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Conseils de peinture de paysage

Conseils de peinture de paysage

Pendant près de 30 ans à interviewer des paysagistes pour Artiste américain, M. Ici, il prend le meilleur de ces connaissances glanées et les distille en sept conseils utiles pour les peintres en plein air.

par M. Stephen Doherty

Matin brumeux, Trinchera
par M. Collection l'artiste.

Je demande souvent aux abonnés quels articles ils se souviennent d'avoir lus et appréciés, car leurs réponses m'aident à commander des fonctionnalités qui susciteront la même réaction positive. La première fois que j'ai posé cette question, en 1979, au moins une douzaine de personnes se sont souvenues d'un article du numéro de juillet 1972 de Susan E. Meyer, rédactrice en chef du magazine, dans lequel elle décrivait comment les 11 membres du Fairfield Watercolour Group peignaient leurs vues individuelles d'une ferme du Connecticut un jour d'octobre. Les souvenirs clairs de cet article informatif m'ont incité à m'intéresser aux peintres de plein air et à organiser des groupes d'artistes qui trouveraient leurs propres façons de répondre à un sujet paysager commun.

Au cours des 29 années suivantes, j'ai suivi des artistes sur des sentiers de montagne, le long de côtes rocheuses, sur des toits, à côté de bâtiments historiques, à l'intérieur de jardins luxuriants et le long de sentiers enneigés avec mon appareil photo et mon bloc-notes. J'ai essayé de savoir ce qui les attirait dans les lieux, comment ils sélectionnaient et préparaient leurs matériaux de peinture, pourquoi ils développaient leurs images d'une certaine manière et quels conseils ils offriraient aux autres intéressés par la même activité. Certains présentaient des artistes peints à l'aquarelle, d'autres à l'acrylique, quelques-uns à la caséine et au pastel, beaucoup à l'huile, et pas mal de photos prises pendant qu'ils dessinaient et peignaient. J'ai appris quelque chose de précieux de chacun de ces artistes, et mon intention est de partager ce que j'ai appris tout en assurant aux lecteurs que le processus pour devenir un peintre compétent est aussi difficile et lent qu'il est agréable et gratifiant. Même après près de 30 ans d'études avec les meilleurs artistes, j'ai encore beaucoup à apprendre sur le processus de création d'œuvres d'art à partir de ce que mes yeux observent, mon esprit interprète et mes mains exécutent. Bien que les recommandations que je propose ici puissent sembler mûrement réfléchies et légèrement profondes, elles représentent ma lutte constante pour améliorer la qualité de mes peintures.

Coucher de soleil sur la vallée de l'Hudson
par Frederic Edwin Church, 1870, mine de plomb et huile sur carton mince de couleur crème, 11 1/8 x 15¼. Collection National Museum of Design, New York, New York.

Les artistes qui ont probablement eu la plus grande influence sur mon approche de la peinture à l'huile sont les artistes contemporains Thomas S. Buechner, Clyde Aspevig, Joseph McGurl, et Jack Beal; ainsi que les grands peintres du XIXe siècle Jean-Baptiste-Camille Corot (1796–1875) et Église Frederic Edwin (1826–1900). Buechner m'a montré comment intégrer la peinture en plein air dans un horaire de travail chargé, Aspevig m'a aidé à identifier des sujets intéressants dans des endroits inattendus, McGurl a montré comment gérer la peinture pour créer l'illusion des détails et Beal m'a ouvert les yeux sur des compositions dynamiques. Et quand j'ai eu l'opportunité d'être nez-à-toile avec un Corot ou une peinture d'église, j'ai été humilié par la capacité de l'artiste à créer le sentiment que je me tiens avec lui dans un paysage, partageant les expériences créées par la lumière et l'atmosphère.

J’ai toujours été réticent à reproduire mes propres œuvres Artiste américain parce que je ne voulais pas confondre la mission du magazine avec mon agenda personnel. Bien que je puisse façonner le contenu de la publication, j'essaie de rester concentré sur l'intérêt supérieur des lecteurs. Cependant, les gens m'ont exhorté à discuter de mes œuvres d'art comme un moyen de personnaliser le magazine et de faire savoir aux lecteurs que je partage leur passion. Je me suis mis d’accord avec ce point de vue.

L'automne à l'église baptiste de Kent
par M. Collection l'artiste.

Je dois également avouer que, comme beaucoup d'entre vous, j'espère que mes œuvres vivront au-delà de moi comme le témoignage d'une personne qui a vu les choses de manière créative et, peut-être, poignante à un moment donné. Par exemple, il y a toutes sortes de raisons que j'ai peintes L'automne à Kent Baptist Church, certains ayant à voir avec la beauté de la scène d'automne et d'autres concernant le bâtiment de l'église, le cimetière et les feuilles qui tombent comme symboles de vie, de mort et de renouvellement. Ce que vous ne pouvez pas savoir en regardant le tableau, c'est que j'étais dans un accident de voiture mineur sur ce site en 2006. Je suis retourné sept mois plus tard pour me tenir à l'endroit exact où ma voiture a heurté une plaque de glace et a volé dans le bois le long de l'allée de l'église. Je suis parti indemne mais conscient de combien la vie peut changer en une fraction de seconde.

Pourquoi je vous charge de ces détails? Parce que je veux souligner que pendant que j'écris sur les meilleures procédures pour peindre des images, je me joins à vous dans la recherche d'un langage visuel qui aidera à exprimer plus clairement les idées. J'ai eu la chance de passer du temps avec des artistes qui sont brillants dans ce domaine, et j'espère pouvoir partager une partie de ce qu'ils m'ont généreusement donné.

Voici quelques-uns des conseils spécifiques que j'ai reçus qui m'aident à peindre:

IMAGINEZ OERE, QUAND ET COMMENT VOUS PEINDREZ

Aspen Road
par William Hook, 2004, acrylique, 24 x 36.

William Hook a peint ce paysage lors d'un cours présenté dans le premier numéro de Atelier.

John Singer Sargent a peut-être pu commencer à peindre à n'importe quel endroit ou à n'importe quelle heure de la journée, mais le reste d'entre nous doit sélectionner un emplacement de peinture en fonction de l'heure de la journée, de la saison de l'année et des conditions qui prévalent. Un endroit peut être inspirant le matin et ennuyeux l'après-midi, ou l'emplacement peut nécessiter plus de temps pour peindre que ce qui est disponible. Il est donc important de prendre en compte les conditions de peinture susceptibles d'être aux différents endroits que vous envisagez. La plupart des professionnels prennent note des lieux qu'ils traversent et essaient de se souvenir du meilleur point de vue et du moment optimal pour revenir.

Thomas S. Buechner, qui est l'un des artistes les plus cités que j'ai rencontrés, a déclaré: "Plus je vieillis, plus le sujet le plus proche de la salle de bain devient attrayant." Il plaisantait, bien sûr, mais il essaye d'éviter de passer trop de temps à chercher le lieu de peinture «parfait» car il y a toujours une variété de choix disponibles, certains plus pratiques que d'autres. Matthew Daub et William Hook ont eu à peu près le même conseil lorsqu'ils ont mis en garde contre l'attente que le paysage serait plus vert ou plus pittoresque de l'autre côté de la colline. Clyde Aspevig, un homme d'une motivation personnelle intense, choisit des endroits où il peut créer plusieurs bonnes peintures sans avoir à emballer et déplacer son équipement.

CONSIDÉRER LA DIRECTION DE LA LUMIÈRE À VOTRE LIEU CHOISI

Forêt de Fontainebleau
par Jean-Baptiste Camille Corot, 1834, huile. Collection National Gallery of Art, Washington, DC.

La plupart des peintures en plein air prennent plusieurs heures à terminer, il est donc utile de réfléchir à ce qui arrivera à l'angle et à l'intensité de la lumière pendant que vous peignez sur un site particulier. La lumière du soleil traversera-t-elle la surface de la peinture et créera-t-elle des reflets indésirables? Les nuages ​​disparaîtront-ils et créeront-ils un contraste net dans le motif de la lumière du soleil et de l'ombre? La distinction entre les couleurs chaudes et froides deviendra-t-elle plus prononcée lorsque le soleil commencera à se coucher?

Bien sûr, les artistes n'ont pas besoin d'être esclaves des conditions météorologiques. Une fois qu'une bonne peinture est en cours, les expériences peuvent les guider vers sa réussite. "Mentez, trichez et volez", dit Jack Beal en riant. Il entend par là que les artistes ne sont pas obligés de peindre exactement ce qu'ils observent. En fait, la composition consiste à abstraire le monde tridimensionnel sur une surface bidimensionnelle. "Si Corot et Albert Bierstadt peut vous aider, alors laissez-les certainement ", conseille Beal.

VERBALISEZ CE QUE VOUS VOULEZ VOIR

De nombreux enseignants expérimentés demandent aux élèves d'écrire ce qu'ils veulent transmettre aux téléspectateurs et de coller ce morceau de papier sur leurs chevalets. Le point est de rester concentré sur l'aspect le plus important de votre image. Chaque fois que vous faites une pause, relisez le message et évaluez si vous atteignez votre objectif central. «Je recommande généralement aux étudiants d'écrire ces messages sur une carte 3 x 5 afin qu'ils soient courts, simples et spécifiques», explique Sondra Freckelton. «Lorsque je m'arrête pour passer en revue les progrès des élèves, je leur demande s'ils développent leurs peintures d'une manière qui transmettra le message sur la carte. S'ils ne le sont pas, nous parlons d'éléments de l'œuvre d'art qui peuvent prêter à confusion dans le message. Je préfère parler des matériaux et des techniques dans le contexte de cet objectif ciblé. »

PLANIFIER LA COMPOSITION, LES VALEURS, LES LIGNES, LES FORMES ET LES COULEURS

Vue primordiale du mont. Blanca
par M. Collection l'artiste.

Il existe de nombreux aspects importants de la peinture, mais ceux qui sont le plus souvent abordés dans les articles de magazines, les cours d'art et les ateliers de peinture sont ceux qui affectent les arrangements de composition des éléments abstraits. Les instructeurs parlent de la valeur relative et de la température de couleur car ils séparent un arbre d'un autre, le premier plan de l'arrière-plan et la lumière du soleil des zones d'ombre. Ils demandent également aux élèves de réfléchir à la façon dont les directions impliquées par les routes, les clôtures, les rivières et les chemins dirigent l’attention des téléspectateurs vers et autour d’une image; et ils montrent comment la répétition des couleurs et des motifs peut créer un sentiment d'unité et d'harmonie dans une image.

Jack Beal parle de composition chaque fois qu'il a l'occasion de s'adresser aux étudiants, et je souhaite que ses idées soient plus largement diffusées et comprises car elles peuvent aider les artistes à créer des peintures plus excitantes et engageantes. Il va au-delà du conseil évident de garder le point focal d'une peinture loin du centre et de schématiser le flux directionnel des formes et des lignes. Il montre aux élèves comment utiliser plus efficacement l'espace positif et négatif, comment équilibrer les formes qui déplacent les spectateurs dans une image et les faire ressortir, et il encourage les artistes à plier, tordre et alléger les formes pour que la composition soit plus efficace. Par exemple, il pointe des artistes de la Renaissance et du baroque qui ont établi des formes triangulaires, circulaires ou trapézoïdales sous-jacentes et arrangé les figures, les objets et les formes naturelles dans leurs peintures pour s'adapter librement à l'intérieur de ces formes géométriques. Par exemple, je pensais aux conseils de Beal quand j'ai composé ma peinture L'automne à Kent Baptist Church et a utilisé une série de formes triangulaires pour diriger les téléspectateurs et leur laisser un sentiment de malaise à propos d'une scène autrement agréable.

SCULPT AVEC PEINTURE

Le vignoble de Pietra Santa
par Randall Sexton, 2006, huile, 11 x 14. Collection de l'artiste.

Ci-dessus est une démonstration que Sexton a réalisée dans un atelier présenté dans le numéro de l'automne 2006 de Atelier.

Randall Sexton m'a appris à faire plus attention à la quantité de peinture que j'applique à une peinture, et Matt Smith m'a montré les avantages de «sculpter» le mouvement directionnel de la peinture à l'huile avec un pinceau. Les deux artistes offraient les mêmes conseils que la plupart des instructeurs: travailler des applications de peinture fines à épaisses, laisser les ombres minces et les reflets épais et déplacer le pinceau comme s'il suivait la topographie du paysage.

L'intérêt de tous ces conseils est de reconnaître que la densité, la texture et la translucidité de l'huile affectent la perception des objets ou des lieux que nous représentons dans nos peintures. Ce point n'a jamais été plus clair pour moi que lorsque j'ai vu une exposition de Jacob Collins«de superbes peintures de personnages aux Hirschl Adler Galleries, à New York, en octobre 2006. Les ombres chaudes et brun rougeâtre sur le corps des nus couchés étaient si fines que je pouvais voir les lignes de graphite que l'artiste avait dessinées pour identifier les bords de ces formes, et les couleurs d'arrière-plan sombres derrière les figures sont devenues plus minces et plus chaudes à mesure qu'elles montaient au bord des reflets épais sur la chair. Ces manipulations subtiles du volume et de la température des couleurs à l'huile ont créé une lumière rougeoyante dans les images.

Jardin Squeteague Harbour
par Joseph McGurl, huile, 9 x 12. Collection privée.

Joseph McGurl ne dirige que deux ateliers sur le paysage par an, et l'une de ces classes a été présentée dans le numéro du printemps 2007 de Atelier.

Le même jour, j'ai vu l'exposition Collins, je me suis arrêté pour une exposition des paysages de Joseph McGurl aux Hammer Galleries, également à New York, et j'ai été fasciné de voir comment il a construit la texture de la peinture décrivant les premiers plans de sa Nouvelle-Angleterre. scènes. Dans certains cas, il a utilisé une toile grossièrement tissée qui pouvait être rendue lisse avec des applications épaisses de couleur à l'huile ou laissée dans un état rugueux. Dans d'autres situations, il a texturé le gesso acrylique sous-jacent sur les panneaux afin que même une fine application de couleur à l'huile se lise comme une texture brossée. Et une partie de la peinture utilisée pour établir les premiers plans a été soit giflée avec un couteau à palette, mélangée avec du sable ou de la pierre ponce, ou jetée juste avant qu'elle ne soit complètement sèche, de sorte que les coups de pinceau étaient moins évidents.

ALLEZ PLUS LOIN

Quelqu'un m'a dit une fois qu'il valait mieux travailler intelligemment que dur, ce qui signifie que l'utilisation de son cerveau est généralement plus efficace et plus efficace que l'utilisation de ses muscles. Mais j'ai souvent remarqué que ce qui rend une peinture exceptionnelle et une autre assez moyenne, c'est le temps et les efforts que l'artiste a consacrés à l'image. Autrement dit, les peintures peuvent s'améliorer considérablement lorsque les élèves sont prêts à recommencer si leur dessin sous-jacent se révèle inexact; pour passer plus de temps à mélanger la bonne valeur plutôt que de ramasser ce qui se trouve sur leur palette; ou pour ajouter une plus grande quantité de détails à une image, en particulier près du point focal. Parfois, l'efficacité n'est pas une qualité admirable et l'impatience est une pierre d'achoppement. Je le sais parce que j'ai l'habitude d'être très impatient, mais je me rappelle qu'il est inutile d'empiler une peinture de plus médiocre sur la pile assise dans mon sous-sol. Si je ne suis pas prêt à prendre le temps nécessaire pour faire une photo exceptionnelle, alors il ne sert à rien d'en commencer une nouvelle.

Camions tracteurs, Trinchera
par M. Collection l'artiste.

PROFITEZ DE L'EXPÉRIENCE

La peinture est un travail difficile, et l'amélioration de ses œuvres est une quête de toute une vie, mais la plupart des gens sont impliqués dans le processus parce qu'ils aiment être dans la nature, partager une journée agréable avec des amis, se mettre au défi d'apprendre des grands artistes du passé et présenter et documenter un moment et un lieu de leur vie. Certains des artistes que j’ai rencontrés gagnent leur vie en créant et en vendant ce genre d’images, et certains maintiennent des emplois salariés et des obligations familiales tout en nourrissant leur passion pour la peinture. Chacun d'entre eux s'est senti béni d'avoir quelques heures ou un nombre illimité de jours pour participer à une activité qui engage des artistes depuis des centaines d'années.

Voir la vidéo: Comment bien choisir ses toiles dartiste pour vos tableaux (Septembre 2020).