Dessin

Aquarelle: création d'une luminosité en profondeur

Aquarelle: création d'une luminosité en profondeur

Ali Cavanaugh a découvert un panneau recouvert d'argile qui accepte la watermedia et l'aide à créer des peintures de figures richement nuancées.

Un bateau pour vous dans mes bras
2008, aquarelle, 30 x 30.
Avec la permission de la galerie Wally Workman,
Austin, Texas.

par Lynne Moss Perricelli

Ali Cavanaugh préfère l'aquarelle comme médium, mais son approche ressemble plus à celle d'un peintre à l'huile. Une telle approche à forte intensité de main-d'œuvre et une application non conventionnelle de la watermedia nécessitent une surface spéciale, que Cavanaugh a découverte dans Ampersand's Aquabord, un panneau de plâtre bercé de contreplaqué de bouleau et recouvert d'argile de kaolin. L'artiste décrit la surface comme «caillouteuse», véhiculant une texture riche qui tient bien la peinture. Mieux encore, la surface humide permet à la peinture de rester utilisable sur une longue période de temps.

Cavanaugh commence tout nouveau travail en organisant d'abord une séance photo. Ses modèles sont généralement sa fille et ses nièces, et elle les habille avec des vêtements de sa propre collection de tissus vintage. «La magie pour moi est d'habiller la silhouette et de faire la séance photo», explique Cavanaugh. "La partie créative de mon processus consiste principalement à capturer la figure dans une pose émotionnelle." Elle passe beaucoup de temps à décider de ce que la silhouette portera. «Les vêtements donnent le ton, mais plus important encore, ils me permettent de rapprocher les deux choses que j'aime le plus: le tissu et la silhouette. Peindre le tissu et les motifs me motive. »

Chérubin à Marimekko
2008, aquarelle, 30 x 22.
Collection de l'artiste.

Installant son appareil photo numérique sur un trépied, elle prend entre 200 et 300 photos. Elle engage le modèle dans la conversation pour trouver une pose naturelle et convaincante. Elle télécharge ensuite les photos sur son ordinateur, où elle peut les visualiser et les manipuler avec le logiciel Photoshop. «Je choisis une photo ou quelques photos et je les assemble», décrit l'artiste. «J'élimine certains éléments, je change tout en noir et blanc. Je coupe et colle à partir d'autres photos, en gardant tout sur l'écran. »

Une fois qu'elle a déterminé la composition, elle sélectionne un panneau et fait un dessin au graphite clair. Elle mouille ensuite la surface et commence à peindre. Le graphite se dissout lorsque l'eau et le pigment entrent en contact avec la surface. «Je n'ai pas de formule définie», explique-t-elle. «Chaque tableau commence à sa manière. Parfois, je travaille du clair au sombre, parfois non. " Cavanaugh compare son processus à la tempera aux œufs en ce qu'elle utilise plusieurs petits traits pour créer la couleur en couches, et bien qu'elle réponde au travail au fur et à mesure de sa progression, le processus est lent et méticuleux. Elle commence généralement par un plat de 1 sable à poser dans les zones d'arrière-plan, puis utilise des pinceaux plus petits, jusqu'à un .2. «Je passe environ quatre pinceaux par peinture», note-t-elle. "La texture semblable à du papier de verre de la surface use rapidement les brosses."

Elle dispose ses peintures - de Daniel Smith, pour la plupart - sur des carreaux de céramique en grappes de couleurs: une pour la peau, une pour les cheveux et une pour le tissu. Après avoir vaporisé les peintures pour les garder humides, elle ajoute beaucoup d'eau au pigment et mélange un peu de couleur sur la palette. Elle permet à chaque couche de peinture de sécher avant d'appliquer la suivante, ce qui empêche les couches précédentes de se soulever. Ses tons de peau se composent généralement de divers degrés des peintures suivantes: ocre jaune, lumière rouge cadmium, rouge cadmium moyen, une variété de violets, vert sève, terre d'ombre brûlée, terre de Sienne brûlée et brun Van Dyck. En peignant les tissus, elle superpose des couleurs complémentaires pour créer de la profondeur. Pour les tissus gris, elle associe le noir lampe, le gris Payne, l'indigo et le bleu céruléen.

Deux fois
2007, aquarelle, 12 x 12.
Collection privée.

Pendant que Cavanaugh dépose la peinture, elle retravaille certaines zones si nécessaire en retirant la peinture avec des pinceaux propres et des serviettes en papier. Elle retire également les faits saillants et fait d'autres ajustements. "Je ne sais pas comment l'expliquer autrement que de dire que je vais juste y aller et superposer la peinture. Je continue de travailler jusqu'à ce que ça a l'air bien », dit-elle. Une peinture comprend généralement jusqu'à 50 couches. Lorsqu'une pièce est terminée, Cavanaugh applique trois à quatre couches de spray acrylique mat pour sceller et protéger la surface, en utilisant trois couches de Minwax Polycrylic sur les côtés du contreplaqué. Elle accroche les petites pièces avec un cintre en dents de scie à l'arrière du berceau et des pare-chocs en caoutchouc en bas pour que la pièce soit parfaitement accrochée au mur. Les pièces plus grandes nécessitent des anneaux en D à l'arrière du berceau et un fil pour accrocher.

Cavanaugh pense que son intérêt pour la figure trouve son origine dans sa perte auditive, qui a résulté d'une méningite vertébrale à l'âge de 15 mois. «J'ai une petite quantité d'audition dans une oreille», dit-elle, «mais dans le monde, je dois dépendre de la lecture des lèvres et du langage corporel. Cela m'a rendu très sensible aux autres, à la langue tacite de la figure. J'adore la structure de la figure, mais la dimension invisible de la figure est ce qui me frappe si profondément. » Elle a commencé à peindre des portraits commandés au lycée, et même au collège, elle est toujours revenue à la figure. En 2004, après la naissance de sa fille, la figure a pris un sens encore plus grand lorsqu'elle a observé la croissance de sa fille et comment elle lui faisait penser à sa propre enfance. La création d'images de filles a présenté «un point d'entrée dans mes propres expériences passées», dit-elle.

Mettre la perfection
2008, aquarelle, 30 x 22.
Collection de l'artiste.

L'artiste, même depuis l'école d'art, est connue pour son utilisation de l'espace négatif. «Je surestime l'espace négatif», dit-elle, «et je suppose que c'est parce que cela apaise la composition. Cela crée un silence. C'est peut-être à cause de ma perte auditive. C'est peut-être juste pour isoler la figure, tout comme quand quelqu'un me parle, je dois me concentrer complètement sur cette personne. "

En plus de préparer les peintures pour une exposition solo au Portugal cet été, Cavanaugh prévoit une nouvelle série d'images en accéléré. Jusqu'à présent, elle a quatre sets, toujours aux premiers stades, dans lesquels elle montre la même figure à différents moments. Elle aimerait également coudre ses propres vêtements pour les séances photo. «Je me limite en ce moment aux vêtements dans les magasins», explique-t-elle, «mais je voudrais commencer à couper des vêtements et à les recoudre. J'adore les vêtements à l'envers: les coutures, les fils. Je veux jouer avec eux et être plus créatif avec le tissu. »

Il ne fait aucun doute que cet artiste trouvera un moyen de s'approprier à la fois le processus et les peintures. C’est ce qu’elle a toujours fait.

À propos de l'artiste
Ali Cavanaugh, basé à Ste. Genevieve, Missouri, a obtenu son B.F.A. du Kendall College of Art and Design, à Grand Rapids, Michigan. Son travail fait partie de plus de 300 collections privées et a remporté de nombreux prix. Elle est représentée par la galerie d'art contemporain Seven-o-Seven, à Santa Fe; Wally Workman Gallery, à Austin, Texas; Galerie Bering James, à Houston; Linda Ross Gallery, à Memphis; et Corte-Real Artes Decorativas, en Algarve, au Portugal. Pour en savoir plus sur l'artiste, visitez www.alicavanaugh.com.

Lynne Moss Perricelli est la chef de projet de Aquarelle.

Voir la vidéo: Tutoriel Photoshop CS6 - changer le ciel et sublimer le paysage - partie 1 (Septembre 2020).