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En Plein Air: une conversation avec Matt Smith

En Plein Air: une conversation avec Matt Smith

par Allison Malafronte

Chaque mois, je vous autorise à entrer dans mon cube pendant quelques minutes et à «écouter» une conversation que j'ai eue avec un peintre de plein air de haut niveau. J'essaie de poser à l'artiste les questions que je pense que vous, en tant que peintres professionnels en plein air en herbe ou amateurs sérieux, voudriez avoir une réponse, et je suis toujours ravi de partager les réponses intéressantes et inspirantes que ces artistes talentueux offrent.

Ce mois-ci, je suis très heureux de partager la conversation que Matt Smith et moi avons eue sur son style de peinture, son succès en tant qu'artiste et où il voit sa carrière se diriger dans le futur. En plus de couvrir les sujets que nous devons tous apprendre pour nous améliorer - la technique, la formation et les conseils sur le commerce de l'art - j'aime aussi poser à notre artiste Plein Air en vedette des questions hors des sentiers battus qui nous permettent pour avoir un aperçu de sa personnalité.

Matt Smith a offert des réponses réfléchies et articulées aux deux types de questions, et son expérience et ses conseils peuvent profiter aux peintres en plein air de tous niveaux. Si vous avez une question spécifique à poser à Matt et que vous souhaitez que je lui transmette, faites-le-moi savoir et je posterai ses réponses ici. De cette façon, nous pouvons tous faire partie de la conversation continue qui nous propulse vers l'avant dans nos activités de plein air!

Lower Falls sur le Yellowstone
par Matt Smith, huile, 12 x 12.

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Allison Malafronte: Qu'est-ce que la peinture en plein air vous a inspiré tout au long de votre carrière?

Matt Smith: La fusion de deux de mes intérêts principaux: peindre et passer du temps à l'extérieur. Le processus de peinture du paysage tout en le vivant dans une variété d'endroits, de saisons et de conditions météorologiques ne cesse de me mettre au défi en tant qu'artiste.

AM: Vous avez vécu en Arizona la majeure partie de votre vie et dites que vous avez un penchant particulier pour peindre la lumière et les couleurs chaudes et sèches du désert de Sonora, mais vous êtes également connu pour l'atmosphère et l'atmosphère claire et clairvoyante de certains de vos Colorado et sujets californiens. Votre approche reste-t-elle la même pour ces paysages variés?

MS: Mon intérêt pour la peinture du désert de Sonora vient de ma connexion avec ce paysage. J'ai grandi ici et j'ai passé d'innombrables heures à errer et à étudier le désert, ce qui a stimulé ces intérêts. Cependant, j'aime aussi voyager et découvrir différents endroits, et je pense que c'est fondamentalement important pour la croissance et la fraîcheur de tout travail d'artiste paysagiste. Même si les différents lieux peuvent être assez variés, mon approche de la peinture reste la même. Ma palette et mon processus ne changent pas avec l'emplacement.

AM: Vous enseignez régulièrement dans d’importantes écoles / organisations d’art à travers le pays, notamment la Scottsdale Artists ’School, la Fechin School et la Fredericksburg Artists’ School. Pouvez-vous nous donner un bref résumé des principes / sujets sur lesquels vous vous concentrez dans vos ateliers?

MS: Mon objectif principal lors de l'enseignement d'un atelier est sur les fondamentaux. Lorsque je rencontre un problème lors de la peinture, je peux généralement remonter à un manque d'attention avec l'une des bases - dessin, valeurs, design et couleur - il est donc naturel que je me concentre sur cela lors de l'enseignement. J'insiste également sur l'importance de travailler à partir de la vie et de développer une vision et une technique personnelles.

Joyau caché - Pincussion sonorienne
par Matt Smith, huile, 11 x 14.

AM: Dans presque tous les ateliers de peinture de paysage auxquels j'ai participé ou de discussion sur la peinture en plein air à laquelle j'ai participé, vous êtes souvent considéré comme un artiste qui a vraiment acquis une compréhension de la lumière dans le paysage. D'où est venue cette compétence / quels conseils donnez-vous à vos étudiants à ce sujet?

MS: En grandissant en Arizona, Ive a eu l'occasion d'étudier les effets d'une lumière solaire particulièrement intense sur le paysage désertique. Cela a été une grande expérience d'apprentissage pour moi dans la compréhension de la lumière naturelle. Par exemple, j'ai trouvé en essayant de capturer les effets de la lumière solaire intense, il est souvent plus important de se concentrer sur ce qui se passe dans les ombres que dans les hautes lumières. Plus la source de lumière est puissante, plus vous verrez de lumière réfléchie dans l'ombre, il est donc important que les élèves capturent cet effet.

AM: Avez-vous étudié la science de la lumière dans le paysage? Pensez-vous qu'il est important pour les artistes de comprendre pourquoi les choses apparaissent comme elles le font dans la nature?

MS: Oui, mais je n'ai jamais pensé que c'était un facteur contribuant à ma compréhension de la lumière. Je préfère de loin passer deux heures sur le terrain à observer les effets de la lumière plutôt que 20 heures à lire sur la science de celle-ci. Cependant, chaque artiste est différent, donc si l'on sent que l'étude de la science de la lumière contribue à la croissance, alors il ou elle devrait poursuivre cet intérêt. En tant qu'artiste, je me concentre davantage sur les aspects expressifs que scientifiques de mes sujets.

AM: Vous étiez l'un des artistes en vedette dans la récente série PBS "Plein Air: Peinture du paysage américain". {Cliquez ici pour l'article: https://www.artistsnetwork.com/blogs/pleinair/archive/2008/10/29/en-plein-air-painting-the-american-landscape.aspx#2227} Lorsque vous participez à des projets de cette nature qui reçoivent une reconnaissance et une réponse nationales, vous sentez-vous que le mouvement de plein air est au milieu d'une sorte de renaissance?
MS: Je pense que la peinture en plein air a connu un regain d'intérêt au cours des 10 dernières années. Dans l'ensemble, cela a eu une influence positive sur la peinture, mais dans une certaine mesure, je pense que c'est aussi devenu une caricature de ce que c'est censé être. Je me réfère à la popularité des compétitions en plein air et à la croyance de certains individus que la seule peinture valide est celle qui a été peinte en plein air. N'oubliez pas, quel que soit le sujet que vous peignez, il est obligatoire de travailler par observation directe et pour le paysage, cela signifie le prendre à l'extérieur.

Peralta Creek
par Matt Smith, huile, 9 x 12.

AM: Parmi les nombreuses expositions et expositions de maîtres-artistes auxquelles vous participez, laquelle vous a été la plus bénéfique dans votre carrière et en tant que peintre?
MS: Les Masters of the American West au Autry Museum, à Los Angeles, et le Prix de West au National Cowboy Western Heritage Museum, à Oklahoma City, sont les deux qui ont eu les effets les plus positifs sur mon travail. L'opportunité de montrer aux côtés de nombreux artistes les plus reconnus du pays tout en rencontrant littéralement des centaines de collectionneurs de premier plan m'a obligé à vraiment me concentrer sur la qualité globale de ma peinture. Participer à des spectacles de ce calibre ajoutera à lui seul de la crédibilité au travail de tout artiste.

AM: Concernant les métiers d'art, quel conseil donneriez-vous aux peintres pour entrer dans les galeries / expositions / publications qu'ils respectent et admirent?

MS: Tout d'abord, un artiste doit se concentrer sur et produire le meilleur travail absolu possible. Une fois que l'art est terminé, l'entreprise de promotion et de vente commence. Cela nécessite souvent plus de temps et d'efforts qu'on ne le pense, et la plupart des artistes ont tendance à l'éviter. Le cliché des artistes étant des individus fermés travaillant dans des studios sombres n'est pas venu par accident. Lors du premier démarrage, il est important de faire tout ce qui est nécessaire pour obtenir votre nom et travailler afin que les gens puissent le voir. Cela comprend la création d'un site Web, le réseautage, la participation à des ateliers, l'adhésion à des organisations membres et la soumission de portefeuilles à des expositions, des galeries et des publications. En ce qui concerne les galeries et les expositions, on pense qu'être un gros poisson dans un petit étang est mieux que l'inverse. Mais être entouré d'artistes de premier plan est plus stimulant que d'être entouré d'artistes de moindre importance. C'est pourquoi nous voulons tous être dans les galeries et les expositions les plus reconnues.

AM: Qui sont certains de vos héros de la peinture de paysage du passé? Quel style / travail de paysage admirez-vous parmi les peintres en plein air d'aujourd'hui?

Lemhi Peaks
par Matt Smith, huile, 11 x 14.

MS: Je pense qu'il est extrêmement important d'être influencé par autant d'artistes que possible, à la fois décédés et contemporains. De nombreuses influences contribueront à un style plus personnel. De nombreux artistes plus jeunes semblent vouloir imiter stylistiquement le travail d'un artiste en particulier. Le problème avec cela est qu'un tel peintre deviendra souvent une version de second ordre de l'artiste qu'il imite. Quand on est influencé par une variété d'artistes, il y a une tendance à tirer les aspects les plus intéressants de cette variété de travail, puis à l'appliquer à son propre travail. Beaucoup ont influencé mon travail au fil des ans. Les artistes décédés incluent William Herbert Dunton, Edgar Payne, Maynard Dixon, Ogden Pleissner, Carl Rungius et Friedrich Wilhelm Kuhnert. Les influences contemporaines incluent James Reynolds, Clyde Aspevig, Len Chmiel, Michael Lynch, Skip Whitcomb et T. Allen Lawson. N'oubliez pas que ce ne sont que quelques-uns de ceux qui ont influencé mon travail au fil des ans.

AM: Où vous voyez-vous en tant que peintre paysagiste dans 10 ans? Est-ce que tu es aujourd'hui en tant qu'artiste où tu imaginais que tu serais il y a 10 ans?

MS: Je serai probablement en train de peindre le paysage dans un endroit obscur ici dans l'ouest des États-Unis. Tout le plaisir mis à part, mon objectif principal est de continuer à améliorer la qualité globale de mon travail. J'ai appris au fil des ans à arrêter de comparer mon travail à celui des autres, car cela crée une atmosphère compétitive destructrice pour l'esprit artistique. Cela signifie que je comparerai toujours mon travail à celui où j'étais hier, le mois dernier ou l'année dernière. Cela représente une vraie mesure pour savoir si je m'améliore en tant qu'artiste. Il y a dix ans, je pensais que je donnerais à Anders Zorn une course pour son argent, mais cela n'a pas fonctionné. Au lieu de cela, il s'avère que je suis juste un peu mieux qu'il y a 10 ans, alors je vais continuer à me concentrer sur l'amélioration.

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