Techniques et astuces

L'artiste et le modèle artistique: une relation symbiotique (et une démo)

L'artiste et le modèle artistique: une relation symbiotique (et une démo)

Appliquant ce qu'il a appris des études classiques en Italie, Justin Hess utilise des huiles faites à la main et la méthode de la taille à vue pour réaliser des peintures intemporelles. «A Symbiotic Relationship» est initialement paru dans Magazine (novembre 2012). Lisez la suite pour cette démonstration gratuite de la figure / peinture à l'huile Un deuxième regard (ci-dessous; huile, 35½x39½).

Une relation symbiotique
Par Justin Hess

Un mannequin a déjà commenté en plaisantant les visages que je faisais pendant que je me concentrais sur mon travail. En tant qu'artistes, nous avons tendance à nous laisser emporter par le moment tout en essayant de décrire avec précision le sujet traité. Il est facile d'oublier la relation intime avec notre modèle qui est créée en passant autant d'heures de travail intenses ensemble.

Pour Un deuxième regard, J'ai voulu représenter la relation symbiotique entre le modèle et l'artiste. Le modèle m'étudiait indirectement à travers le miroir avec la même intensité avec laquelle je l'étudiais. Avec son regard, elle a revendiqué l'environnement comme le sien et a insufflé sa force et sa grâce dans une peinture qu'elle a essentiellement contribué à créer.

L'inspiration pour Un deuxième regard provenaient de différentes sources, dont le peintre italien Giacomo Grosso (1860-1938), qui a peint un nu couché sur une peau d'ours (Nuda). J'avais acheté la peau de mouton sur laquelle le modèle est assis dans un petit marché en plein air en Norvège pendant que j'y enseignais un atelier. J'apprécie un environnement de respect professionnel mutuel entre le mannequin et moi en contradiction avec la tension sexuelle, ce que je vois dans de nombreux tableaux nus contemporains.

Démonstration de peinture de figure:

1. Croquis préliminaire: L'idée derrière l'esquisse préliminaire est de traduire le concept en image. J'essaie de travailler la pose mentalement ou, à l'aide d'un miroir, en me mettant dans la pose, afin d'avoir une meilleure compréhension de ce que je veux quand le modèle réel arrivera. C'est également un bon moyen de déterminer la composition en fonction de la taille et du profil de la toile qui conviendra le mieux au projet.

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2. Étude des couleurs: Le but de l'étude des couleurs est de mélanger avec précision des valeurs de couleurs spécifiques au sujet et à son environnement. Le but est d'obtenir une impression générale de ce à quoi ressemblera la peinture finie. Je peux utiliser cette étude comme référence lors de la peinture proprement dite.

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3. Configuration et blocage à vue: Conformément à la méthode de la taille à vue, j'ai installé ma toile directement à côté de mon modèle afin de créer une peinture grandeur nature. Mais la taille à vue ne signifie pas nécessairement la taille réelle. Plus la toile est amenée devant le modèle et vers le peintre, plus la peinture sera petite. Une règle générale à laquelle vous pouvez adhérer est de marquer votre point de vue à une distance trois fois la plus grande dimension de votre toile. Leonardo a écrit: "Lorsque vous dessinez de la nature, tenez-vous trois fois plus loin que l'objet que vous dessinez." Pour cette peinture particulière, mon point de vue était à environ 9 pieds de la toile, car la plus grande dimension de ma toile était d'environ 3 pieds. Avant de peindre, je crée un dessin au fusain pour déterminer le placement général de la composition et la forme générale de mon sujet. J'essaie de garder mes lignes droites et claires tout en évitant les détails pour que les changements soient plus faciles à faire.

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4. Conservez le blocage: J'ai conservé le dessin de bloc fini en le parcourant avec de l'ombre crue diluée à la térébenthine, qui était sèche le lendemain matin. Ensuite, j'ai essuyé la toile de tout charbon pour ne pas salir les couleurs que j'appliquerais.

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5. Blocage de peinture: Souvent, je n'utilise que les couleurs mélangées dans l'étude des couleurs pour faire le bloc de peinture, gardant ainsi toute la peinture harmonieuse et plus discrète. J'essaie généralement de couvrir toute la toile rapidement afin que les erreurs de composition ou proportionnelles soient plus faciles à voir.

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6. Forme de construction: Tout en vérifiant constamment mon dessin, je mets lentement plus d'informations. Il est important de ne pas être trop attaché au dessin d'origine et d'apporter des modifications, si nécessaire.

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7. Tapez le tableau: À ce stade, je tape la peinture, ce qui signifie que je trouve la lumière la plus claire et la plus sombre dans l'image. Dans ce cas, la peau de mouton a la valeur la plus claire et les cheveux du modèle sont les plus foncés. Ces deux extrêmes définissent la plage de valeurs limitée (par rapport à la nature) avec laquelle je vais travailler.

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Rencontrez Justin Hess
Justin Hess a étudié pendant trois ans à la Florence Academy of Art en Italie. Après avoir obtenu son diplôme, il a passé trois ans à Florence à enseigner la peinture et la préparation des matériaux, d'abord à l'Académie, puis en privé. Il a exposé des œuvres en Australie, en Europe et aux États-Unis. Il est représenté par W.H. Patterson à Londres; Galerie Michael à Beverly Hills, Californie; et John Pence Gallery à San Francisco. Son livre, Contrôle du processus créatif, sur l'utilisation de méthodes traditionnelles pour préparer des peintures, des toiles et des cadres, est disponible sur www.jhessfineart.com.

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