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Gregory Halili: Miniatures aquarelles

Gregory Halili: Miniatures aquarelles

Cette interview de l'aquarelliste Gregory Halili, réalisée par Sarah A. Strickley, a été publiée pour la première fois dans le numéro de décembre 2007 deArtiste aquarelle.

Dans la tradition artistique, horreur vacui (prononcé vack’wee) est la contrainte de faire des marques dans tous les espaces disponibles, remplissant toute la surface de formes, de lignes, de figures et de détails ornementaux. Bien que souvent classés comme de l'art étranger, certains soutiennent que les principes de horreur vacui sont ceux qui façonnent maintenant le goût contemporain et, par extension, le paysage urbain contemporain. Pensez aux panneaux d'affichage et aux publicités qui remplissent chaque pouce d'espace disponible dans de nombreuses grandes villes du monde.

Souvent, l'art créé dans cette tradition exprime l'obsession ou l'anxiété - après tout, dans sa traduction littérale latine, c'est la peur de l'espace vide ou du vide - et pourtant Gregory Halili Constellation peintures, que l'artiste décrit comme émergeant de la horreur vacui contrainte, ne portez aucun malaise ou angoisse que vous pourriez attendre d'un travail si étroitement rendu. Au lieu de cela, ils possèdent une intensité stable, un air riche et festif. Ils honorent l'espace dans lequel ils émergent, s'y prélassant avec la précision d'une aiguille à broder.

Le travail de Gregory Halili exprime le désir d'invoquer des mondes présents et des mondes passés, de se souvenir de ce qui était et d'imaginer ce qui pourrait être - une variation intéressante et rafraîchissante sur l'inquiétude et l'anxiété que beaucoup attribuent à la toile de fond de la vie moderne. Compte tenu du niveau et des couches de détails présents dans ses aquarelles luxuriantes et verdoyantes, vous serez peut-être surpris de découvrir qu'il travaille à l'échelle miniature: la plupart de ses peintures mesurent entre 1 × 1 pouce et 10 × 12 pouces. Pour les apprécier pleinement, il faut les approcher, porter le nez au papier. Aller de l'avant. Plus vous vous rapprochez des mondes à l'intérieur de ces peintures, plus vous êtes certain d'en découvrir: un étonnant flot de couleurs, ou une ligne se déplaçant avec la fluidité langoureuse de l'abeille non pressée. Le travail de Halili invite à un échange intime avec ses téléspectateurs, favorisé par le sentiment de nostalgie généreux qui les entoure. Nous ne pouvons pas nous empêcher de penser que nous assistons à quelque chose dont nous avons toujours su l'existence, mais que nous n'avons jamais eu la chance de voir.

J’ai eu le plaisir de parler récemment avec l’artiste de sa vie et de son œuvre. Voici une transcription de notre conversation:

Sarah Strickley: J'ai lu que vous étiez né et élevé aux Philippines. Je voudrais parler un peu de la manière dont le paysage de votre enfance pourrait éclairer une partie de votre travail et je peux imaginer quelques pistes dans cette conversation. Peut-être devrions-nous commencer par les choses simples. Avez-vous toujours été artiste, même enfant? D'autres membres de la famille étaient-ils impliqués dans les arts? Qu'est-ce qui vous a inspiré pour commencer à peindre?

Gregory Halili: L'art, ou l'idée de l'art, m'est venu très jeune. J'ai toujours mon premier dessin survivant d'un hélicoptère, terminé à l'âge de deux ans. Le dessin est devenu mon passe-temps. Enfant, je participais souvent à des concours d'art à l'école, en compétition aux côtés de mes amis, qui m'encourageaient à travailler plus dur car ils étaient beaucoup plus talentueux. Les matériaux d'art n'étaient pas bon marché, donc les crayons de couleur et les aquarelles de qualité étudiante étaient ma seule option quand j'étais enfant. Ce n'est que lorsque ma famille et moi avons immigré aux États-Unis en juin 1988 que j'ai été exposé à divers médiums. Bien sûr, le matériel artistique n'est pas bon marché ici non plus, mais le système scolaire américain a fourni du matériel formidable pour les cours d'art. J'ai eu la chance d'avoir de merveilleux professeurs d'art et la chance d'avoir une famille, qui m'a encouragé et guidé pour continuer à peindre. Personne dans ma famille n'est impliqué dans les arts.

Sarah Strickley: Je sais que vous avez étudié à l'Université des Arts de Philadelphie. Comment votre temps à l'université a-t-il affecté ou façonné votre travail, le cas échéant?

Gregory Halili: Ma famille a vécu une vie modeste aux Philippines. Nous avons immigré ici aux États-Unis parce que mes parents voulaient donner à mes frères et sœurs et à moi une meilleure éducation et de meilleures opportunités. J'ai toujours aimé les arts et la peinture, donc avant même d'aller au collège, au lycée, je reproduisais et reproduisais souvent des chefs-d'œuvre de livres et parfois je travaillais dans des styles et des périodes particulières au musée. J'ai eu ma juste part de passages artistiques à travers les mouvements artistiques et les «ismes». Ces périodes d'expérimentation et d'admiration ont été un grand moment dans mon développement artistique. Non seulement j'apprenais les techniques de peinture et l'histoire de l'art, mais en même temps, je découvrais qui j'étais en tant qu'artiste individuel. Au moment où je suis entré à l'Université des Arts, je peignais déjà des miniatures. Mon passage à l'université a été une expérience enrichissante. J'ai essayé d'apprendre et d'absorber autant que possible, non seulement de mes professeurs, mais aussi de mes camarades de classe. Ce que j'ai appris n'était pas comment peindre et créer des miniatures, mais simplement comment peindre. On m'a appris que plus je résolvais de problèmes de peinture dans des formats grands et traditionnels, plus il devenait facile de peindre à petite échelle.

Sarah Strickley: Quand avez-vous commencé à peindre des miniatures qui évoquent le paysage de votre enfance? Qu'est-ce qui vous a amené à cet endroit dans votre travail?

Gregory Halili: Né à l'autre bout du monde, je ne peux m'empêcher de me souvenir de mon ancienne maison et de ses souvenirs. Mes souvenirs d'enfance jouent un rôle important dans le développement de mon art. Peindre le paysage de mon enfance a été un processus créatif très lent. L'idée de la nostalgie m'est venue en 1997 lors d'un bref voyage de retour dans mon ancienne maison aux Philippines. Mon retour a suscité l'inspiration pour créer les souvenirs cachés qui étaient en incubation dans mon esprit. Je sens que ma manifestation du paysage philippin évolue toujours.

Sarah Strickley: Peignez-vous dans l'espace de la mémoire et de l'imagination? Si oui, quel effet pensez-vous que cela a sur les qualités tonales de vos tableaux?

Gregory Halili: J'ai toujours eu du mal à dépeindre ce qui est dans mon cœur et mon esprit, et ce qui se manifeste parfois n'est pas ce que j'ai dans mon imagination. Je suis à la recherche de la qualité nostalgique qui implique ma réflexion intérieure, à travers des choix de peinture monochromes ou minimaux. Je suis beaucoup plus intéressé par la qualité symbolique qu’un certain sujet peut représenter, plutôt que par la représentation réelle d’un objet.
Sarah Strickley: Pour vos autres travaux, vos paysages urbains par exemple, vous utilisez une palette entièrement différente. Pourriez-vous nous parler un peu de votre approche de ces pièces?

Gregory Halili: Je me souviens encore très bien de la façon dont j'ai vu New York pour la première fois. Comme c'était magnifique. Mon souvenir de ce moment a été le fondement de ma série et de mes paysages urbains de New York. Chaque peinture commence par une seule photographie, sélectionnée parmi les centaines de photographies que j'ai prises au fil des ans. Je ne reproduis pas l'image photographique; Je l'utilise comme source d'inspiration et de référence. Comme mes paysages, je garde ma palette pour les paysages urbains chaleureux et minimal, évoquant mon affection et mon admiration pour cette ville étonnante.
Sarah Strickley: Qu'est-ce qui vous a attiré vers l'aquarelle et la gouache? Avez-vous toujours eu de l'affection pour les médias à base d'eau ou y avez-vous évolué?

Gregory Halili:Bien que je sois formé à d'autres médiums, l'aquarelle a toujours été ma préférée, même enfant. Mon temps avec la gouache a été bref, ne durant que quelques années. Quand j'ai commencé la peinture miniature - vers la 8e année - j'ai créé de très petits insectes, et même un zèbre de la taille d'une puce. J'ai adoré les aspects techniques de l'aquarelle. Avec le temps, j'ai commencé à découvrir d'autres propriétés techniques et à l'aimer encore plus. L'aquarelle est un médium d'une grande polyvalence. Il peut être contrôlé pour créer des mondes aquatiques chaotiques ou des détails hautement rendus et ordonnés, que j'applique souvent à mon travail.

Sarah Strickley: Comme vous l’avez mentionné précédemment, vous pouvez peindre à plus grande échelle si vous le souhaitez. Qu'est-ce qui vous attire dans la miniature? Dans le passé, les miniatures ont servi de rappel de la maison aux voyageurs. Je me demande si cette idée est celle dont vous puisez.

Gregory Halili: Je suis fasciné par la façon dont les miniatures révèlent des expériences différentes, par opposition à l'expérience de visionner des œuvres à grande échelle. Les œuvres à petite échelle ont une intimité physique et psychologique que les grands formats ne peuvent révéler. Sa manifestation permet au spectateur de scruter le travail pour le processus technique et de poser des questions associées à l'échelle par rapport au sujet. Si l'on crée une peinture de la taille d'un panneau d'affichage, c'est accablant. Mais si on crée une peinture en miniature, c'est à une échelle un à un et à un niveau plus intime. Mes miniatures servent de fenêtre sur mon monde intime, de rappel de mon passé et d'aperçu de ma mémoire.

Oui, les miniatures ont servi de pendentifs et de médaillons aux XVIe et XVIIe siècles lorsque les voyageurs se sont mis en route pour le nouveau monde. C’est la même idée à partir de laquelle je crée mon art - pour servir à la fois de rappel et de mémoire contenue.

Sarah Strickley: J'ai mentionné plus tôt le changement spectaculaire de palette entre vos différentes collections de peintures. Qu'est-ce qui inspire vos choix à cet égard?

Gregory Halili: Je travaille mes tableaux en grappe et en série. Chaque série commence par une seule peinture ou une idée à partir de laquelle l'ensemble se ramifie. Les choix pour ma palette dépendent de l'émotion et de la traduction de ce que je veux évoquer. Mes peintures de New York ont ​​commencé à partir d'une seule photographie, que j'ai prise des années avant de créer réellement l'œuvre d'art. La période d'incubation nécessaire au démarrage de la série a été un processus mental essentiel. Je peux maintenant voir - et plus important encore, sentir et traduire - l'image de la photographie comme une pièce ancienne et ancienne. Limiter les couleurs de ma palette pour chaque peinture est une décision consciente. Pour mes nouvelles peintures Constellation (voir peintures en haut), je suis consommé par le horreur vacui et la création de détails merveilleux, ressemblant à un univers miniature. Le choix de la palette est dans des extrêmes opposés - clair et sombre, tout comme la lumière des étoiles et l'obscurité de l'espace. Le spectateur peut être surpris de trouver des touches de couleurs dans mes miniatures. Plus on regarde de près, plus on en trouve.

Sarah Strickly: Où commence la peinture pour vous?

Gregory Halili: Les idées pour mon art s'inspirent principalement de la réflexion intérieure et des expériences basées sur des photographies anciennes, des voyages et des croquis. La création d'une miniature est un processus technique court. C’est le processus créatif qui prend plus de temps, la plupart du temps à étudier, dessiner et contempler le travail.

Je me sens très bénie, chanceuse et humble d'être dans une situation où je peux être créatif et produire du travail au quotidien. Je sens profondément que les artistes en général sont en mesure d’enrichir le monde et de partager la beauté créée. Chaque jour, je vois mon travail comme une opportunité d'être passionné et créatif. Chaque miniature est créée avec patience et réflexion silencieuse.

Sarah Strickley:Vous pouvez rendre un niveau de détail extraordinaire à très petite échelle. Au risque de paraître idiot, je vais aller de l'avant et vous demander: comment faites-vous?

Gregory Halili:Sur le plan technique de la peinture des miniatures, j'utilise une loupe à main et des pinceaux aquarelle en sable kolinsky, allant de 5 × 0 à n ° 4. Mes papiers aquarelles sont principalement des arches pressées à chaud. Chaque peinture et sujet est différent, donc chacun est abordé différemment. Pour les formes plus biomorphiques comme les portraits et les papillons, le dessin sous-jacent est créé en fines lignes ocres ou jaunes, à l'aide d'un pinceau 3 × 0. Pour les détails architecturaux des paysages urbains de New York, je commence par dessiner avec précision les fondements du sujet avec un crayon très pointu. Les premiers lavages sont principalement sur les premières étapes, lorsque je crée la sous-couche. Les autres sont des étapes de détails contrôlés et de superposition de couleurs. Je détermine la bonne consistance de la peinture et de l'eau en testant les coups de pinceau sur un autre papier avant de le mettre sur l'illustration réelle.

Contrôler l'aquarelle à très petite échelle, c'est presque comme de la méditation. Il faut être très calme. Même une petite gigue peut avoir un effet sur la création de lignes précises.

Je crée principalement des aquarelles en couches, souvent quatre couches ou plus. Et je retravaille souvent presque entièrement une peinture trois à cinq fois avant de la sentir terminée et aussi loin que possible sans être excessive. Chaque miniature est finie différemment, non pas par le temps, mais par ce que je ressens quand c'est fait. Comme beaucoup d'artistes, j'ai l'impression qu'une peinture ne peut jamais vraiment être achevée. On peut travailler et retravailler une pièce continuellement, pendant très longtemps, et la changer complètement. Un artiste doit savoir quand une œuvre est terminée.

APPRENDRE ENCORE PLUS

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