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En Plein Air: une conversation avec Clyde Aspevig

En Plein Air: une conversation avec Clyde Aspevig

En avril, j'ai publié une interview avec Clyde Aspevig dans la section Plein Air de notre ancien site Web. Je voulais déplacer l'interview sur notre nouveau blog pour ceux qui n'ont pas eu la chance de lire les réponses de Clydes. Donc, si vous n'avez pas déjà lu cela, préparez-vous à quelques perles de la légende du paysage lui-même.

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Gouttes de pluie et libellules
par Clyde Aspevig, 2006, huile, 50 x 40.

Allison Malafronte: Qu'est-ce qui vous a poussé à choisir la peinture de paysage par rapport aux autres genres?
Clyde Aspevig: Je pense que la peinture de paysage me donne un éventail d'interprétation plus large. Les différents modèles météorologiques et les saisons changeantes donnent une inspiration constante. Parce que le paysage a toujours fait partie intégrante de ma vie, j'ai développé un profond sentiment d'appartenance à la nature plutôt que de me sentir à part ou au-dessus d'elle.

AM: Vous avez grandi dans une ferme du Montana entourée de montagnes et de beauté naturelle. Pensez-vous qu'il est important pour les peintres en plein air de passer des périodes à étudier et analyser la nature pour approfondir leur compréhension de leur sujet?

CA: Je passe beaucoup de temps à l'extérieur à observer et à apprendre le monde dans lequel nous vivons, et je pense que cela améliore absolument mes capacités à dépeindre avec précision et profondeur la nature. Comprendre comment les plantes poussent, comment la géologie a façonné les terres et comment la lumière affecte l'apparence des objets produit une approche beaucoup plus réfléchie de l'interprétation du paysage. C’est extrêmement gratifiant de passer beaucoup de temps à observer et à apprécier la nature, et cela ne coûte rien. C’est ma forme de divertissement préférée.

AM: Quand vous commencez une peinture de paysage, qu'est-ce qui vous vient à l'esprit? Que vous demandez-vous, quel est votre but et votre objectif?

CA: Ma première préoccupation lorsque je commence un paysage à l'extérieur est de capturer la sensation globale de lumière lorsqu'elle affecte les formes. J'utilise de larges coups de pinceau pour bloquer la couleur et les valeurs globales des masses tout en essayant de créer du mouvement. Au fur et à mesure que je progresse, mon intuition me pousse à me concentrer sur l'idée ou le but derrière ce que je peins. L'élaboration du concept se poursuit, plus tard dans le studio. Les études sur le terrain vous fournissent des informations que vous pouvez ensuite utiliser sur une peinture plus complète.

Montagnes de Wind River
par Clyde Aspevig, 2007, huile, 30 x 40.

AM: Vous dites que vous avez construit votre propre forme de réalisme, en ce sens que vous suggérez des détails avec des effets de peinture tels que des chutes, des empâtements et des émaux transparents et laissez l'imagination du spectateur interpréter le reste. Pouvez-vous expliquer comment vous faites cela tout en obtenant des effets aussi réalistes?

CA: J'essaie de peindre le paysage comme le voit l'œil humain. Je ne peins pas vraiment chaque détail, même si cela peut sembler ainsi. Au lieu de cela, je me concentre sur le résumé général des formes et des silhouettes telles qu'elles apparaissent à contre-jour. Le détail provient des textures et de la superposition de peinture, qui créent des effets ou des formes abstraites qui expliquent les détails.

J'essaie de mélanger la scène dans le concept d'un tout en utilisant diverses techniques impliquant des bords doux et durs pour expliquer la mise au point, la distance et la profondeur. Si vous surestimez le détail, la peinture devient ennuyeuse. J'essaie d'approcher le réalisme d'une manière à laquelle vous ne vous attendriez pas normalement. La qualité de surface de la peinture, si elle est effectuée correctement, devrait accentuer le mystère du fonctionnement de l'effet global. Des méthodes telles que le brouillage et le glaçage ajoutent à ce mystère. Lorsque l'unité de l'ensemble est réalisée, le travail est réussi. La partie amusante de la peinture est la variation et l'intérêt que vous pouvez obtenir dans la construction des pièces qui forment l'ensemble.

AM: Un fait peu connu à votre sujet est que vous utilisez régulièrement les principes de la musique dans votre processus de peinture. Quelle a été votre formation en musique et comment l'avez-vous appliquée à votre peinture?

CA: La musique a toujours été une partie importante de ma vie. J'ai étudié le piano classique comme un enfant et un jeune adulte. Nous savons tous que la musique est un son organisé. La peinture est une «musique silencieuse» en quelque sorte parce que tant de techniques de peinture peuvent être liées à la théorie musicale. Les bords doux et durs sont similaires aux notes fortes et douces de la musique. L'harmonie, les accords, la hauteur, le rythme, la syncope et le bois peuvent tous être traduits dans les arts visuels. De nombreux scientifiques disent que la musique est née avant le langage chez l'homme, il n'est donc pas surprenant que nous soyons câblés pour relier l'expression de la peinture à la mécanique de la musique.

Scriabine a déclaré que ses compositions étaient des «peintures sonores», c'est-à-dire que les notes et les mélodies étaient forme et forme, et que le timbre était couleur et valeur. J'utilise l'idée de notes, et plus important l'espace entre elles, pour organiser des passages occupés (une colline boisée, par exemple) afin que le spectateur puisse ressentir un but dans ces formes. Les sujets complexes peuvent être simplifiés en organisant les formes sous forme de notes tout en conservant le concept complexe qui ajoute de l'intérêt à la peinture. Les arbres éparpillés le long d'une colline ne sont que des notes qui attendent d'être organisées en «musique silencieuse».

UN M: Montagnes de Wind River, qui a été vendu par le biais de la Scottsdale Art Auction pour un peu plus de 72 000 $, est l'une de vos pièces les plus admirablement conçues et exécutées. Pouvez-vous nous guider dans la conception de ce tableau?

CA: Wind River Mountains a été conçu à partir d'études sur le terrain, de diapositives et de souvenirs d'un récent voyage de randonnée dans le Wyoming, puis exécuté en studio. Au fil des années, j'ai développé une mémoire visuelle du paysage. Dans cette peinture, j'ai juste parcouru mentalement la scène, créant des rochers et des arbres, des collines et du ciel au fur et à mesure. C’est comme créer votre propre monde en quelque sorte. Cette peinture est un composite, mais elle reste fidèle au paysage actuel.

Plongée en apnée
par Clyde Aspevig, 2008, huile, 40 x 50. Collection privée.

AM: Vous avez eu beaucoup de succès en tant que peintre paysagiste tout au long de votre carrière et vous savez que vous n'avez pas «vendu» à ceux qui essaieraient de pigeonner votre travail. Quels conseils donneriez-vous aux paysagistes pour choisir des galeries et interagir avec les marchands d'art?
CA: Essayer de trouver une galerie ou un marchand qui est disposé à vous promouvoir en tant qu'artiste selon vos propres buts et objectifs personnels est une tâche très difficile. Les galeries vendent de l'art et, en général, elles veulent de gros inventaires ou un très bon art qui se vend beaucoup d'argent. Très rarement, une galerie nourrira un jeune artiste à moins qu’elle ne contienne quelque chose pour lui, et c’est de l’argent. Mon conseil aux artistes est de ne jamais signer de contrat, mais soyez fidèle à la galerie s'ils font ce qu'ils promettent. Si vous travaillez très dur et que vous peignez de votre cœur et que votre travail est bon, tout ira bien. Il y a plus d'acheteurs pour le grand art qu'il n'y a de grandes œuvres d'art en cours de création, alors concentrez-vous sur la qualité et n'augmentez pas les prix plus vite que le marché ne peut supporter.

AM: Si théoriquement un apprenti passait un an dans votre studio à apprendre de vous, où commenceriez-vous à distiller tout ce que vous avez appris et maîtrisé dans votre carrière? Quels seraient les principaux principes que vous souhaiteriez transmettre à la prochaine génération?
CA: Si je pouvais transmettre quelque chose à la prochaine génération, ce serait de suivre votre passion, de travailler dur, de jouer, d'être curieux de tout, de lire beaucoup, de voyager, d'explorer, de vivre, d'aimer et de creuser profondément. Et ne buvez pas de vin bon marché.

AM: Y a-t-il un rêve ou un objectif lié à votre carrière artistique et à la peinture de paysage que vous n'avez pas encore réalisé? Quel héritage voulez-vous que votre œuvre laisse derrière vous?

CA: J'essaie d'être le meilleur possible en tant qu'être humain. L'art est le véhicule avec lequel j'ai le plus de chance de laisser quelque chose de valable. J'espère que mes peintures inspireront toujours les gens à faire partie de la nature plutôt qu'une force qui la manipule et la détruit. J'espère que mon travail sera considéré comme une voix importante dans l'éveil environnemental des 50 dernières années qui vise à conserver et à maintenir notre planète.

Pour plus d'informations sur Clyde Aspevig, visitez son site Web à www.clydeaspevig.com. Pour plus d'informations sur le rôle de l'artiste dans la conservation des terres, visitez www.americanprairie.org.

Voir la vidéo: Matt Smith teaching at the Tucson Art Academy (Octobre 2020).