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La valeur d'une AMF

La valeur d'une AMF

Dans une interview avec John A. Parks, Deborah Bright, présidente du département des beaux-arts du Pratt Institute, plaide en faveur d'un diplôme de MFA. (Cet article a été publié pour la première fois dans le numéro de septembre 2014 de Magazine.)

Après avoir obtenu un baccalauréat en beaux-arts (BFA), de nombreux étudiants sont confrontés à un choix de carrière crucial: obtenir un diplôme de maîtrise en beaux-arts (MFA) ou simplement lancer une carrière tout de suite? La perspective de deux ans consacrés à son propre travail, encadrés par des artistes professionnels, a un attrait considérable. En outre, un MFA est considéré comme un diplôme terminal et qualifie le titulaire pour l'enseignement au niveau collégial.

En revanche, les coûts d'une AMF sont élevés. Dans de nombreuses écoles, les frais de scolarité pour un programme de deux ans dépassent largement les 70 000 $. Après avoir ajouté les matériaux et les frais de subsistance, le coût total pourrait bien dépasser 125 000 $. Même si les universités offrent presque toujours une aide financière, la plupart des étudiants peuvent être obligés de s'endetter considérablement. Pendant ce temps, les rendements financiers dans le monde de l'art sont généralement faibles. Alors qu'un petit nombre de stars de l'art obtiennent une richesse considérable, la plupart des artistes peinent à continuer à travailler. L'enseignement au collège peut sembler attrayant, mais la vérité est que les emplois sont rares et le salaire est souvent étonnamment bas.

Pour discuter de certains des avantages et des inconvénients de la poursuite d'une AMF, j'ai parlé avec Deborah Bright, présidente du département des beaux-arts du Pratt Institute, à Brooklyn, New York. (J'ai également discuté avec de jeunes artistes qui ont décidé d'aller de l'avant sans MFA.)

John Parks (JP): Quels sont les principaux avantages qu'un étudiant peut espérer retirer d'un programme de MFA?

Deborah Bright (DB): Deux ans de croissance intense, encadrés par des artistes professionnels à succès et la possibilité de rejoindre une communauté de pairs qui peuvent former un réseau intégré après l'obtention du diplôme. Il arrive souvent que les camarades de classe restent connectés virtuellement, sinon physiquement, avec leurs anciens professeurs et pairs, et les amitiés à vie sont entretenues. C'est important car être un artiste peut être une entreprise solitaire et décourageante sans soutien social.

Je ne saurais trop insister non plus sur l’importance de ces deux années de concentration sur le développement de la pratique en studio ou post-studio sans trop de distraction. La transformation des jeunes artistes pendant les études supérieures est étonnante, à la fois en termes de sophistication et d'accomplissement du travail réalisé et parce qu'ils comprennent le type d'engagement et d'intensité qu'ils doivent apporter à leur travail pour le soutenir.

JP: Quels conseils donneriez-vous à un étudiant potentiel qui lutte pour équilibrer l'équation risque financier / récompense dans la poursuite d'une AMF?

DB: Tous les programmes du MAE offrent diverses formes d'aide financière: bourses ou bourses, assistanats diplômés rémunérés et possibilités d'alternance travail-études qui paient mieux que le salaire minimum. Chez Pratt, nous permettons également à nos étudiants de suivre des stages rémunérés pendant qu'ils sont à l'école en même temps qu'ils obtiennent des crédits pour l'expérience professionnelle. Nous les aidons à trouver des opportunités de stages, qui sont nombreuses dans la région de New York. D'un autre côté, le nombre croissant d'étudiants internationaux (40% de notre classe de MFA à Pratt) constate que les prêts financés par le gouvernement américain leur sont fermés. Par conséquent, les étudiants internationaux viennent généralement de familles aisées qui peuvent se permettre de les subventionner ou leur gouvernement d'origine fournit des subventions.

Mais il est vrai qu'en tant qu'institution privée principalement axée sur les frais de scolarité, Pratt ne peut pas offrir le même type de soutien financier qu'une université d'État ou une institution privée bien dotée comme Yale ou MIT. Nous admettons également une cohorte beaucoup plus importante d'étudiants en beaux-arts (environ 50) chaque année que la plupart de nos établissements pairs. Les fonds sont donc très serrés pour nous, en effet.

JP: Quelles perspectives un maître des beaux-arts a-t-il pour obtenir un poste d'enseignant sur le marché du travail d'aujourd'hui?

DB: Ils ont de bien meilleures perspectives si les diplômés sont prêts à quitter la région métropolitaine de New York! Je dis souvent aux étudiants qui veulent vraiment enseigner qu'ils sont prêts à déménager dans le Midwest ou la ceinture de soleil pendant un certain temps pour développer leur expérience d'enseignement. Ensuite, ils peuvent postuler des emplois sur les deux côtes, s'ils le souhaitent.

Rester dans une grande région métropolitaine, à moins que l'on ne devienne une star du marché (et que souvent les stars du marché n'enseignent pas parce qu'elles doivent lancer le produit à plein temps), signifie enseigner au bas de la chaîne alimentaire, peut-être pendant des décennies. C'est une vie difficile si vous vous souciez de l'enseignement en tant que vocation. Il n'y a pas de loyauté institutionnelle envers les auxiliaires, la rémunération est faible et les avantages sociaux quasi inexistants. Ce n'est un secret pour personne qu'une grande partie du monde de l'art new-yorkais, ainsi que l'éducation artistique dans la ville, dépendent du travail sous-financé des artistes, à moins qu'ils ne soient représentés par des syndicats. À Pratt, les professeurs auxiliaires sont syndiqués et garantissent une certaine sécurité d'emploi après avoir enseigné pendant un certain nombre de semestres consécutifs.

JP: Pensez-vous qu'un MFA donne à un artiste un quelconque avantage pour assurer la représentation dans une galerie ou une autre exposition au monde de l'art?

DB: Oui. Il n'en a pas toujours été ainsi, mais depuis l'époque du marché de l'art des années 1990, certains programmes de MFA très sélectifs ont payé des salaires attractifs aux professeurs vedettes et sont devenus des écoles nourricières (Yale, Columbia, UCLA) pour les systèmes de galeries de New York et Los Angeles, ce qui a considérablement accru les attentes des candidats. Désormais, chaque programme du MFA essaie de construire des pipelines vers le monde des galeries en invitant les critiques et les marchands à rencontrer les étudiants du MFA et à voir leur travail. Chaque programme de MFA à New York, par exemple, a des studios ouverts qui sont bien publicisés et qui permettent au public (et, espérons-le, aux galeristes et curateurs à la recherche de nouveaux talents) de voir de nouveaux travaux au MFA. Les thèses sont de plus en plus organisées dans de véritables galeries d'art louées pour une semaine ou deux par les programmes du MAE. À New York, c'est un réel avantage, et les écoles situées en dehors de New York louent des espaces ici pour présenter leurs élèves au moment de la remise des diplômes. À Pratt, nous exploitons notre emplacement à North Brooklyn pour connecter nos étudiants MFA directement aux galeries et conservateurs des quartiers adjacents de Williamsburg et Bushwick, des lieux qui ont tendance à montrer le travail d'artistes plus émergents.

JP: Certains jeunes artistes cherchent des moyens de poursuivre leur croissance artistique sans étudier pour un MFA. Les communautés basées dans des studios ou des réseaux étroits de diplômés récents offrent une dynamique de groupe similaire à un coût bien inférieur. Certains disent que le réseautage par le biais d'ouvertures de galeries et d'événements dans une région métropolitaine est plus efficace que d'essayer de le faire en milieu universitaire. Pensez-vous que ces critiques ont raison?

DB: Le réseautage peut fonctionner pour des artistes plus âgés, plus aguerris et plus disciplinés qui sont déjà basés dans une ville de marché comme New York - qui sont déjà connectés et savent exactement ce qu'ils veulent et comment y arriver; cependant, c’est rarement le cas. La plupart des artistes issus des programmes BA / BFA ne sont pas à ce stade, pas plus que ceux qui vivent en dehors des grandes villes de marché comme New York, Chicago ou Los Angeles. Ils ne savent même pas par où commencer pour trouver ces réseaux, en particulier dans les villes suprêmement compétitives où vos connaissances comptent autant que la qualité de votre travail.
Si un étudiant de premier cycle obtient ce type de capital social, je dirais: foncez! Mais ce genre de savoir-faire est rare. Pour atteindre leur potentiel, la plupart des jeunes artistes ont besoin de ces deux années de croissance intensive sous la tutelle d'enseignants experts et de pairs tout aussi ambitieux. Ils auront le reste de leur vie pour faire leur chemin en tant qu'artistes professionnels, et deux ans doivent être mesurés par rapport à peut-être 40 à 50 ans de productivité. L'école est toujours un bon investissement si être un artiste est ce qui compte vraiment pour vous.

De plus, et je ne saurais trop insister là-dessus, le marché n'est pas pour tout le monde - c'est un système gagnant-gagnant qui est très compétitif et qui exclut beaucoup de bon travail. Heureusement, il existe d'autres façons de vivre et de travailler en tant qu'artiste. On peut travailler au sein d'une communauté en tant qu'artiste en résidence; travailler pour une organisation artistique à but non lucratif; créer une petite entreprise qui génère suffisamment de revenus pour soutenir son art, ou travailler avec des enfants dans des entreprises quasi éducatives, comme Studio in a School à New York. Pour être exposé à ces options, il faut être dans un endroit où ces contacts peuvent être établis. Chez Pratt, nous avons un solide séminaire sur les pratiques professionnelles que tous les étudiants du MFA suivent, ce qui les prépare à se frayer un chemin dans le monde à but non lucratif et le marché.

Le véritable objectif de l'enseignement supérieur est d'enseigner aux étudiants comment continuer à s'enseigner eux-mêmes, à être flexibles et à profiter des opportunités qui existent. Il n'y a pas de cheminement de carrière unique qui soit inévitable ou adapté à chaque artiste; la plupart des artistes vivent de nombreuses «vies» différentes au cours de leur carrière.

Liste de vérification des futurs étudiants du MFA

  • Faites une recherche approfondie sur les programmes pour vous assurer qu’ils offrent une formation et un soutien pour le type d’art qui vous intéresse. Visitez les écoles et parlez aux étudiants et aux professeurs.
  • Découvrez combien d'aide financière est offerte; cela varie considérablement d'une école à l'autre. Souvent, les écoles haut de gamme ont plus d’aide que les écoles plus petites et moins chères. Rencontrez un agent d'aide financière et soyez prêt à négocier.
  • Jetez un œil aux programmes qui se déroulent sur plusieurs étés. Ils sont généralement moins chers.
  • Comprenez qu'il n'y a aucune garantie de carrière avec un MFA. Les emplois d’enseignant sont rares et le monde de l’art n’est pas un endroit facile à vivre. Cependant, des écoles «nommées» comme Yale, Columbia, RISD (Rhode Island School of Design) ou UCLA (University of California – Los Angeles) confèrent certainement des avantages en termes de perspectives de carrière.

Peintre et écrivain, John A. Parks a exposé son travail à New York et dans le monde. Il détient une maîtrise en peinture du Royal College of Art de Londres, ce qui équivaut à un MFA américain. Dit Parks, "J'ai eu la chance d'étudier en Angleterre à un moment où nous avons reçu à la fois des frais de scolarité gratuits et une petite allocation pour vivre."

Note de l'éditeur: Il existe une myriade d'excellents programmes de MFA dans les collèges, universités et écoles d'art situés dans d'autres régions et dans d'autres pays.


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