Techniques et astuces

Le processus de peinture: retravailler et adapter

Le processus de peinture: retravailler et adapter


Transcendance (pastel, 30 × 40)

Quand je suis en studio, je pense d'abord à toutes les possibilités de composition de la pièce. Tout doit servir la composition, et parce que je ne peux pas forcer une bonne peinture, je dois permettre un flux d’idées. Cela est certainement vrai lorsque vous essayez de créer une métaphore ou une idée narrative pour une pièce sans qu'elle soit fausse ou artificielle. Même si j'apporte beaucoup de changements à mon travail au fur et à mesure qu'il se développe, je pense toujours que le concept initial d'une peinture doit être suffisamment solide pour permettre la construction d'idées. C'est parce que les idées de composition établies au début d'une peinture vont être là à la fin, même si vous les recouvrez complètement. Créer un mauvais concept pour une peinture peut être comme écrire une thèse moche pour un papier; si l'idée n'est pas solide, vous passez votre temps à essayer de prouver quelque chose en quoi vous ne croyez pas.

Processus de Ron Monsma en 6 étapes:



1. Esquisser les bases
J'ai commencé à dessiner librement ma composition avec du charbon de vigne sur une feuille de carton d'illustration pressée à froid que j'avais tonifiée avec un lavis aquarelle vert-noir. À ce stade, j'ai évité d'ajouter trop de tons clairs dans les zones qui finiraient par avoir une couleur saturée, afin de ne pas affecter la pureté des couches suivantes. J'ai cependant ajouté un peu de pastel gris clair pour donner du volume à la figure.


2. Valeurs et teintes
Travaillant du foncé au clair, je me suis massé dans les zones de couleur locale. J'ai choisi les teintes les plus riches et les plus saturées qui maintiendraient toujours l'intégrité des zones de valeur. Cela s'est produit assez rapidement. J'ai décidé très tôt, cependant, que la tête avait besoin d'une zone plus claire pour sauvegarder le côté ombragé du visage.

Ce détail (encart) de la tête de mon modèle, Sumi, suggère que je n'étais pas encore sûr de la couleur ou du ton que je voulais pour l'arrière-plan. Je n'avais pas décidé si je voulais que l'ombre du visage soit claire sur un fond sombre ou plus silhouette sur un fond clair. Cela montre également que je poussais l'intensité des zones claires du visage, me forçant à garder la couleur riche. Les zones de couleur et de valeur sont encore lâches mais établies.


3. Trouver la profondeur
Le modèle absent, je me suis concentré sur la nature morte des oranges. J'ai construit chaque fruit en utilisant des tons rouges, jaunes et oranges saturés. Les tons d'ombre ont été aidés par la couleur de fond pour les lumières réfléchies et l'ajout de bruns foncés et d'un vert neutre foncé (encadré). J'ai également travaillé le fond noir plus complètement, en le frottant avec mes doigts. Comme on peut le voir dans l'exemple ci-dessus, j'ai commencé à dessiner dans les feuilles en brisant le noir avec une gomme pétrie.


4. Changer l'arrière-plan
À ce stade, je m'accrochais toujours au fond sombre et j'avais introduit une arche indiquant un mur derrière la figure. Cela m'a permis de garder le noir derrière la nature morte, mais j'étais toujours en désaccord sur le ton et la couleur derrière Sumi. J'ai commencé à voir que la figure devenait secondaire par rapport à la nature morte, et j'ai envisagé de permettre au travail d'aller dans cette direction. Ma préoccupation, cependant, était que plus d'intérêt devait être porté sur le côté droit de ma peinture, et j'ai finalement sacrifié le fond sombre, qui a inversé la relation de valeur de la figure et du mur.


5. Resserrer la composition
À ce stade, j'ai abandonné l'arche et étendu un peu le mur vers la gauche pour briser la verticale directe provenant du pied de la table et pour amener la nature morte davantage dans la zone de la figure. Le design de la table a été inventé pour compléter la voûte du ventilateur, et plus de feuilles ont été ajoutées pour cette même raison. Le mur a été créé en faisant glisser des tons pastel orange et vert-gris sur le ton de fond existant et en grattant une lame de rasoir sur la surface pour la texture. À cette époque, les caractères coréens ont également été introduits.


6. Touches finales
À ce stade, la verticale du mur semblait trop rigide alors j'ai réintroduit l'arc, mais avec une courbe moins dramatique. J'ai également adouci les transitions du côté ombragé du visage et nettoyé et resserré les autres zones pour maintenir une qualité picturale. Le résultat est Transcendance (pastel, 30 × 40).



Ron Monsma
est artiste, conférencier et chef du dessin et de la peinture à l'Université d'Indiana-South Bend. Son travail est connu à l'échelle nationale et internationale et a reçu de nombreux prix. Il est représenté par la Miller Gallery (Cincinnati) et la Blue Gallery (Three Oaks, Michigan). Voir plus de son travail sur son site Web.

Apprenez à maîtriser la composition ici.

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