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Tension et abstraction dans le réalisme

Tension et abstraction dans le réalisme

Les dessins de graphite provocants et tendus de Catherine Murphy défient la catégorie, laissant le spectateur se demander si elle rend étroitement l'abstraction ou le réalisme abstrait.

par Lisa Dinhofer

Champ tondu
1985, graphite, 14 x 17.
Toutes les oeuvres cet article collection privée
Sauf indication contraire.

Un gâteau solitaire dans un four allumé, une chaise rayée par un chat, le dos d'une toile grossièrement tendue et une pile de balayages d'un sol sale - ce sont les images inhabituelles, mais tellement ordinaires, de l'extraordinaire dessinateur et peintre Catherine Murphy. Insolite car les images choisies sont rarement présentées comme sujets de grands dessins complexes et magnifiquement rendus; et ordinaire, car ils représentent une expérience commune de tous les jours. Après tout, qui n'a pas balayé un étage?

Catherine Murphy est à la fois une minimaliste, une réaliste, une maîtresse du nord de la Renaissance et une artiste abstraite du 21e siècle. Est-ce possible? S'agit-il de contradictions? Ou différentes facettes de la même pierre précieuse? Prenons chaque idée séparément: Murphy compose ses images comme le ferait un peintre abstrait, observe la vie comme un peintre réaliste, rend chaque détail comme un maître de la Renaissance du Nord et traite sa surface de la même manière, millimètre par millimètre, comme le ferait un minimaliste. "La contradiction est le chemin vers l'harmonie", a déclaré Murphy lors d'une récente conversation téléphonique. C’est peut-être la raison pour laquelle les œuvres de Murphy intriguent et séduisent le monde de l’art new-yorkais depuis le début des années 1970.

Né à Cambridge, Massachusetts, en 1946, Murphy est venu à New York pour étudier, diplômé du Pratt Institute et de la Skowhegan School of Painting Sculpture au milieu des années 1960. Le timing ici est crucial. La fin des années 60 et le début des années 70 ont été une période de grande fermentation sur la scène artistique new-yorkaise. C'était l'époque de l'abstraction contre la représentation - jamais les deux ne peuvent être réconciliés, était la pensée critique répandue. Les artistes établis et reconnus étaient les expressionnistes abstraits. "La figure est morte, donc la peinture figurative est morte!" était le cri commun.

Ne dites jamais jamais, et ne dites jamais mort. Alice Neel, Philip Pearlstein, Alex Katz et Neil Welliver sur la côte Est - ainsi que Wayne Thiebaud, David Park et Richard Diebenkorn dans l'Ouest - ont ravivé la figure. La peinture figurative a été repensée. Catherine Murphy a atteint la majorité à cette époque. Son premier spectacle à New York était à la galerie coopérative nommée First Street. Elle a été rapidement récupérée après ce spectacle d'introduction par le célèbre concessionnaire Xavier Fourcade et est maintenant représentée par Knoedler Company de New York. Murphy a reçu de nombreuses subventions et récompenses d'organisations telles que la Fondation Guggenheim, la Fondation Ingram Merrill et l'American Academy of Arts and Letters. Aujourd'hui, elle est critique principale à l'Université de Yale, à New Haven, Connecticut, et continue de montrer régulièrement ses œuvres. Sa dernière exposition personnelle de nouvelles œuvres d'art a eu lieu à la Knoedler Gallery en 2008.

Divisé
2007, graphite, 36 x 42 1/2. Collection
Fondation Maxine et Stuart Frankel
pour l'Art, Bloomfield Hills, Michigan.

Ce qui distingue Murphy en tant qu'artiste, c'est l'arc de sa croissance par rapport à ses premiers dessins connus dans les années 70 et 80 à nos jours. Champ tondu (1985) est un beau dessin de paysage sans préjugé, mais sûr. Le spectateur est positionné à une distance conventionnelle de la scène, assez loin pour regarder ce bel espace à travers un arc de proscenium de branches et de soleil. C'est un beau paysage, mais prévisible que nous avons connu auparavant. Comparer Champ tondu à Divisé (2007). Nous ne sommes plus à une distance de sécurité, mais au lieu de cela, nous sommes plongés profondément dans une scène où un tronc d'arbre mort a été divisé par l'homme et la nature. Nous voyons son noyau intérieur et ressentons la texture de son bois pourri lorsqu'il retourne au sol en terre. Chaque grain est tiré, chaque mauvaise herbe exposée. L'échelle a également changé, passant du petit et intime (14 x 17) du champ fauché aux grands troncs d'arbres agressifs qui sont dessinés sur une surface de 36 x 42 x 1/2. Murphy a poussé ses images sur nos visages. Nous sommes devenus une participante physiquement active à son travail.

C'est radical. C'est dangereux. Peu d'artistes demandent autant à leur public. Dans Lumière du four, nous nous penchons pour regarder dans un four ouvert un gâteau à couches bouillonnées, de l'étain et tout. Les coins du dessin sont arrondis pour améliorer cette expérience reconnaissable.

Murphy ne prend aucun raccourci dans son rendu; il n'y a aucun espace vide dans aucun de ses dessins. Il n'y a pas de place pour reprendre notre souffle. Nous sommes obligés de ralentir et de vivre tout cela. Il est très difficile de passer rapidement devant l'une de ces pièces. Cette œuvre d'art prend du temps à regarder - et beaucoup de temps à créer. Divisé a pris trois étés de matins ensoleillés pour obtenir la bonne lumière, selon l'artiste. Lumière du four Il a fallu jusqu'à six mois pour terminer, l'artiste congelant le gâteau dans la boîte tous les soirs. La plupart des dessins de Murphy sont destinés à être des pièces finies; ce ne sont pas des préludes à une peinture. Certains dessins, selon l'artiste, peuvent prendre plus de temps à compléter qu'une peinture.

Beaucoup de dessins de Murphy expriment un moment dans le temps, c'est-à-dire la période entre une action et sa résolution. Dans le dessin Répandre, nous assistons à un verre brisé avec le déversement de lait répandu sur une table en bois. Nous apercevons le déversement juste au moment où une belle réflexion de fenêtre frappe la mare de lait. Un hasard? À peine. Aucune des natures mortes de Murphy n’arrive.

Lumière du four
2008, graphite, 29 5/8 x 37.

La vision peut être éphémère mais le rendu ne l'est pas. La construction de cette configuration est un processus soigneusement conçu. Comment pouvez-vous contenir l'image du lait renversé pendant des mois en attendant de voir le bon reflet? En réponse, Murphy renversa du gesso blanc sur une table en bois et lui permit de durcir et de sécher. Le gesso a malheureusement séché le mat, ce qui n'était pas la bonne surface pour capter la lumière, alors Murphy a brossé un support acrylique sur le dessus pour donner au déversement une surface brillante et réfléchissante.

À l'origine, selon l'artiste, le verre du dessin n'était pas brisé. "Le dessin n'a tout simplement pas fonctionné", raconte l'artiste. «Je venais en studio jour après jour, et ça n'a pas fonctionné. Finalement, j'ai pris un marteau et brisé le verre, et le voilà. » C’est pourquoi les dessins de Murphy semblent immédiats. Ils nous surprennent car l'artiste est prêt à risquer une pièce de six mois avec le coup d'un marteau. Maintenant, Répandre a une histoire avec un bord violent. Qui a renversé le lait et pourquoi? Qui a brisé le verre et comment? Qui va le nettoyer par une si belle journée ensoleillée?

Tous les dessins récents de Murphy sont en noir et blanc et complètement tonaux. Ce sont deux choix distincts. Un dessin tonal est celui dans lequel la surface se construit au fil du temps, effaçant les lignes qui séparent les bords des objets au sol. "Pour un dessin qui peut prendre des mois, je passe environ une heure sur la ligne initiale." Déclare Murphy. Une façon d'étudier la technique d'un artiste consiste à rechercher des zones qui peuvent ne pas être complètes. Dans ces zones, nous pouvons observer la main de l'artiste. Dans le cas de Murphy, le meilleur endroit pour regarder est le bord de l'image, où la ligne de démarcation se produit entre le papier blanc et le graphite. Normalement, cette zone est couverte par le tapis dans un cadre. Étagères de studio, observé de près, révèle une surface fortement accumulée de graphite sur du papier épais. Murphy utilise du papier Arches en rouleau, généralement de 140 livres, et des crayons graphite Prismacolor Turquoise 5B aiguisés jusqu'à la pointe d'une aiguille. Elle construit la surface de graphite en travaillant dans les ténèbres, laissant le blanc du papier comme le point culminant le plus léger. Parfois, l'artiste travaille de gauche à droite, en superposant progressivement le dessin avec du graphite et en le réduisant avec des gommes jusqu'à ce que le bon effet soit atteint. Travailler à partir d'un rouleau de papier au lieu de feuilles individuelles permet à l'artiste de choisir la taille et la forme de son plan d'image. Par exemple: Étagères de studio mesure 29½ x 36 3/4, Divisé est de 36 x 42 1/2, et Balayé est de 25 5/8 x 33 1/2.

Étagères de studio
2008, graphite, 29 1/2 x 36 3/4.

Le choix du noir et blanc est important. Une partie de l'expérience émotionnelle d'observation est emportée par la suppression de la couleur. Ces dessins deviennent journalistiques dans leur présentation. L'accent est mis sur les objets, les relations entre les objets et la lumière qui tombe sur eux. Fait intéressant, afin de créer un objet crédible en valeur, l'artiste doit être bien versé dans la réaction des couleurs. Chaque gris représente une couleur différente Perles jaunes, le gris d'une perle jaune est complètement différent de celui de la couleur chair du cou de la gardienne ou du vert de sa blouse. Le théâtre est un autre élément inhérent à un dessin en noir et blanc avec une large plage de valeurs. Le récit de l'image devient clé, comme dans Rayures. Voici l'histoire d'un chat invisible, d'une chaise de famille et de sa destruction.

Demander à un artiste de nommer les artistes qu'il admire le plus est une affaire délicate, principalement parce que le goût et l'opinion changent si souvent. Les influences d'aujourd'hui changeront probablement le matin. Alors quoi - nous demandons quand même. La réponse de Murphy à cette question était intéressante. Les peintres minimalistes Robert Mangold et Ellsworth Kelly sont des influences majeures. Dans la peinture et le dessin minimalistes, l'idée devient la clé et le style devient sans objet car il y a très peu, voire rien, à la surface. Ce qui intéresse les minimalistes, c'est la géométrie du plan de l'image. Catherine Murphy aime la géométrie, c'est la façon dont elle compose sa page. Par exemple, Balayé dépeint un ovale de débris avec des marques du balai pointant vers cet ovale. Murphy traite sa surface uniformément de gauche à droite, et sans changement de mise au point, cela peut aplatir le plan de l'image, comme dans certaines illustrations minimalistes. Mais ici, l'influence s'arrête. Pour certains, le minimalisme est une fin. Pour Murphy, ce n'est qu'un début.

Répandre
2007, graphite, 28 x 40.

La véritable passion de Murphy réside dans l'observation - être fidèle à ce qu'elle voit. Être fidèle à sa vision physique apporte toute une série de nouveaux éléments à la page, dont le moindre n'est pas les dimensions psychologiques et physiques du sujet. Par exemple, Le dos d'Eileen est une étude géométrique du dos d'une femme. Oui, mais on ne peut pas ignorer le fait qu'il s'agit d'un dos très tacheté de femme d'âge moyen, la composition recadrée au niveau du cou pour attirer l'attention sur les omoplates entre ses bretelles de soutien-gorge. Nous touchons sa peau avec nos yeux. Dans Balayé nous avons une vue à l’œil de la souris d’un tas de poussière. Bref, les minimalistes nous repoussent, mais Murphy nous rapproche de nous. Parfois trop proche et trop personnel? Certes, elle nous montre les coins négligés de nos vies. Il y a de la poésie dans ces coins et de la musique. Mais pas de romance - l’art de Murphy est l’art du réel et du non-verni.

À propos de l'artiste

Catherine Murphy est née à Cambridge, Massachusetts, et a étudié au Pratt Institute, à Brooklyn, New York, et à la Skowhegan School of Painting Sculpture. Elle a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles et a été critique principale de la peinture à l'Université de Yale, à New Haven, Connecticut, pendant deux décennies. Elle est représentée par Knoedler Company, à New York.

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