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Quang Ho: Informations essentielles pour les peintres de tous niveaux

Quang Ho: Informations essentielles pour les peintres de tous niveaux

La nouvelle série de DVD pédagogiques de l'artiste du Colorado Quang Ho offre une version concise de ce à quoi les élèves peuvent s'attendre dans ses ateliers, y compris ses huit approches visuelles de la peinture, ses vues sur le développement de la compréhension et une discussion de tout ce qu'il souhaite savoir avant de commencer à peindre.

Interview par Allison Malafronte

Pommes et prunes
2008, huile, 36 x 36.
Collection Jo Cole.

Atelier: Quels sont le titre et le sujet de la série de DVD pédagogiques que vous avez récemment terminé de produire, et qu'est-ce qui vous a poussé à le créer?
Quang Ho: Il y a trois DVD dans la série: Arrangement with Amaryllis: Painting the Still Life in Light and Shadow, Vi in the Studio: Painting the Figure in an Interior With Tonal Structure, and Nuts Bolts: 30 Years of Essential Information for the Peintre. La réalisation de cette série a été motivée par de nombreuses demandes d'artistes et d'étudiants qui ont suivi mes ateliers et cours au fil des ans. On m’a dit que mon approche pédagogique est unique et que la quantité d’informations que je partage est rare. (Je donne littéralement à mes élèves de l'atelier tout ce que je sais aussi clairement et logiquement que possible en cinq jours.) J'ai envisagé d'écrire un livre, mais je pense que je suis mieux à communiquer spontanément, donc la vidéo est un choix logique.

WK: Pourquoi pensez-vous qu'il est important pour des peintres professionnels comme vous de transmettre leurs connaissances aux autres?
QH: L'enseignement m'a forcé à trouver un moyen d'exprimer clairement et de manière concise mon processus artistique, donc de cette manière, il m'a été aussi utile en tant qu'artiste qu'il l'a été pour les étudiants. C’est un honneur d’enseigner, vraiment - je ne peux pas dire assez combien je suis reconnaissant envers ceux qui ont fait la lumière sur ma compréhension par le passé. Pour cette raison, j'ai hâte d'enseigner au American Artist’s Weekend With the Masters en septembre et de faire partie de cet héritage pédagogique traditionnel.

Harmonie de citrons
2009, huile, 36 x 36.
Collection de l'artiste.

WK: Veuillez nous présenter chacune des trois vidéos que vous avez produites, en abordant les sujets que vous avez couverts et ce que les téléspectateurs peuvent s'attendre à apprendre.
QH: Dans la vidéo Arrangement avec Amaryllis, je voulais passer en revue tout mon processus de pensée pour peindre un arrangement de nature morte: de la configuration à l'éclairage, en passant par une décomposition systématique de la peinture aussi logiquement que possible du blocage à la fin. Les téléspectateurs pourront voir comment j'aborde la composition et les idées philosophiques qui sous-tendent la construction d'une belle structure, les matériaux et la palette que j'utilise, ainsi que le mélange de couleurs de base et la manipulation de la peinture. Ils me verront également revenir dans la peinture après quelques jours pour développer une meilleure finition, ce qui fait partie du processus de résolution de problèmes de l'artiste.

Dans cette vidéo, je me concentre sur l'approche de la peinture appelée «lumière et ombre» (l'une des huit approches visuelles que j'enseigne), ce qui m'intéresse le plus lorsque je commence à peindre ma nature morte. Il existe de nombreux degrés et qualités de lumière et d'ombre, mais il s'agit essentiellement de peindre le passage de la lumière car il lave tout dans la composition et l'idée que ce que la lumière ne touche pas est dans l'ombre. Cela semble simple, mais il est étonnant de voir combien de peintures échouent en raison du manque de compréhension et de sensibilisation à ce processus. Vi in the Studio se concentre sur la peinture d'une figure. J'ai eu de nombreuses demandes pour enseigner un atelier de peinture de figures, et dans cette vidéo je montre comment je peins une figure dans le contexte d'un environnement plus grand. Les téléspectateurs me verront expliquer l'approche visuelle «ton local» - l'une des huit autres approches visuelles que j'enseigne - dans cette vidéo, qui se concentre sur la richesse des tons (ou valeurs) comme concept pour construire la structure de la peinture , par opposition aux formes de lumière et d'ombre dans la vidéo de nature morte. Degas, Van Gogh, Fechin et de nombreux autres artistes ont travaillé dans cette approche.

Oignons en blanc
2006, huile, 24 x 24.
Collection John Blythe.

Nuts Bolts est conçu pour donner au spectateur une compréhension complète de la peinture dans une conférence compacte. Il ne s’agit pas tant de peindre quelque chose de spécifique, mais plutôt d’expliquer tout ce que j’ai compris sur la peinture au cours de ma carrière. Ce sont les mêmes informations que je donne dans mes ateliers de cinq jours et que j'ai même enseigné un cours d'un an à un moment donné. C'est essentiellement tout ce que j'aurais aimé que quelqu'un me dise quand j'ai commencé à peindre.
Une partie de cela consiste à partager avec les téléspectateurs mon concept de la façon dont l'art se déroule à trois niveaux différents et comment tous les grands mouvements artistiques ont toujours émergé de l'analyse, de la clarté et d'une compréhension du vocabulaire visuel. À travers une série de démonstrations et d'exemples, j'explique les huit approches visuelles de la peinture: la lumière et l'ombre, le ton local, la forme, le rétro-éclairage, le motif de lumière sombre, la ligne, la couleur et l'égalisation. J'explique également les connaissances de base en peinture dont chaque artiste a besoin pour son développement personnel, ce qui prend parfois des années ou une vie à s'accumuler. J'ai essayé de donner au spectateur ma compréhension complète de ce qui fait fonctionner une peinture, en expliquant la dynamique d'une bonne composition à travers l'analyse, ainsi que des comparaisons avec la science, la nature, la musique, la littérature et la philosophie.

WK: Quels concepts ou idées spécifiques font fonctionner une peinture pour vous?
QH: La chose la plus importante est de clarifier la structure et le concept visuel du sujet avant de commencer à peindre. Les artistes parlent de l'idée de grandes formes, mais ils parlent rarement du contexte dans lequel les grandes formes doivent s'intégrer - c'est là que les huit approches visuelles entrent en jeu. Donc, si je ne suis pas excité au tout début de la peinture - c'est , si les grandes formes ne fonctionnent pas ensemble de manière magnifique - je ne serai pas assez excité pour terminer la peinture. Si la structure (les grandes formes) est saine, il est presque impossible de détruire la peinture et, en fait, cela permet une liberté et une expression extraordinaires.

Chefs Mizuna
2008, huile, 36 x 36.
Collection privée.

Parfois, je vais travailler sur un thème que je trouve intéressant en ce moment - comme un lit de ruisseau enneigé que j'ai rencontré ou ma récente série avec le Colorado Ballet - et je vais me mettre au défi en jouant avec différentes idées de couleurs, ou des valeurs élevées et faibles clés, ou diverses applications de peinture. Rester sur le même thème m'aide à me familiariser avec le dessin et le sujet, puis je peux oublier le sujet et me concentrer sur l'expression.

WK: Les informations que vous fournissez dans vos vidéos pédagogiques sont-elles similaires à celles que vous proposez dans vos ateliers?
QH: Les informations que je partage dans les vidéos sont les mêmes que celles que j'enseigne dans mes ateliers, juste sous une forme concise. L'avantage avec les DVD ou les vidéos pédagogiques, cependant, est que vous pouvez regarder la démonstration encore et encore jusqu'à ce qu'elle s'enfonce. Cela seul vaut de l'argent, sans parler des informations inestimables que l'artiste donne. Si j'avais eu une instruction comme celle-ci à ma disposition au début de ma carrière de peintre, j'aurais sans aucun doute progressé beaucoup plus rapidement.

Mon style d'enseignement est moins sur le «comment» que sur la compréhension. Je fais tout ce que je peux pour transmettre des idées et des connaissances de manière à ce que chaque élève puisse comprendre. Une fois que vous comprenez le concept, une fois qu'il est clair dans votre esprit, les règles ne sont plus nécessaires et il y a une chance pour une expression réelle.

Mi-été
Arrangement

2007, huile, 49 x 49.
Collection privée.

WK: Pourquoi pensez-vous qu'il est important pour les artistes de développer leur compréhension?
QH: Comprendre dans l'art est essentiel pour faire des peintures significatives, de la même manière que Beethoven n'aurait pas pu composer ses grandes symphonies sans une compréhension approfondie du fonctionnement de la musique. Il était également un musicien très qualifié, mais il y avait - et il y a - de nombreux musiciens talentueux qui n'avaient pas de profondeur derrière la musique. En tant qu'artiste, vous êtes à la fois le compositeur et le musicien. J'étais un artiste hautement qualifié, mais je ne suis pas devenu un bon peintre avant d'avoir acquis une compréhension de ce qu'est vraiment l'art. Avant cela, je ne pouvais que peindre l'apparence physique d'un sujet.

J'oserais dire qu'il n'y a pas de grand art sans compréhension et intention. Après tout, les grands artistes que nous admirons à travers l'histoire ont toujours été ceux qui ont amené la compréhension de la peinture à un nouveau niveau, pas ceux qui étaient nécessairement les meilleurs pour le rendu. Ma compréhension de la peinture a été directement affectée et illuminée par ma recherche pour comprendre la vie, la science, la musique, la littérature, etc. Dans la vidéo Nuts Bolts, j'ai tenté de partager ces idées plus en profondeur avec les téléspectateurs. Il ne fait aucun doute qu'il existe un beau fil correspondant qui unit toutes les disciplines de la vie.

Voici la vraie raison pour laquelle la compréhension est importante: apprendre un tas de règles sur ce qu'il faut faire et ce qu'il ne faut pas faire en peinture n'amène pas nécessairement les artistes à comprendre le comment et le pourquoi de ce qu'ils peignent - en fait, tenir le respect des règles restreindra certainement sa capacité à être libre. La compréhension vous libérera toujours. Si vous ne vous sentez pas libre en tant que peintre ou en tant que personne, alors il manque quelque chose.

Classique
2001, huile, 20 x 16.
Collection privée.

WK: Quels maîtres anciens vous inspirez-vous et quels maîtres contemporains admirez-vous?
QH: Les artistes que j'admire sont aussi variés que ma réflexion sur la peinture: Sargent, De Kooning, Fechin, Wyeth, Diebenkorn, Rembrandt, Degas, Sorolla. Sargent pour son incroyable virtuosité; De Kooning est le même que Sargent pour le mouvement abstrait; Degas et Diebenkorn pour leurs recherches sans fin pour devenir de meilleurs artistes; Wyeth, peut-être, est mon artiste préféré de tous les temps si l'on pouvait nommer, pour son cœur délicieusement poétique et passionné, son amour pour tout ce qu'il a vu et peint. J'ai souvent pensé que si Wyeth ne pouvait pas peindre, il aurait dû essayer de l'écrire ou de l'exprimer d'une autre manière. En plus d’admirer sa capacité à peindre à un niveau qui lui est propre, j’aime aussi le fait que le travail de Wyeth soit à la fois réaliste et profondément abstrait à la fois.

WK: Quels sont vos objectifs personnels en tant qu'artiste?
QH: La première consiste à continuer à développer mes compétences et ma capacité à peindre mieux et plus facilement - pour atteindre le plus haut niveau de compétence que je peux - et la seconde consiste à découvrir ce que je peux personnellement réaliser et découvrir avec des lignes, des formes. , les valeurs, les couleurs, les textures et les bords (les éléments visuels de base), indépendamment de ce que je peins. En raison de cette philosophie, je n'adhère à aucune technique, style ou genre particulier. Je passerai littéralement d'une peinture abstraite ou quasi-abstraite à une nature morte ou à une œuvre figurative très classique en l'espace d'une semaine. Ma prochaine exposition personnelle en novembre à la Gallery 1261, à Denver, mettra en valeur ces différentes peintures pour la première fois.

Soie écarlate
2008, huile, 36 x 48.
Collection Reid Figel.

La chose la plus importante pour moi est de bien peindre et de peindre avec clarté et intention. J’ai plus de plaisir à peindre en ce moment que jamais - et c’est vraiment ça pour moi: je ne veux pas dormir la nuit car il me reste encore beaucoup à créer.

À propos de l'artiste Quang Ho est né au Vietnam et a immigré aux États-Unis en 1975. Il a commencé à dessiner à l'âge de 3 ans et a continué à développer son intérêt artistique et ses compétences tout au long du lycée. À l'âge de 16 ans, Quang a tenu sa première exposition personnelle à la Tomorrow’s Masters Gallery, à Denver, et a depuis lors continué à avoir un succès commercial et une reconnaissance en tant que peintre. Il a fréquenté The Art Institute of Colorado, à Denver, sur une bourse Scholastic Art Awards, et c'est là qu'il a étudié avec l'un de ses plus grands mentors, René Bruhin, qui était à l'époque le chef du département de dessin et de peinture. «René m'a donné un ensemble de vocabulaire et d'outils sur lesquels s'appuyer», explique l'artiste. "La moitié de ce que j'enseigne maintenant est basée sur les informations qu'il m'a communiquées." Le travail de Quang fait partie de collections nationales et internationales, et il a remporté de nombreux prix lors d'importantes expositions d'art à travers le pays, y compris celles organisées par les Oil Painters of America, Northwest Rendezvous of Art, The Artists of America et le Colorado Governor’s Invitational. L'artiste est représenté par la Claggett / Rey Gallery, à Vail, Colorado; Galerie 1261, à Denver; et Jack Meier Gallery, à Houston. Pour plus d'informations, visitez son site Web à www.quangho.com.

Week-end avec le maître instructeur
En plus d'enseigner un atelier de maître d'une journée et d'une demi-journée, Quang Ho partagera ses conseils sur «tout ce que j'aurais aimé que quelqu'un me dise quand j'ai commencé à peindre» dans sa conférence «Nuts Bolts» pendant Artiste américain Week-end avec la conférence du Masters Workshop du 10 au 13 septembre 2009. Pour plus d'informations, visitez le site www.aamastersweekend.com.

Pour voir la table des matières du numéro du printemps 2009 de Atelier magazine, cliquez ici.

Voir la vidéo: Vincent Van Gogh - Artiste Peintre - 1853-1890-Musique: RACHMANINOV-Concerto N2 in C minor-Op18 (Septembre 2020).