Comment commencer

Débutant: Dessin Masters

Débutant: Dessin Masters

Comme on étudie le dessin, il peut être utile d'apprendre des maîtres qui l'ont précédé afin de s'en inspirer et de trouver des moyens d'aborder les défis qui se présentent. Pour ceux qui découvrent le dessin, plusieurs maîtres dessinateurs peuvent apprendre.

par Naomi Ekperigin

Portrait de Madame dHaussonville
par Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1842, graphite, 9 3/16 x 7¾.
Collection Le Musée d'art Fogg
à l'Université Harvard,
Cambridge, Massachusetts.

«Je crois que le dessin est le fondement de tout art», explique l'artiste Mary Reilly. De nombreux artistes pensent que les compétences en dessin sont cruciales pour travailler sur n’importe quel support, même si le dessin n’est pas l’intérêt principal. Dès le début, il y avait des artistes qui considéraient les dessins comme des œuvres achevées à part entière. Ces artistes ont encore élevé le médium et démontré l'étendue des opportunités disponibles pour ceux qui souhaitaient explorer davantage le dessin.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Le peintre néoclassique français Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867) est un dessinateur né. Dès son jeune âge, son père a développé ses compétences en dessin et, à 17 ans, Ingres est allé à Paris pour étudier avec Jacques-Louis David, qui était le «tsar de l'art» officiel de Napoléon pendant la Révolution française. Bien que profondément influencé par le peintre de la Renaissance Raphaël et un peintre doué lui-même, ce sont les dessins et portraits d'Ingres pour lesquels il est le plus connu.

Ingres a déménagé en Italie en 1808 après avoir remporté le Grand Prix de Rome, la meilleure bourse d’art de France. Là, il a perfectionné son métier, inspiré par le travail des maîtres anciens. Pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa femme, il a accepté des commandes de peinture de l'État et a réalisé des centaines de portraits en graphite pour les touristes, les dignitaires itinérants et les riches émigrés. Ces petits portraits sont «de grandes œuvres d'art, capturant un miracle de talent, de traits, de poses, de costumes, d'ambiance et de caractère», a écrit l'historien de l'art Stephen Longstreet. «Les gens sont réels. Ils respirent et existent solidement sur terre. »

Fiche Etudes des femmes pour Le bain turc
par Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1830,
plume, encre brune et graphite
sur deux feuilles jointes, 6¾ x 4¾.
Collection du Louvre, Paris, France.

La capacité de capturer la réalité était due à ses compétences techniques et à sa familiarité avec l'anatomie. Avec une telle connaissance innée de la forme humaine, l'artiste pouvait correctement rendre la draperie d'une manière qui suivait la forme du corps dans chaque pli et chaque pli. L'aptitude de l'artiste à saisir une ressemblance vient de son dévouement à l'exactitude, qu'il a développé à travers le dessin. Ingres était un tiroir compulsif, exhortant les élèves à dessiner avec leurs yeux lorsqu'ils ne pouvaient pas le faire avec un crayon. Pour ses portraits peints et muraux, il réalise parfois des centaines de dessins préparatoires. Il semblait trouver cette étape du processus plus satisfaisante que la peinture réelle des peintures murales, qu'il abandonnait parfois. «Les étapes étaient: étudier à partir de la vie, arracher la vérité à l'expérience, quadriller, agrandir, transporter sur toile, remonter, si nécessaire, au modèle pour tel ou tel détail», a écrit Avigdor Arikha dans J.A.D. Ingres: Cinquante dessins de vie du musée Ingres de Montauban, le catalogue d'une exposition au Museum of Fine Arts de Houston. "Demander au Comte de Pastoret ses gants ou remonter au bras gauche de Madame Moitessier, le dessiner grandeur nature pour le transposer directement sur la toile, y revenir encore et encore. C'est à ce moment qu'Ingres s'est enlisé. Il s'agissait d'une procédure trop élaborée, presque obsessionnelle, dont le but était de se rapprocher de la vérité sur la question. »

Les artistes de tous niveaux peuvent apprendre de l’attention qu’Ingres porte aux détails. Son éthique de travail était admirable et il a créé des dessins à la fois agréables sur le plan technique et émotionnels. "De tous les maîtres que j'ai étudiés, j'ai le plus apprécié le travail d'Ingres", explique Reilly. «Les matériaux préférés d'Ingres étaient le crayon graphite à pointe nette et le papier blanc lisse. Il pensait que la couleur n'était qu'un accessoire du dessin. Pour lui, le dessin n'était pas seulement la ligne. C'était l'expression, la forme intérieure, la composition et la modélisation. » C'est cette vision qui a influencé l'art moderne du XXe siècle et des générations d'artistes de Degas à Dinnerstein.

Femme nue assise
par Pierre-Paul Prudhon, 22 x 15.
Collection le métropolitain
Museum of Art, New York,
New York.

Pierre-Paul Prud’hon

Comme Ingres, Pierre-Paul Prudhon (1758–1823) est acclamé comme peintre, mais le dessin est le fondement de son œuvre. Connu à son époque pour ses peintures allégoriques et mythologiques, ce sont désormais ses dessins de figures qui inspirent et étourdissent les spectateurs. Étudiant en art à l'Académie de Dijon au début des années 1780, Prud’hon se consacre à la formation rigoureuse au dessin jugée nécessaire à tous ceux qui espèrent une carrière réussie en tant qu’artiste. Académies- des études de figures tirées du modèle vivant - étaient la façon dont les étudiants ont perfectionné leurs compétences, complétant des centaines de ces dessins au moment où ils étaient prêts à exercer leur profession. Le processus a pris des années et a éliminé un certain nombre d'aspirants, soit par manque de dévouement ou de talent. Bien que cette formation rigoureuse et longue puisse sembler fastidieuse aux étudiants d'aujourd'hui, ces dessins de figures ont été cruciaux pour les artistes, dont beaucoup ont créé ces études tout au long de leur carrière pour des idées et de la pratique.

Académie d'un homme assis
par Pierre-Paul Prudhon,
craie noire et blanche sur papier bleu, 14 9/17 x 10 ?.
Collection Museé Baron Martin,
Gray, France.

Prud’hon était l’un de ces artistes et, plus que ses contemporains, il s’est accroché aux académies tout au long de sa carrière. Ce qui est encore plus remarquable, peut-être, est que Prud’hon est venu à privilégier ces dessins de figures par rapport aux peintures achevées, alors même que sa carrière avançait. En 1788, l'artiste avait développé un style de signature de figures dessinées à la craie colorée sur papier teinté. Les dessins sont souvent construits en plusieurs couches, y compris des hachures et de larges passages de virage et de moignon. En mélangeant les lignes, les tons et diverses techniques, Prud’hon a présenté aux artistes toute la gamme des possibilités expressives de la craie et du papier. «Les études de Prud’hon véhiculent un fort sentiment d’émotion», explique Reilly. "Ses marques semblent lâches et libres, mais elles sont parfaitement placées." Selon l’artiste Kenneth Procter, "Prud’hon a réalisé des dessins où le noyau de l’ombre s’exécute comme une bande sur toute la longueur d’une pose, exposant toutes les nuances musculaires - c’est absolument magnifique." Avec sa connaissance du corps humain si profondément enracinée, il pouvait se concentrer sur son sujet et lui imprégner de vie, marquant rapidement et répondant immédiatement à ses propres pensées sans se soucier de l'anatomie ou de la vraisemblance.

Très jeune, Prud’hon a ajouté «Paul» à son nom, en l'honneur du peintre flamand Peter Paul Rubens (1577-1640), qui était également un maître dessinateur. Prud’hon partageait l’amour des artistes pour la figure humaine et une connaissance approfondie de l’anatomie, mais c’est là que s'arrêtent leurs similitudes. Rubens était un partisan du style baroque, connu pour son accent sur la couleur, les détails somptueux et le mouvement dynamique. Prud’hon, en revanche, a supprimé le mouvement dramatique et s'est concentré sur la façon dont la lumière se déplaçait à travers les formes. Cependant, ce que Prud’hon a appris de son prédécesseur est l’importance de créer constamment de nouvelles œuvres, quel que soit le style. Rubens était l'un des artistes les plus prolifiques et les plus diversifiés de son temps, avec une production qui comprenait des retables, des peintures d'histoire, des portraits et des paysages, ainsi que des illustrations de livres et des conceptions architecturales.

L'Assomption de la Vierge
par Peter Paul Rubens, ca. 1612,
encre brune et lavis brun,
couleur du corps blanc et craie noire sur brun
papier, 11? x 9 ?. Collection Albertina
Musée de Vienne, Autriche.
Jeune femme assise avec les bras levés
par Peter Paul Rubens, 1631-1632,
craie noire et rouge avec du blanc
rehaussement, 16 x 19 11/16.
Collection Staatliche Museen zu
Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Allemagne.

Peter Paul Rubens

De plus, l'artiste a produit des centaines de dessins, qui ont joué divers rôles de soutien dans son travail dès le début de sa carrière. En tant que jeune artiste, il a passé une grande partie de son temps à copier des chefs-d'œuvre; un déménagement en Italie en 1600 a déplacé son sujet vers le travail des maîtres de la Renaissance. Le but de dessiner des œuvres de Titien, Michel-Ange et Raphaël n'était pas simplement d'apprendre. Comme le note l'artiste-instructeur John A. Parks, «c'était en fait une tentative de fouiller l'iconographie et les compositions disponibles afin qu'il puisse amasser une bibliothèque personnelle d'images pour une utilisation ultérieure. Ce que l'artiste a le plus apprécié dans ces dessins n'était pas leur calligraphie personnelle ou leur qualité de rendu, mais simplement leurs informations de conception. »

Rubens a utilisé cette bibliothèque d'images pour inspirer les grands retables qu'il a été chargé de créer. Il commencerait ces grandes œuvres par un dessin préliminaire à la craie noire ou brune, puis il créerait une esquisse à l'huile. Après cela, l'artiste est retourné au dessin, réalisant de plus grandes pièces à partir de modèles vivants à l'aide de craie noire. Ce dessin plus grand lui a permis d'inclure plus de détails et de précision anatomique, et d'insuffler à son sujet une vivacité dont les artistes baroques étaient fiers.

Bien que Rubens ait probablement pensé peu à ses dessins, les artistes peuvent aujourd'hui tirer une grande partie de ses travaux préparatoires. Ses dessins ont enrichi ses peintures et l'ont aidé à chaque étape du processus. Quand il a finalement mis de l'huile sur toile, il avait une vision claire et était certain de la façon de l'exécuter. À travers le dessin, Rubens a élargi son vocabulaire visuel, lui permettant de créer des centaines d'œuvres brillantes.

Femme avec enfant mort
par Käthe Kollwitz, 1903, gravure.
Collection de la National Gallery of
Art, Washington, DC.

Käthe Kollwitz

Le peintre, graveur et sculpteur allemand Käthe Kollwitz (1867-1945) est peut-être mieux connu pour son sujet que pour son talent. Ses gravures, lithographies et dessins étaient principalement des gens de la classe ouvrière qu'elle voyait autour d'elle, et elle a présenté aux téléspectateurs des récits émouvants de la souffrance humaine et de la lutte. Sa profonde connexion émotionnelle avec ses sujets lui a permis de créer un art qui résonne encore aujourd'hui auprès du public et peut inspirer des artistes qui veulent aborder des sujets personnels et / ou politiques. «J'ai été impressionnée par les premiers travaux de Kollwitz et la profondeur de la forme qu'elle a tirée de ses nombreux dessins au trait», explique l'artiste et instructeur Dan Gheno. «J'ai également apprécié la force émotionnelle de son travail. Elle m'a appris que je pouvais aller bien plus loin que la forme de surface si je regardais en moi. »

Autoportrait
par Käthe Kollwitz, 1924, lithographie.

Kollwitz a souvent travaillé en cycles, abordant le sujet des soulèvements et des changements historiques. La première de ces séries était The Weavers, qui comprenait trois lithographies et trois gravures basées sur la dramatisation du dramaturge allemand Gerhart Hauptmann de la révolte ratée de 1842. Les œuvres de Kollwitz n'étaient pas une illustration littérale des faits historiques ou une adaptation de Hauptmann; au lieu de cela, elle s'est concentrée sur la misère, l'espoir et le courage des travailleurs. Lorsque ces pièces ont été exposées au public en 1898, l'artiste a reçu un large succès, et c'est toujours l'un de ses projets les plus célèbres. Cela a été suivi plus tard par sa série Guerre des paysans (1902-1908), basé sur la rébellion des paysans allemands de 1522-1525. Au moment de cette série, l'artiste était considérée comme l'un des graphistes allemands les plus importants de son époque.

En plus de varier son sujet, Kollwitz a exploré une gamme de techniques de gravure avec ces séries, y compris la photogravure, la gravure en creux et la lithographie couleur. A cette époque, elle simplifie son travail, laissant derrière elle son approche réaliste très détaillée au profit d'un récit d'émotion. C'est cet attachement aux thèmes humanistes et une connexion émotionnelle qui permettent de distinguer le travail de Kollwitz.

Portrait d'Igor Stravinsky
par Pablo Picasso, 1920,
graphite, Collection Museé Picasso,
Paris, France.

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881-1973) est un artiste de renommée internationale, qui a vécu en Europe à une époque mouvementée et a utilisé son art pour interpréter les changements rapides et parfois violents qui se sont produits autour de lui. Alors que l'artiste a réalisé des centaines de tableaux pour lesquels il est bien connu, ses dessins sont au cœur de son travail. «Le cœur de l’évolution de Picasso en tant qu’artiste et icône réside dans son travail de dessin - c’est là que son expérimentation et ses percées visuelles ont été générées», explique Lisa Dinhofer, artiste et enseignante. Artiste ayant une connaissance approfondie des fondamentaux et une formation académique approfondie, Picasso a pu déconstruire un sujet, le rendre dans le moins de lignes nécessaires, et arriver à son essence. «Il faut la connaissance détaillée d'un maître dessinateur pour représenter un objet dans sa forme la plus simple», explique Dinhofer. "Pas avec une marque Conté adoucie, pas avec une accumulation de hachures croisées pour le volume, pas dans des nuances de graphite en couches pour modéliser une zone, mais une ligne directe véhiculant toute forme et espace."

Nusch Eluard
par Pablo Picasso, 1938,
fusain et graphite sur toile.

Le dessin au trait de Picasso indiquait les formes intérieure et extérieure de son sujet, et il pouvait remplir le plan de l'image en supprimant les détails volumétriques. Cela peut être vu dans des portraits tels que Max Jacob, Portrait d'Erik Satie, et Helena Rubenstein. En regardant son expérimentation avec la ligne et les formes, les artistes peuvent comprendre comment Picasso a forcé les spectateurs à voir les objets de nouvelles façons, et repousse encore nos limites aujourd'hui. Son chef-d'œuvre Guernica, créé en 1937, incarne les théories changeantes de l'artiste et l'expérimentation de la ligne. Comme le note Dinhofer, «La composition est basée uniquement sur la juxtaposition de l'espace et de la ligne. L'intérieur et le paysage représentés sont aplatis, poussant chaque silhouette au premier plan. Le résultat est un assaut écrasant… accompli avec une ligne audacieuse et ininterrompue, des formes découpées et un plan d'image compressé. »

Les artistes de tous niveaux peuvent regarder le travail de Picasso et apprendre quelque chose de nouveau à divers moments de leur exploration artistique, tout comme l'artiste lui-même a changé au fil du temps. «Picasso est souvent décrit comme étant fondamentalement un dessinateur», explique Procter. «Ses dessins sont virtuoses, étonnamment variés dans leur technique et fabuleusement inventifs.» Picasso a déconstruit son sujet à l'essence de la ligne, montrant aux téléspectateurs et aux artistes que le dessin est vraiment le fondement de l'art.

Naomi Ekperigin est l'assistante éditoriale de Artiste américain.


Voir la vidéo: 10 ASTUCES pour bien DESSINER! (Octobre 2021).