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En Plein Air: une conversation avec Joseph McGurl

En Plein Air: une conversation avec Joseph McGurl

Joseph McGurl a grandi sous la tutelle artistique de son talentueux père tout en cultivant une passion pour la navigation de plaisance et un amour de la mer. Cette influence précoce, associée à des années de travail acharné et de pratique, a fait de lui l'un des plus grands peintres paysagistes d'aujourd'hui, et dans cette interview, il partage ses connaissances, son expérience et sa vision de l'art de peindre la nature.

Sun Main Coast par Joseph McGurl, 2008, huile, 18 x 24.
Avec la permission de Trees Place, Orleans, Massachusetts.

Interview par Allison Malafronte

Artiste américain: veuillez parler un peu de votre formation artistique, en particulier du rôle influent que votre père a joué pour vous inciter à devenir artiste.

Joseph McGurl: Je devrais préfacer mes réponses en disant que je sais que de nombreux artistes seront en désaccord avec certaines des choses que je dis. C'est bien et comme il se doit. Si tout le monde était d'accord avec mes vues, tout le monde peindrait comme moi, et l'art serait très ennuyeux.

Depuis que j'avais environ 5 ans, je savais que je voulais devenir artiste. C'était probablement parce que mon père en était un, et cela semblait naturel, et j'aimais dessiner. En plus d'être un modèle, mon père m'a aidé à corriger mes dessins quand je ne pouvais pas voir pourquoi ils n'avaient pas l'air bien. Adolescent, je l'ai aidé dans son travail, qui comprenait la peinture de peintures murales, le marbrage, le pochoir, la peinture de statues, le grainage du bois, la peinture décorative, le rendu architectural, la conception de monuments et à peu près tout ce qui concerne la peinture. J'ai principalement peint en arrière-plan, nettoyé des pinceaux, mélangé de la peinture et effectué d'autres tâches associées. À un âge précoce, je me suis également familiarisé avec l'utilisation de la peinture et l'exploitation des qualités associées. L'impact le plus profond que mon père a eu sur moi a probablement été son éthique de travail dévouée. Il a dû trouver un moyen de soutenir une famille de sept personnes et a pu le faire grâce à son talent et à son travail acharné. Nous avons travaillé de longues journées.

Tout au long de mon adolescence, j'ai assisté aux cours du samedi au Museum of Fine Arts de Boston sous la direction de Ralph Rosenthal. Il était un autre modèle qui, entre autres choses, m'a appris à analyser ce que je dessinais ou peignais pour mieux le comprendre et le représenter de manière plus convaincante, ce qui était important pour moi. J'ai fréquenté le Massachusetts College of Art and Design et obtenu un double diplôme en éducation et en peinture. Il n'y avait vraiment pas beaucoup d'accent académique sur les bases du dessin et de la peinture, et je sentais que mon éducation était incomplète. Plus tard, j'ai découvert les disciples de la Boston School et leur approche du dessin, basée sur les enseignements de l'Académie française. Cette approche du dessin a évolué au fil des centaines d'années pour devenir une méthode très efficace pour former les élèves à voir clairement et à dessiner avec précision. J'ai étudié le dessin de figures avec Robert Cormier, et c'est vraiment devenu un tournant dans ma capacité à exprimer ce que je recherchais.

Passer la jetée
par Joseph McGurl, 2008, huile, 23 x 25.
Collection Robert Wilson Galleries, Nantucket, Massachusetts.

AA: Après avoir étudié le dessin de figures avec Robert Cormier, qu'est-ce qui vous a amené au genre du paysage?

JM: Dans ma jeunesse, j'ai peint, sculpté, réalisé des estampes et réalisé toutes sortes de projets artistiques. Peu à peu, les types d'art et de matériaux qui m'ont donné le plus de satisfaction l'emportent sur ceux que je trouve moins intéressants. J'ai reçu les commentaires les plus émouvants des paysages et j'ai décidé de ne pas consacrer de temps à un travail moins passionnant. Si je ne suis pas totalement engagé dans ce que je peins, cela perd son enthousiasme, et je pense que le manque de passion devient évident. Bien que j'aime dessiner des personnages, c'était vraiment un moyen de parvenir à une fin. Je voulais mieux dessiner et la méthode enseignée par les artistes de la Boston School est la meilleure façon de le faire.

AA: Combien de temps avez-vous étudié l'art en Angleterre et en Italie? Est-ce à cette époque que vous vous êtes intéressé à l'approche traditionnelle et ancienne du maître en peinture?

JM: Ce sont des programmes d'été que j'ai suivis au collège. Le voyage en Angleterre a eu lieu à l'Université de Londres. Malheureusement, le département des beaux-arts n'était pas bien géré et s'est avéré décevant. L'histoire de l'art était meilleure. La vraie valeur était d'aller aux musées et de voir les constables et les tourneurs. Je suis aussi allé en Hollande pour voir les maîtres néerlandais. C'est à ce moment-là que j'ai réalisé que je pouvais en apprendre beaucoup plus en étudiant l'art dans les musées. Le voyage en Italie a été organisé par l'Université de Boston et a été excellent. Le professeur d'histoire de l'art, Sam Edgerton, était l'un des meilleurs professeurs que j'ai jamais eu. Une fois de plus, je suis devenu absorbé par les œuvres d'art dans les musées. Cela m'a appris que la meilleure façon d'aborder mon art était d'apprendre de ceux qui m'ont précédé et d'essayer de l'avancer un peu tout en développant ma propre identité.

AA: Les artistes admirent souvent vos œuvres d'art pour leur capacité à capturer la lumière et à créer de la luminosité et de l'atmosphère. Pourriez-vous résumer comment vous y parvenez, tant d'un point de vue technique que mental?

JM: Les aspects techniques de la peinture de la lumière et de l'atmosphère sont assez simples. Cela revient vraiment à mélanger la bonne couleur et la bonne valeur pour un emplacement particulier dans l'espace illusoire de la peinture. Parfois, je modifierai un passage avec un glacis ou un scumble. J'utilise également la texture, ou son absence, pour aider à définir l'espace et la lumière. L'une des choses que j'ai apprises des maîtres est que la peinture épaisse aide à faire avancer les objets et rend les objets légers plus brillants, donc j'utiliserai fréquemment cette «astuce». Une peinture fine et transparente donne de la profondeur à une peinture. L'importance de l'exactitude de la couleur et de la valeur devient évidente pour moi lorsque je vois une reproduction d'une de mes peintures. Parfois, une couleur ou une valeur particulière ne se reproduit pas correctement et saute hors de sa position dans l'espace.

Mentalement, il est vraiment important d'envisager la scène en trois dimensions. J'ai passé des années à étudier le paysage et à essayer de comprendre ce qui se passe et pourquoi. Par exemple, la couleur d'un objet change au fur et à mesure qu'il s'éloigne de la distance au coucher du soleil et à midi. En comprenant comment l'espace et la lumière affectent la couleur et la valeur, vous pouvez exagérer ou minimiser les couleurs afin de pousser encore plus la profondeur. Rappelez-vous, vous essayez de peindre un espace en trois dimensions sur une surface plane et la lumière du soleil avec juste des pigments, donc vous ne pouvez pas simplement peindre ce que vous voyez. Il faut aussi peindre ce que l'on sait pour exploiter toutes les possibilités.

À travers la mer
par Joseph McGurl, 2007, huile, 24 x 36. Collection privée.

AA: Veuillez décrire votre connexion à la mer, y compris votre «studio flottant», Atelier.

JM: J'ai grandi sur l'eau et j'ai passé mes étés à nager, à faire du bateau et à explorer les îles et les criques voisines. Il y a probablement des raisons psychologiques pour lesquelles j'ai un lien si fort avec l'océan, mais il y a aussi des raisons artistiques. L'océan et le littoral ont tant d'aspects de ce qui m'intéresse intellectuellement et visuellement dans notre monde. Il y a un espace infini et une lumière merveilleuse, qui sont les principaux sujets de mon art. Ce n'est pas un environnement statique. Le soleil, la marée, les vents et les formations nuageuses changent de minute en minute. Je suis également attiré par le défi d’essayer de peindre la profondeur, la réflexion, la transparence, le poids et le mouvement de l’océan.

Je peins depuis des bateaux depuis mon adolescence. Au début de la vingtaine, j'ai travaillé comme capitaine de yacht et j'ai utilisé des bateaux de peinture depuis lors. L'Atelier est le dernier né. Il s'agit d'un voilier gréé en ketch de 44 pieds de long. Il a été construit en 1965 et présente de jolies lignes classiques. Tant de bateaux modernes sont moches et ressemblent plus à des appareils de cuisine qu'à des bateaux. Ma famille et moi passons la plus grande partie de l'été à naviguer autour de la Nouvelle-Angleterre, et je peins très souvent à bord, ou j'emmène le canot sur le rivage et je peins depuis la terre qui regarde. La voile me permet de mieux comprendre mon sujet.

AA: Quel est votre processus de plein air? Dans quelle mesure est-il important pour vous de créer des études et des croquis sur place, au lieu d'utiliser des photographies comme références pour votre travail en studio?

JM: J'essaie de dépeindre ma réponse au monde réel - pas une représentation visuelle plate de celui-ci. J'essaie de peindre tout l'arbre, même le côté que vous ne voyez pas. J'essaie également de peindre un arbre vivant qui mourra en hiver et fleurira à nouveau au printemps. La science nous a appris que l'espace et le temps ne sont pas statiques et qu'au niveau subatomique il y a une frénésie d'activité. Sachant cela, je ne peux pas peindre à partir d'une photo dépourvue de toutes ces réalités. J'essaie également de comprendre la nature de la manière la plus complète possible, et l'étudier attentivement tout en l'interprétant dans la peinture est le moyen le plus efficace que je connaisse pour y parvenir. Le défi d'aller sur le terrain avec juste mes peintures et de repartir avec une image utile est également attrayant. Parfois, je n’ai pas assez de temps pour capturer un certain effet, mais c’est comme ça que ça se passe. Il est difficile de s'appuyer uniquement sur mes propres observations, et il peut sembler plus facile de peindre à partir de photos, mais mon objectif n'est pas de le faire de la manière la plus simple mais la meilleure. Comme tout le monde, j'ai parfois tendance à être paresseux et si je sais que j'ai une photo pour me soutenir, je ne regarderai peut-être pas aussi dur ou travaillerai-je aussi longtemps que je le devrais.

AA: Pour les artistes qui ne peuvent obtenir une place très convoitée dans l'un de vos deux ateliers annuels, veuillez leur donner un aperçu de ce sur quoi vous vous concentrez dans un atelier typique.
JM: J'essaie d'aider les participants à voir le paysage en termes plus simplifiés et de leur montrer quelques astuces pratiques que j'ai apprises pour faciliter la peinture à l'extérieur. Il y a tellement d'informations à trier. Je pense que la peinture en plein air est la forme d'art la plus difficile à maîtriser. En plus des préoccupations habituelles de conception, de composition, de dessin, de valeur et de couleur, les peintres en plein air ont une infinité de détails à simplifier. La plage de valeurs n'est pas assez large pour peindre la luminosité du soleil ou la profondeur d'une ombre, et comment peindre cinq miles de distance, le mouvement des vagues ou toutes les feuilles d'un arbre? De plus, la lumière change constamment, elle peut être chaude ou venteuse, le soleil est dans vos yeux et vous devez limiter vos approvisionnements à l'essentiel.

Dans mes ateliers, je commence par un aperçu de mon processus de peinture et montre aux étudiants mon équipement de peinture et les choses qui ont rendu la procédure un peu plus facile. Ensuite, j'aborde à travers des démos et des critiques certains des principaux problèmes rencontrés par la plupart des participants dans la peinture du paysage. Un exemple est qu'ils perdent de vue le fait que chaque objet a une forme définie. Un rocher et un arbre ont des formes sous-jacentes similaires. Les textures de surface superficielles confondent les étudiants. Je discute de l'importance de voir la vraie forme de l'objet, puis de concevoir des manières abrégées d'impliquer la texture de cet objet. Je passe aussi beaucoup de temps sur la perspective linéaire et atmosphérique afin de les aider à créer de la profondeur dans la peinture. Je fais généralement une démo le matin, puis ils travaillent sur leurs peintures l'après-midi. Je passe au moins une session de démonstration en studio montrant le processus mécanique de fabrication d'un studio de peinture à partir d'un croquis. Je montre également quelques-uns des outils uniques que j'utilise parfois et explique comment j'ai installé le studio. Cette démonstration comprend certaines méthodes de manipulation de la peinture, telles que le vitrage, l'empâtement et le scraffito.

Paix
par Joseph McGurl, 2008, huile, 24 x 36.
Avec la permission de Trees Place, Orleans, Massachusetts.

AA: Pensez-vous qu'il est possible d'enseigner aux artistes à peindre au niveau de compétence et de capacité que vous avez atteint? Est-ce transférable, ou pensez-vous que c'est quelque chose avec lequel vous êtes né naturellement?

JM: Je pense que c'est un peu des deux. Il faut avoir du talent et avoir une formation. Vous devez également y travailler très dur pendant longtemps. Tout comme les médecins ou les plombiers doivent payer leur cotisation, les artistes aussi. Quand je repense à l'œuvre que je faisais dans la vingtaine, c'était vraiment mauvais, mais ça s'est finalement amélioré.

AA: Quels artistes paysagistes, passés et présents, admirez-vous?

JM: Les anciens artistes incluent l'église Frederic Edwin, Sanford Gifford, Worthington Whittredge, John F.Kensett, J.M.W. Turner, Arthur Streeton, John Singer Sargent et Hugh Bolton Jones. Pour les artistes contemporains, Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Antonio López García, Don Demers, William Davis, Matt Smith, Marcia Burtt, Ken Auster.

AA: Qu'est-ce qui vous inspire le plus en tant qu'artiste? Où vous tournez-vous pour la motivation créative?
JM: Je m'inspire parfois en voyant un spectacle dans une galerie ou un musée. Quand je peins à l'extérieur avec d'autres artistes, je suis inspiré par la façon dont ils adopteront une approche différente de la même scène. De plus, la nature sous toutes ses formes - parfois avec l'empreinte de l'homme - est probablement le moyen le plus inspirant pour moi de devenir passionné par la peinture.

Pour me motiver de façon créative, je vais simplement travailler. Parfois, j’ai pensé à un problème particulier toute la nuit, et si je pense avoir trouvé la solution, je suis excité par le travail du jour à venir. D'autres fois, je ne me sens pas particulièrement créatif, mais je dois être productif. Je vais à mon travail et souvent l'inspiration vient après un certain temps. Parfois, ce sont mes meilleurs jours et la journée passe trop vite.

Pour plus d'informations sur Joseph McGurl, visitez son site Web à www.josephmcgurl.com.

Week-end avec le maître instructeur
Joseph McGurl enseignera deux ateliers de maître et fera une démonstration pendant Artiste américain Week-end avec la conférence de l'atelier des maîtres, du 10 au 13 septembre 2009. Pour plus d'informations, visitez www.aamastersweekend.com.

Voir la vidéo: Художник Joseph Mcgurl. CША. (Septembre 2020).