte pour créer des visions hautement évocatrices des intérieurs et des figures.

par John A. Parks

Famille au coucher du soleil
2005, huile sur lin,
48 x 72. Toutes les oeuvres d'art cette
collection d'articles l'artiste
Sauf indication contraire.

Susan Lichtman aime la lumière d'un fort soleil de fin d'après-midi qui traverse l'intérieur d'une maison de famille, brisant les vues des personnages et des meubles, et suscitant un sentiment de surprise et de révélation. Dans Famille au coucher du soleil par exemple, une femme est perdue dans l'ombre d'une cuisine tandis qu'un enfant émerge d'une porte avec un cerceau, son corps divisé en deux par un rayon de soleil. Au premier plan, un autre enfant saisit une balle et un homme regarde un morceau de papier, peut-être une lettre. Les deux personnages ont la tête enveloppée d'ombre. L'action puissante de la lumière détourne notre attention de la physionomie des personnages pour se tourner vers l'espace global et le drame indéterminé qui semble se dérouler. Il imprègne également l'image d'un fort sentiment d'un moment particulier dans le temps.

«Je suis un terrible conteur», déclare Lichtman. "Dans la littérature, je m'intéresse à ces moments entre les événements - les descriptions des paramètres et la façon dont les personnages se regardent. J'adore aussi ces moments au cinéma. Certaines de mes peintures ne représentent qu’un moment particulier de la journée familiale, où tout le monde fait quelque chose de différent à proximité les unes des autres. Dans d'autres images, j'ai utilisé des récits ou des personnages bien connus pour guider les choix dans mes compositions. Je me suis récemment intéressé à peindre différents types de personnages mères. Par exemple, j'ai travaillé avec le personnage d'Anna Karenina, une mère glamour mais aliénée. En ce moment, je travaille sur des dessins de chasseurs de maisons. Peut-être que toutes les nouvelles sur le marché immobilier ont inspiré cette idée. » La stratégie narrative de l’artiste, tout comme son approche du rendu, repose sur des indices et des suggestions, plutôt que sur des histoires entièrement réalisées et des formes parfaitement tournées. «J'aimais la citation de Mallarmé qui disait que vous devriez suggérer et non nommer, car c'est là que réside la poésie», se souvient-elle. En revanche, l'artiste ne laisse pas ses tableaux devenir trop généraux. «J'essaie d'obtenir du mystère et de la spécificité en même temps», ajoute-t-elle, «même si ce sont des choses tout à fait opposées.» Le défi d'équilibrer les forces opposées du mystère et de la révélation peut être vu dans Femme avec pardessus partant, dans lequel des figures soigneusement délimitées au premier plan partagent un espace avec des figures plus éthérées qui habitent les profondeurs sombres à l'arrière du tableau. Même au premier plan, cependant, Lichtman ne se soucie pas de restituer pleinement la forme, en s'appuyant plutôt sur la puissance du contour et la fonction suggestive de zones plates de couleur judicieusement placées.

Femme, pardessus, partir
2006, huile sur lin,
30 x 32.

Malgré toute la lumière dramatique de son travail, les peintures de Lichtman sont unifiées par une palette soigneusement contrôlée. «Pour moi, une couleur proche de la valeur est magique», explique l'artiste. «C'est une façon pour la peinture d'impliquer la fiction de la lumière et de l'air. Une palette de valeurs proches donne également à l'image une sorte d'enveloppe dans laquelle tout est placé. » Pour atteindre ce but, l'artiste utilise un jeu de couleurs très limité. «Pendant de nombreuses années, j'ai utilisé une palette de terre rouge, bleu cobalt, jaune cadmium et blanc», dit-elle. «La couleur la plus sombre que je pouvais mélanger était le rouge et le bleu cobalt, donc tout est resté dans une gamme assez étroite, tonalement. Et parce que le cobalt est facilement submergé par le rouge, les peintures avaient tendance à avoir une teinte rougeâtre. » Au cours des dernières années, Lichtman a ajouté du noir et du chrome ou du vert permanent à sa palette, augmentant la gamme des sombres et donnant une sensation beaucoup plus fraîche aux images. L'artiste considère également la propriété décorative globale d'une image réalisée avec une palette limitée. «Je pense que mon idée de la beauté dans la peinture a à voir avec la tension entre la représentation de l'espace profond et les propriétés de la forme et de la surface», dit-elle. «Je vois cette tension dans les peintures intérieures des artistes que j'aime le plus, de la peinture murale romaine à De Hooch, Vuillard, Bonnard et Gwen John. La lumière du soleil ou la lumière d'une lampe juxtaposée d'ombres ajoutent à la complexité des formes. Je suis intéressé par la façon dont la lumière peut détourner l'attention des personnages et ralentir la lecture des images. »

Chiffres en dessous
une tulipe

2006, gouache sur panneau, 7 x 5.

Lichtman commence une image en peignant directement, sans sous-couche. Généralement, le cadre est la maison dans laquelle elle et sa famille vivent depuis 15 ans. Cependant, l'artiste ne peint pas d'après la vie, préférant retravailler la photo dans le studio qu'elle conserve sur la propriété. «Je peux toujours aller vérifier quelque chose si je le dois», dit-elle. "Mais la peinture de mémoire permet en quelque sorte une image plus résolue." Les figures que l'artiste incorpore à ses tableaux sont basées sur des croquis ou des images qu'elle a extraits de magazines et de photographie de mode. Souvent, les figures deviennent hybrides alors qu'elle fusionne des images de mannequins avec celles de membres de la famille. L'artiste utilise également ses propres photographies de lumière rebondissant autour des intérieurs pour référence.

Plutôt que de planifier ses compositions, Lichtman leur permet d'évoluer à travers une sorte de processus de découverte. «J'ai commencé à travailler d'une manière nouvelle et un peu folle il y a quelques années», explique-t-elle. «Je travaille du spécifique au général. Sur une grande toile, je pourrais commencer par peindre quelque chose de très petit - un vase de fleurs par exemple. Ensuite, je vais y ajouter quelque chose - le bras d'une figure derrière, peut-être. Je continue à ajouter aux premières parties petit à petit, pour que la peinture croisse organiquement à partir de cette première graine. Certaines parties sont peintes d'après nature et d'autres d'après mémoire ou photos. » Finalement, lorsque l'artiste a couvert la majeure partie de la toile, elle constate qu'elle doit commencer à déplacer les choses, à ajouter ou à soustraire. «Je ne recommanderais pas cette méthode à tout le monde», admet l'artiste, «mais pour moi, cela m'aide à assembler chaque partie de l'image. Et j'aime le fait que je n'ai aucune idée de ce à quoi ressemblera la composition finale quand je commencerai. » L'artiste rapporte également que cette façon de peindre correspond à sa vie occupée d'enseigner et de prendre soin de sa famille, ce qui fait que de longues périodes de temps ininterrompu en studio sont rares. L'approche est en outre facilitée par son adhérence à une palette limitée, garantissant que lorsqu'elle revient à une peinture, elle est facilement en mesure de conserver la couleur uniforme tout au long du travail.

Sac à main jaune
2006, huile sur toile de lin, 42 x 48.
Collection privée.

Lichtman applique sa peinture de manière large et directe, en utilisant des pinceaux à poils pour appliquer une couleur audacieuse à ses surfaces. «Je peins sur du lin», dit-elle. «J'avais l'habitude d'utiliser une très bonne peinture, que j'ai ensuite mélangée avec de la poussière de marbre et de la cire afin de faire une peinture sèche, mate et presque cimentée. Récemment, j'ai découvert le médium Maroger. C'est un gel qui est fabriqué en mélangeant plusieurs ingrédients et qui transforme radicalement la consistance de la peinture à l'huile. Certains l'appellent le «secret des anciens maîtres»; d'autres personnes disent que son utilisation est risquée. Je l'utilise depuis cinq ans et je suis un fan absolu - je détesterais y renoncer. Les nouveaux médiums artificiels Maroger ne sont pas les mêmes. » L'artiste reconnaît que les vernis et les mélanges d'huile tels que Maroger comportent un risque de fissuration et d'assombrissement, mais comme de nombreux autres peintres, Lichtman est prêt à prendre ce risque en échange du contrôle et de la manipulation supérieurs que le mélange offre. L'artiste croit également aux vertus de la peinture blanche au plomb malgré sa toxicité.

Outre ses grandes peintures sur toile de lin, Lichtman a réalisé de nombreuses petites œuvres sur panneaux à base de caséine et de gouache. À plus petite échelle, le toucher et le pinceau de l'artiste sont beaucoup plus évidents. Dans Chien de famille, par exemple, le pinceau cassé donne à l'image une sensation presque totale de tapis, brisant les figures et les accessoires dans un espace incroyablement profond. "J'utilisais la caséine dans des tubes", explique l'artiste, "mais j'ai ensuite réalisé un projet de peinture murale au Brandeis University Women’s Studies Research Center, à Waltham, Massachusetts, et j'ai commandé de la caséine théâtrale. Je l'ai utilisé pour certains des petits morceaux. " Changer à petite échelle entraîne également des changements dans les possibilités de composition. Sur plusieurs photos, comme Chiffres sous tulipe et Tulipe claire, l'artiste a expérimenté avec un très gros plan rapproché au premier plan et des figures diminuées par la perspective au loin. «C'est quelque chose que je ne ferais jamais dans un grand tableau», dit-elle. "Je ne pense tout simplement pas que cela fonctionnerait à une échelle beaucoup plus grande."

Tulipe claire
2006, gouache sur panneau, 7 x 5.

Le parcours de Lichtman en tant qu’artiste a commencé au lycée quand elle s’est inspirée du modèle et a étudié la perspective. «Bien que l'art soit mon intérêt, je voulais aller dans une université d'arts libéraux où je pourrais étudier la littérature, l'histoire de l'art et les sciences», dit-elle. "Je viens d'une famille de scientifiques et j'ai adoré l'idée de Constable que la peinture de paysage pouvait être considérée comme une branche des sciences naturelles." Lichtman a étudié à la Brown University, à Providence, puis a fréquenté la Yale University School of Art, à New Haven, Connecticut, où elle a travaillé avec William Bailey, Bernard Chaet, Gretna Campbell et Andrew Forge. «Le cours de peinture de figures de Bailey a été merveilleux pour moi», dit-elle. «Bien qu'il ait donné beaucoup d'informations particulières - et pour moi, c'était une formation de rattrapage puisque je n'allais pas à l'école d'art - il ne nous a jamais appris à peindre d'une manière particulière. Il a simplement encouragé la création d'images comme forme d'expression. »

Lichtman parle de l'avenir de son travail avec une ambition considérable. "Je voudrais que les peintures soient plus succinctes formellement", dit-elle, "tout en véhiculant des figures humaines plus crédibles psychologiquement et visuellement." Professeur de longue date à l'Université Brandeis, à Waltham, Massachusetts, l'artiste réfléchit aux conseils qu'elle donne aux jeunes qui envisagent une carrière dans l'art. «Je leur conseille de poursuivre leurs passions, même si cela signifie inquiéter leurs parents et renoncer à une option de carrière plus lucrative et stable», dit-elle. «Je les assure qu'ils auront une vie merveilleuse s'ils aiment leur travail. Une vie passée en studio est pleine d'émerveillement et de révélation. »

Mère de nuit
2006, caséine et gouache
sur panneau, 9 x 12.
Collection privée.

À propos de l'artiste
Susan Lichtman a étudié à la Brown University, à Providence, Rhode Island, et à la Yale University School of Art, à New Haven, Connecticut. Au cours des 25 dernières années, elle a enseigné à l'Université Brandeis, à Waltham, Massachusetts, où elle supervise des étudiants de premier cycle. Elle montre son travail à la Lenore Gray Gallery, à Providence. Elle a récemment participé à «Rooms and Voices», une exposition à la Gross McCleaf Gallery, à Philadelphie, consacrée au thème des intérieurs. Lichtman fait sa maison avec son mari et ses deux adolescents à Rehoboth, Massachusetts.

John A. Parks est un artiste représenté par la Allan Stone Gallery, à New York. Il est également professeur à la School of Visual Arts, à New York, et contribue fréquemment à Artiste américain, Dessin, Aquarelle, et Atelier les magazines.

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