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Pastel: Maîtres

Pastel: Maîtres

Les artistes qui cherchent à travailler avec le pastel peuvent apprendre des techniques et des conseils précieux en étudiant des artistes qui ont d'abord exploré le médium et découvert les possibilités qu'il offre.

par Naomi Ekperigin

Bien que le travail des peintres à l'huile et des dessinateurs soit bien connu et bien documenté, l'histoire du pastel n'a pas été aussi bien enregistrée. "Ce n'est que récemment que nous voyons le pastel accepté comme un médium digne en soi." Bien que les pastels ne soient pas aussi populaires que les peintures à l'huile, la nature du médium en fait un excellent choix pour ceux qui privilégient la portabilité. La peinture au pastel nécessite peu d'installation, il n'y a pas besoin de solvants et il n'y a pas de pinceaux à nettoyer. Pour cette raison, de nombreux peintres en plein air travaillent au pastel, et de nombreux portraitistes du XIXe siècle ont travaillé au pastel pour faciliter une exécution rapide.

Six amis à Dieppe
par Edgar Degas, 1885, pastel, 45¼ x 28. Collection du Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island.
La Toilette (femme se coiffant)
par Edgar Degas, ca. 1886, pastel sur carton, 21 x 20½. Collection du Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg, Russie.

Edgar Degas

Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) était un peintre, sculpteur, graveur et dessinateur français associé au mouvement impressionniste. Bien qu'il soit considéré comme l'un des fondateurs du mouvement, il a rejeté le label et a préféré être considéré comme un réaliste. Contrairement aux peintres impressionnistes, il n'était pas aussi intéressé par le jeu de la lumière à travers les formes et ne favorisait pas la tendance impressionniste à peindre en plein air. Cependant, son sujet était nettement impressionniste, et son amitié avec des impressionnistes notables tels que Mary Cassatt et Edouard Manet le liait étroitement au mouvement.

Les teintes pures du pastel, ainsi que son application directe, en ont fait le médium parfait pour les artistes impressionnistes qui ont cherché à travailler rapidement et à capturer l'essence de leurs sujets. Degas est considéré comme l'artiste le plus responsable de la transformation du pastel en un médium majeur. Quand il a commencé à travailler au pastel, ils étaient principalement utilisés pour les portraits, et souvent comme précurseurs pour compléter des peintures à l'huile. Degas, cependant, a créé un grand corps de peintures pastel finies à partir desquelles de nombreux artistes ont appris. «La pasteliste Old Master qui me vient immédiatement à l'esprit est Edgar Degas», explique l'artiste Liz Haywood-Sullivan, qui a été profondément influencée par son travail d'étudiant. «Sa création de marques transmet un sentiment de mouvement et d'intentionnalité, mais ce qui me fascine le plus dans son travail, ce sont ses compositions dynamiques et ses angles de vision inhabituels. Un de mes favoris est Six amis à Dieppe. La peinture est essentiellement un portrait de groupe, mais la dynamique de la composition crée une tension et une intrigue qui font que le spectateur se demande ce qui se passe vraiment. Les poses ne sont pas statiques et les touches de pastel visibles mettent presque la peinture en mouvement. »

Degas a travaillé au pastel tout au long de sa carrière et en 1880, il est devenu son principal médium. L'artiste a souvent combiné le pastel avec d'autres médias tels que l'aquarelle, l'huile et le monotype, créant des surfaces riches avec une variété de qualités de peinture appliquées en couches complexes. «L'étude des différentes manières d'appliquer des pastels est particulièrement pédagogique», explique l'artiste Alan Flattmann, intronisé au Pastel Society of America Hall of Fame en 2006. «Il se mélangeait parfois pour obtenir des effets délicats, mais il appliquait surtout des pastels en traits purs. couleur cassée par l'éclosion et le chevauchement de larges traits picturaux. Il a largement utilisé des fixateurs pour créer des couches de pastels et n'a pas hésité à expérimenter la combinaison du pastel avec d'autres médias pour créer des effets uniques. »

Mère et enfant sur fond vert (maternité)
par Mary Cassatt, 1897, pastel sur papier beige marouflé sur toile, 22 x 18. Collection Musée d'Orsay, Paris, France.
Bébé endormi
par Mary Cassat, ca. 1910, pastel, 25½ x 20½. Collection Dallas Museum of Art, Dallas, Texas.

Mary Cassatt

Mary Cassatt (1844-1926) est connue comme l'une des artistes les plus influentes de l'art américain du XXe siècle. Peintre et graveur prolifique, Cassatt est née à Pittsburgh et a commencé ses études à la Pennsylvania Academy of Art. En 1865, elle s'installe à Paris, où elle entreprend des études privées avec des artistes tels que Jean-Léon Gérôme et Thomas Couture et fait partie du mouvement impressionniste. Elle est devenue une amie proche d'Edgar Degas, qui l'a inspirée à commencer à travailler dans les pastels. Cassatt a adopté plusieurs de ses techniques et a rapidement commencé à produire un volume élevé de travail dans le médium.

Cassatt a gagné sa vie en tant que peintre de figures et portraitiste, et la peinture de portraits au pastel lui a fourni une source de revenu stable tout en vivant à Paris. Pour de nombreux artistes à cette époque, le pastel était le choix préféré pour le travail de portrait - en particulier pour les portraits d'enfants - car ils pouvaient être manipulés avec plus de rapidité et de facilité, n'avaient pas d'odeur et permettaient de fréquentes interruptions. Dans les années 1880, elle a commencé à prendre la vie de famille comme sujet principal et a créé une série de pastels d'enfants avec leurs gardiens. En plus d'évoquer l'émotion et de partager ses propres points de vue sur les relations mère-enfant, Cassatt a présenté dans ces peintures pastel une technique innovante dont les artistes d'aujourd'hui peuvent s'inspirer. «Je pense que Mary Cassatt est une grande artiste à étudier pour sa magnifique utilisation des traits pastel», explique Flattmann. "Il est particulièrement intéressant de voir comment elle pourrait tisser des traits pastel linéaires audacieux sur ses figures et ses portraits tout en créant des formes solides, convaincantes et sensibles." Cela peut être vu dans Mère et enfant sur fond vert (maternité), dans lequel les traits donnent à la scène un sentiment de vitalité et de mouvement, ainsi que relient l'arrière-plan à la mère et à l'enfant.

Autoportrait
par William Merritt Chase, ca. 1884, pastel, 17¼ x 13½. Collection de la National Gallery of Art, Washington, DC.
Fin de saison
par William Merritt Chase, 1885, pastel, 13¼ x 17¾. Collection Mount Holyoke College Art Museum, South Hadley, Massachussetts.

William Merritt Chase

Le peintre américain William Merritt Chase (1849-1916) a travaillé dans une variété de médias, y compris l'huile, le pastel, l'aquarelle et la gravure. Cependant, ce sont ses portraits à l'huile pour lesquels il est le plus connu. Ses gardiens allaient des membres de sa propre famille aux hommes et aux femmes les plus importants de son époque. Formé à la National Academy of Design, à New York, et à la Munichs Royal Academy, en Allemagne, Chase a commencé à travailler au pastel à la fin des années 1870, tout comme le style munichois dans lequel il a été formé a commencé à tomber en disgrâce. Le travail de l’artiste au pastel est probablement dû à son exploration de la peinture en plein air lors de ses tournées dans différentes parties de l’Europe. La portabilité du pastel, ainsi que la richesse de la couleur et la rapidité avec laquelle les couleurs pouvaient être appliquées, le rendaient parfait pour travailler à l'extérieur et capturer la lumière que les artistes impressionnistes appréciaient tant.

En 1882, il a fondé la Society of American Painters in Pastel, qui comprenait des artistes tels que John Henry Twachtman, Childe Hassam et Robert Reid. La Société n'a duré que huit ans et a organisé quatre expositions, mais elle a attiré l'attention sur le pastel et l'a aidé à gagner le respect en tant que médium. Flattmann note dans son livre L'art de la peinture pastel (Pelican Publishing, Gretna, Louisiane) que Chase était l'une des pastelistes américaines les plus influentes. "Il a utilisé du pastel avec une fraîcheur et une vitalité rivalisant avec celles de n'importe quel maître européen", explique Flattmann. «Certains de ses pastels étaient très grands, jusqu'à six pieds de haut, et réalisés sur toile. Comme Degas, il mouille souvent son pastel et travaille ses pièces avec des pinceaux. » Les artistes pastel peuvent apprendre beaucoup de Chase, qui a combiné des qualités de dessinateur et de peintre à des degrés divers dans ses peintures pastel. Dans certaines pièces, sa main de dessinateur est mise en valeur, avec des traits visibles qui attirent l’attention du spectateur. Cela peut être vu dans son Autoportrait, où les reflets de son visage ne sont pas subtilement mélangés; au lieu de cela, chaque trait est mis en avant. Le travail de Chase a évolué au fil du temps, et il a expérimenté avec le médium, en travaillant avec une palette limitée et en utilisant diverses techniques. Une analyse des peintures pastel de Chase montre toutes les possibilités offertes par le médium non seulement au 19e siècle mais aussi aujourd'hui.

Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699 - 1779) était un maître peintre à l'huile qui travaillait de manière réaliste traditionnelle et qui prenait les natures mortes comme sujet prédominant. En grande partie autodidacte, il a été fortement influencé par les maîtres du Low Country du XVIIe siècle et, comme eux, il s'est consacré à des sujets simples et à des thèmes communs. L'œuvre de Chardins avait peu de choses en commun avec la peinture rococo qui dominait l'art français au XVIIIe siècle, et la réputation de l'artiste connut un plus grand succès après sa mort. À une époque où la peinture d'histoire était considérée comme la plus élevée de l'art public, Chardins peignait simplement des articles ménagers courants, ainsi que sa capacité étrange à dépeindre l'innocence des enfants de manière non sentimentale, attiraient toujours l'artiste un public appréciant en son temps et rendait compte de son attrait intemporel.

Vers la fin de sa carrière, Chardin a commencé à travailler dans les pastels, explorant des sujets au-delà de la nature morte. L'artiste a adopté le médium car sa vue commençait à faiblir, ce qui peut expliquer son application de la couleur dans les traits visibles plutôt que de les mélanger. Il a utilisé des formes simples et en bloc parfaitement organisées dans l'espace, et sa palette se composait principalement de tons de terre. Il était un maître des textures, des formes et de la douce diffusion de la lumière. Dans Autoportrait avec des lunettes, son utilisation de roses et de bleus sur la tête et la veste démontre sa volonté de jouer avec la couleur et de l'utiliser pour créer une ambiance intrigante. L'utilisation de traits larges, qui montre les artistes à l'œuvre, marque la fin du mélange fluide privilégié par les pastelistes traditionnels et a montré aux artistes ultérieurs dans quelle direction ils pouvaient aller avec le médium.

Jean François Millet

Arrosage des chevaux, coucher de soleil
par Jean-François Millet, 1866, crayon Conte pastel et noir sur papier vélin, 15 x 19. Collection du Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts.
Bergère et son troupeau
par Jean-François Millet, 1862, craie noire et pastel, 14 5/16 x 18 11/16. Collection J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Californie.

Né dans une famille d'agriculteurs, le peintre français Jean-François Millet (1814-1875) s'intéresse le plus à la peinture du quotidien de la paysannerie. Ses premiers travaux consistaient en portraits et scènes pastorales, mais c'est la peinture The Gleaners pour lequel il est le plus connu. Le tableau représente deux femmes ramassant les restes de la récolte, se baissant pour ramasser si peu. Ramasser ce qui restait de la récolte était considéré comme l'un des emplois les plus bas de la société, mais Millet offrait à ces femmes le centre héroïque de l'image; la lumière éclaire les épaules des femmes lorsqu'elles effectuent leur travail. Alors qu'il a été critiqué pour avoir présenté des tendances socialistes dans son travail, ses peintures sont apparues année après année au Salon de Paris.

À mesure que sa popularité augmentait dans les années 1860, Millet recevait régulièrement des commandes et, en 1865, un mécène commença à commander des pastels. De 1865 à 1869, il peint presque exclusivement au pastel pour une collection qui comprendra à terme 90 œuvres. Avec cette collection, Millett a exploré les possibilités et les limites du médium. «Il a été l'un des premiers à vraiment dessiner avec le médium et à utiliser des traits de couleur brisés, plutôt que de mélanger les couleurs de la même manière que le faisaient de nombreuses premières pastelistes», explique Flattmann. Beaucoup de ses photos ultérieures sont des paysages, avec la figure humaine entièrement absente. En vieillissant, l'artiste a préféré des procédés plus simples et plus directs tels que le graphite ou le pastel, plutôt que la peinture. Au lieu de la coloration lourde et sombre de plusieurs de ses peintures de la vie paysanne, Millet laissait souvent transparaître le papier teinté et utilisait sa couleur avec parcimonie dans ses pastels, mettant ainsi en avant son dessin.

Le sujet de l’artiste peut inspirer aujourd’hui des artistes qui peuvent être attirés par des sujets jugés controversés ou sans intérêt. L'utilisation du pastel comme outil de dessin et les traits de couleur évidents dans une grande partie de son travail au pastel non seulement attirent davantage l'attention sur son sujet, mais montrent également qu'un artiste a de nombreuses options lorsqu'il travaille au pastel.

Naomi Ekperigin est l'assistante éditoriale de Artiste américain.

Voir la vidéo: Présentation du matériel pour pastel, avec Sylvie Astier Claës, dit Soleillane (Octobre 2020).