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Viser le détail de l'atmosphère dans les paysages

Viser le détail de l'atmosphère dans les paysages

Le Californien Dennis Doheny crée de superbes paysages pétroliers en mettant l'accent sur les conditions atmosphériques, en dramatisant le motif de la lumière et de l'ombre, et en «jouant» avec la couleur tout en affinant les détails.

Doheny a mis un tapis Fome-Cor autour de son étude en plein air pour Lakeside Reflections pour isoler sa vue.

par M. Stephen Doherty

Dennis Doheny sait dans un jour ou deux après avoir commencé une nouvelle peinture si elle réussira ou devra être jetée. Bien qu'il ne puisse y avoir que de minces voiles de couleur sur la toile de lin apprêtée à l'huile, l'artiste sait s'il a une composition efficace de formes et d'atmosphère si cruciale pour ses paysages. "Si le potentiel n’existe pas, je mets la peinture de côté et je passe à une autre", explique-t-il. «Plus tard, je pourrai revenir à l'image si une solution me vient à l'esprit, mais souvent je déchire simplement la toile des barres de civière. J'ai appris à la dure qu'il est inutile de lutter avec une peinture condamnée. "

Le matériel source utilisé par Doheny pour développer ces paysages spacieux comprend des études en plein air, des photographies et sa mémoire. Bien qu'il apprécie travailler directement à partir de la nature, il ne pense pas qu'il est bon pour le travail en plein air, probablement parce qu'il a toujours apprécié le type de détails difficiles à réaliser en trois ou quatre heures sur place, et parce que la demande pour son les peintures d'atelier sont si grandes qu'il a rarement le temps de s'aventurer loin de sa maison à Santa Barbara. «Je vais sur le terrain et je fais un croquis à l'huile très lâche ou un dessin au graphite, généralement lorsque je pars en camping», explique-t-il. "Je ne travaille pas sous un parapluie, donc je finis par plisser les yeux et cela rend plus difficile de se concentrer sur les détails. Cela a également tendance à fausser la température de couleur, et je me retrouve avec des peintures qui semblent trop cool quand je les amène dans l'atelier. Je réchauffe les couleurs en développant de plus grandes peintures d'atelier à partir de ces études. Pour toutes ces raisons, je ne vends généralement pas les tableaux en plein air.

"Comme vous pouvez le voir sur la photo, je trouve utile de mettre un tapis Fome-Cor autour du panneau après avoir travaillé dessus pendant quelques heures, car cela m'aide à isoler ma vue de tout le reste de mon champ de vision, »Ajoute Doheny. "J'ai des tapis Fome-Cor dans des tailles allant de 9 x 12 à 50 x 50 que j'utilise à la fois sur place et en studio. Quand ils sont placés autour des toiles ou des panneaux, j'étudie la composition et prends des notes mentales sur les changements qui aideront à amener l'image à un meilleur degré de résolution. Parfois, j'augmente le contraste dans les valeurs ou je diminue le degré de contraste, selon ce qui, selon moi, améliorera l'image. »

Approche de la ligne de neige
2006, huile, 24 x 24. Toutes les illustrations de cet article sont une gracieuseté de William A. Karges Fine Art, Beverly Hills et Carmel, Californie, sauf indication contraire.

Les photographies servent également de matériel source utile dans le studio, bien que Doheny souligne qu'il ne les utilise que pour résoudre les détails - pas les compositions globales. "En fait, l'image la plus utile est celle que j'évoque dans mon esprit après avoir pensé à un endroit que j'ai remarqué et dont je me souviens, ou que j'ai dessiné ou photographié", explique-t-il. «Je commence juste à peindre des lavages minces et chauds sur la surface en réfléchissant à la façon dont le site m'a impressionné, et j'ajuste les formes jusqu'à ce que je commence à obtenir une composition qui fonctionnera bien. Je suis guidé par l'intuition et l'expérience plutôt que par des règles de composition spécifiques, mais je suis néanmoins conscient de guider les spectateurs dans les peintures, en utilisant un contraste de valeurs pour établir un centre d'intérêt et contrôler les bords durs et mous.

«Petit à petit, je commence à construire la peinture et à introduire une gamme de couleurs plus large», poursuit Doheny. «Je joue avec les couleurs chaudes et froides jusqu'à ce qu'elles paraissent correctes, et je passe à des brosses plus petites et plus douces en me concentrant sur les formes et les détails plus petits. Si l'on devait s'approcher de la toile, il deviendrait évident que je manipule beaucoup de couleurs différentes pour faire passer les détails, mais je veux que toutes celles-ci se mélangent le plus loin possible de la peinture. Je ne suis pas un impressionniste qui laisse des traits de couleurs évidents et audacieux, mais je continue de modifier et d'ajuster les couleurs pendant que je travaille. Par exemple, la grande formation rocheuse dans Approaching Snow Line ressemble à une grande zone de couleur gris bleuâtre dans la reproduction, mais c'est en fait un conglomérat de beaucoup de couleurs étroitement liées, dont certaines ont plus de rouge, jaune ou bleu que ceux à proximité. «J'ai récemment vu une exposition à Santa Fe de peintures du début du XXe siècle par des peintres de Taos, et j'ai été frappé par le fait qu'ils avaient une technique similaire d'utiliser une large gamme de pigments pour enrichir leurs peintures.»

Silent Sierra
2008, huile, 24 x 24.

Doheny cite Kevin Macpherson quand il décrit l'évolution progressive de ses peintures à l'huile. "Kevin parle de commencer une peinture puis de corriger ce qui ne va pas, et je me retrouve souvent à faire exactement cela", explique-t-il. «Pour moi, c'est un processus d'élimination dans la mesure où je continue de me concentrer sur les éléments qui ne fonctionnent pas bien, de les corriger, puis de réévaluer l'image après avoir apporté ces modifications. Je m'arrête une fois que je me suis enfin fait plaisir. C’est tout ce qu’un peintre peut faire car il n’existe aucun moyen de peindre dans le but de répondre aux exigences d’un collectionneur, d’un marchand ou d’un autre artiste. »

À l'occasion, Doheny expérimente de nouveaux sujets, techniques ou matériaux. «La plupart de mes paysages présentent de vastes espaces ouverts, mais parfois je crée une image telle que Silent Sierra, dans laquelle j'essaie de capturer un paysage brumeux et peu profond en utilisant essentiellement la même palette et les mêmes techniques de peinture. Je n'ai jamais été intéressé par la peinture de petits espaces intimes, car la quantité de détails que j'ajoute à une image transformerait ce genre de sujet en une image irréaliste. C'est-à-dire que je dois équilibrer l'extrême détail avec des zones de formes douces et généralisées afin de présenter une vision convaincante de la nature. »

À propos de l'artiste
Dennis Doheny est un Californien de troisième génération qui a grandi avec un amour de l'art, est diplômé du Pacific Palisades High School et a travaillé pendant 10 ans comme illustrateur avant de s'établir comme artiste fin professionnel. Il a remporté la première place au Concours Plein Air du Carmel Art Festival 1998; le Prix Frederick Remington au Prix de West en 2006 et 2008; le Grandville Redmond Memorial Purchase Prize lors du premier salon de printemps de l'actuelle California Art Academy and Museum, à Pasadena, en Californie; et le prix d’achat au Quest for the West Show inaugural du musée Eiteljorg en 2006. Il est un membre emblématique du California Art Club et est représenté par William A. Karges Fine Art, à Beverly Hills et Carmel, en Californie. Pour plus d'informations sur Doheny, visitez www.dennisdoheny.com.

Couleur Californie
2008, huile, 20 x 24.
Gardien du lac
2006, huile, 34 x 34. Collection du Musée Eiteljorg des Indiens d'Amérique et d'art occidental, Indianapolis, Indiana.
Mountain Light
2008, huile, 24 x 30.

Voir la vidéo: Aux Frontieres De LUnivers Vrai documentaire (Septembre 2020).